К 84-летию со дня рождения Муслима Магомаева.

84 года назад 17 августа 1942 года в Баку (СССР) в семье театрального художника Магомета Магомаева и драматической актрисы Айшет Магомаевой родился прославленный эстрадный и оперный певец, обладатель непревзойденного баритона, композитор, народный артист СССР (1973) Муслим Магомаев.

Популярность Магомаева была безграничной: многотысячные стадионы, бесконечные гастроли по всему Советскому Союзу, постоянные выступления на телевидении, гастроли в ведущих оперных театрах мира, пластинки с его песнями выходили огромными тиражами, по сей день он остается кумиром для нескольких поколений людей. Муслим и эстрада словно были созданы друг для друга, кроме прекрасной техники, артист обладал чрезвычайно выигрышной сценической внешностью и манерами: элегантный, красивый, стройный и подтянутый, с царственной осанкой, при появлении на эстраде он моментально завладевал вниманием любого зала. Муслим Магомаев — это не просто певец, это бездна, из которой лавиной вытекает мелодичный и пронизывающий до дрожи голос, кажется нет такого человека, который был бы равнодушен к его таланту!

Джазовый стандарт - «My Gal Sal» (1905 г.). "Фривольная Салли".

Джазовые стандарты.

Барбершоп-стандарты.

«My Gal Sal» - популярная песня, созданная известным американским певцом, композитором и комедийным актером конца XIX - начала XX века Полом Дрессером (Paul Dresser) в 1905 году.

«My Gal Sal» - Joan Morris (1998). 

(Оригинальное исполнение «My Gal Sal» меццо-сопрано Джоан Моррис. Вместе с ее музыкальный партнером и мужем - пианистом Уильямом Болком певица специализируется на старых популярных песнях, в первую очередь с первой половины 20 века).

Репрессированная музыка. Михал Фершко (1911-1942).

Польский композитор, аранжировщик, концертмейстер Михал Фершко (Michal Ferszko) родился в Луцке 3 июня 1911 года в еврейской семье. Известно, что в Луцке было трое братьев Фершко: Хаим, Моисей (Михаил) и Шмуэль (Станислав). Их отец был архитектором, а мать - танцовщицей русского балета, а сами братья всю свою жизнь посвятили музыке.

Джими Хендрикс (Jimi Hendrix) родился 27 ноября 1942 года.

Американский гитарист-виртуоз, певец и композитор Джими Хендрикс (полное имя Джеймс Маршалл Хендрикс) родился 27 ноября 1942 года. В 2009 году журнал «Time» назвал Хендрикса величайшим гитаристом всех времен. Широко признан как один из наиболее смелых и изобретательных виртуозов в истории рок-музыки.

«Jazz und Deutschland» (Джаз и Германия): От начала XX века до 2-й Мировой войны.Часть 5.

«Jazz und Deutschland» (Джаз и Германия). «Swingjugend». Настоящие "дети свинга".

Гуляя по улицам современного Гамбурга кое-где можно увидеть серые, приземистые здания с крошечными окнами и толстыми бетонными стенами – это старые бомбоубежища времён 2-й Мировой войны. Во время налетов авиации союзников на город некоторые молодые люди охотно дежурили на крышах подобных убежищ в качестве добровольных наблюдателей, что позволяло им слушать запрещенные радиопередачи английского радио.

Гамбург того времени, наряду с Берлином и Франкфуртом, был одной из «горячих точек» третьего Рейха. Свинговая молодежь, получившая от властей презрительное прозвище «Swing-Heinis» и «Swingjugend», стала причиной постоянной головной боли для пропагандистов Геббельса. Все эти «Swing boy’s» и «Swing baby’s», с упоением танцующие свой зажигательный «kleiner Foxtrot», плевать хотели на все предписания и запреты в области молодежной политики нацистов.

«Beim Fünfuhrtee im Strandkaffee» - James Kok (1935).

«Jazz und Deutschland» (Джаз и Германия): От начала XX века до 2-й Мировой войны. Часть 4.

«Jazz und Deutschland» (Джаз и Германия). Cвинг на Адольф-Гитлер-Штрассе.

Летом 1941 года, через два года после начала войны, «Attraktionsorchester John Kristel» из Нидерландов выступали в Hamburger Alsterpavillon в качестве приглашенных артистов. Голландские музыканты играли джаз, музыку, которую и национал-социалистической Германии считали «дегенеративной». В последний вечер гастролей зал был переполнен; молодежь с энтузиазмом танцевала свинг. «Юноши и девушки» - вспоминал участник событий, «самозабвенно следовали за безумными трубными капризами, извержениями тромбона, прыжками кларнета, безумием саксофона и барабанной канонадой». Но потом музыка стихла, и зажегся свет. Гестапо перекрыло выходы, и все гости были арестованы.

«Jazz und Deutschland» (Джаз и Германия): От начала XX века до 2-й Мировой войны. Часть 3.

«Jazz und Deutschland» (Джаз и Германия). Swing in Nazi-Berlin - Борьба с "дегенеративной" музыкой.

«Основы джаза – это синкополяция и ритмические акценты негров, модернизированные нью-йорксеими евреями... Джаз - это негритянская музыка, на которую мы смотрим еврейскими глазами».

Это утверждение взято совсем не из национал-социалистической брошюры. Оно было опубликовано известным американским композитором, пианистом, музыкальным теоретиком и педагогом, членом Национальной академии искусства и литературы Генри Кауэллом (Henry Cowell) в журнале «Мелос». Эта цитата лишний раз доказывает, что расизм и, следовательно, неприязнь к джазу отнюдь не были в то время сугубо немецким явлением. Ведь именно расизм служил главным мотивом для запрета джазовой музыки с самого момента её появления. Из идеи, что черные принадлежат к низшей расе, вытекает неполноценность музыки, которую играет эта раса. Предполагалось, что джазовая музыка присуща исключительно людям с черным цветом кожи, что она находится, так сказать, «в их крови».

Swing in Nazi-Berlin: Otto Stenzel Orch – «Musik! Musik!» (1939).

Музыкальная жизнь Франции в эпоху режима Виши (1940 – 1944 гг.). Двойная жизнь французского джаза.

Джаз появился в Париже во время 1-й Мировой Войны – его принесли с собой американские солдаты, воевавшие на стороне Франции. В период между двумя мировыми войнами, благодаря чернокожим исполнителям, таким как Жозефина Бейкер (Josephine Baker), джаз сохранил свою популярность и стал, своего рода, символом борьбы с колониализмом. В 1932 году гитарист Джанго Рейнхардт (Jean Baptiste Reinhardt) и музыкальный критик Юг Панасье (Hugues Panassié) открыли в Париже «Hot Club de France», а двумя годами позже совместно со скрипачом и пианистом Стефаном Грапелли основал одноименный джазовый квинтет «Quintette du Hot Club de France». В 1935 году появляется журнал «Revue Jazz Hot», пожалуй, наиболее влиятельное джазовое издание своего времени и генеральный секретарь «Hot Club de France» Шарль Делоне (Charles Delaunay) становится его редактором. В журнале, который считался официальным органом «Hot Club de France», печатались статьи о творчестве Бориса Виана (Boris Vian), Андре Клерже (André Clergeat), Фрэнка Тено (Frank Ténot), Мориса Каллаза (Maurice Cullaz), Люсьена Мальсона (Lucien Malson) и других музыкантов, чьи имена стали гордостью французского джаза.

Воспоминания о любимых артистах. Валерий Ободзинский (1942 – 1997).

26 апреля 1997 года в Москве скончался гениальный советский эстрадный певец Валерий Владимирович Ободзинский. Его «Восточную песню», «Эти глаза напротив», «Колдовство» помнят до сих пор, а тогда это вообще были невероятные шлягеры. Все концерты шли с аншлагом, рядам поклонниц не было предела, пластинки расходились мгновенно. Конкурентов на эстраде у него практически не было – так же любим был только, пожалуй, Муслим Магомаев...

Забытый герой советской эстрады с трагической судьбой. Анатолий Королев (1942 – 1991).

«Ленинградец Анатолий Королёв — певец большого гражданского темперамента.  Все его песни социальны, страстны, полны мужественного и непримиримого пафоса. Такой пафос неизменно передаётся залу, потому, что в основе его не абстрактная декларация, а жизненная правда — выстраданная, обдуманная, осознанная».

Газета «Неделя».

Зал славы джаза. Банни Бериган (1908 - 1942).

Зал славы джаза.

Роланд Бернард Бериган, или, как его все звали, Банни Бериган (Roland Bernard "Bunny" Berigan) родился 2 ноября 1908 года в городке Гилберт и вырос в Фокс-Лэйке, штат Висконсин. Он был типичным музыкальным вундеркиндом – быстро овладел скрипкой и трубой и уже тинейджером играл в оркестре своего деда, Джона Шлицберга. Очевидно, от деда Банни и унаследовал музыкальный дар, быстро принесший ему необыкновенную славу. По иронии судьбы, возможно, именно деду, умершему в 1927 году от «склероза печени», Банни был обязан и второй страстью своей жизни – погубившему его алкоголизму.

Так или иначе, сначала Банни стал великим трубачом. Он учился в Университете Висконсина, а вечерами после учебы играл в танцевальных бэндах. После выпуска в 1928 году он приехал в Нью-Йорк и попал в оркестр Хэла Кэмпа (Hal Kemp). Именно с бэндом Кэмпа, уже в 1930 году, он записал свои первые блестящие соло и отправился в турне по Европе. Это был первый успех. Дальше началась настоящая гонка. В 1931 году Банни был солистом в биг-бэнде Томми Дорси, с 1932 по 1933 – играл у Пола Уайтмена, в 1934 – у Эби Лаймана, а с 1935 по 1936 – у Бенни Гудмана. В 1935 году Банни участвовал в легендарном турне Гудмана, начавшемся как абсолютная безденежная авантюра в разгар Великой Депресии и закончившемся 21 августа триумфом в танц-зале «Паломар» в Лос-Анджелесе – знаменитым концертом, который впоследствии стали считать точкой отсчета Эры Свинга.

Bunny Berigan & His Blue Boys – «I'm Coming Virginia» (1935).

Быстро став очень востребованным и популярным, Банни много работал с радиостудией "CBS" – то как фрилансер, то штатно. Его часто можно было услышать и по радио, и на пластинках, и в самых знаменитых клубах Нью-Йорка. Глядя на успех множества бэндов, с которыми он играл, в 1935 году Банни решил собрать свой собственный коллектив "Blue Boys". Но, хотя его музыканты и он сам выкладывались по полной, полная неприспособленность Банни к ведению бизнеса привела их к быстрому краху. Какое-то время он играл и записывался со знаменитыми певцами – Бингом Кросби, с Милред Бэйли (Mildred Bailey) и Билли Холидей. Затем в 1937 году опять солировал у Томми Дорси и, помимо прочего, сделал с ним одну из самых своих потрясающих записей: его соло в “Marie” считается подлинным шедевром. При этом оно звучало настолько мощнее хора и оркестра, что практически невозможно было поверить, что во время записи Банни стоял в 30 футах (то есть приблизительно в 9 метрах) от микрофона.

Tommy Dorsey, Jack Leonard and Bunny Berigan – «Marie» (1937).

В том же году Банни вновь попытается собрать собственный бэнд – и вновь будет испытывать постоянные трудности, как финансовые, так и личные. Жена музыканта, Донна, вместе с ним быстро пристрастилась к выпивке и постоянно устраивала скандалы. Обе дочки росли почти без присмотра. Начавшийся роман с певицей Ли Уайли (Lee Wiley), сделал ситуацию еще хуже – однако, как говорят, именно эта новая страсть и вдохновляла Банни, когда он сделал первую запись “I Can’t Get Started” со своим новым бэндом. В его исполнении эта композиция стала невероятно популярной. Именно её ему приходилось снова и снова играть на всех выступлениях – на какое-то время Банни стал буквально рабом одного хита. Известно, что Луи Армстронг, всегда признававший и высоко ценивший талант Беригана, в тот период отказался сделать свою запись “I Can’t Get Started”, сказав, что это «песня Банни». Впоследствии, в 1975 году, та пластинка Беригана 1937 года будет включена в «Зал Славы Грэмми».

Bunny Berigan & His Orchestra – «I Can't Get Started» (1937).

В начале 40-х, пытаясь расплатиться с накопившимися долгами, Банни работал все яростней, выступал все чаще и дольше – он даже уже и пел сам, и тоже с большим успехом, однако дела шли все хуже и хуже, поскольку и пил он все больше и больше. Банни уже не мог вставать и работать, если не выпивал, и уже часто не мог нормально выступать и исполнять свои фирменные соло, потому что выпивал слишком много. Каждый день был поиском нужного «баланса выпивки». Ни его отец, ездивший с ним по турне, ни его верный менеджер, Дон Палмер, как ни старались, не могли спасти Банни. Во время выступлений он так часто падал, что со временем превратил это в своего рода комический трюк – часть концертного номера: он, как будто нарочно, падал лицом вниз, без всяких видимых последствий. Но здоровье музыканта стремительно ухудшалось, и врачи запретили ему играть – альтернатива, немыслимая для Банни. Он жил музыкой и своими выступлениями, и без них, без публики, без всего этого просто умер бы морально. И Банни предпочел смерть физическую. Он продолжал играть. Во время выступлений он сплевывал кровавую слюну, он уже не мог есть и стал похож на скелет – рассказывали, что музыканты плакали, глядя, как он погибает на их глазах. Переутомление, истощение, пневномия, наконец, цирроз печени взяли своё – Банни умер 2 июля 1942 года – в возрасте 33 лет.

Bunny Berigan – «Sophisticated Swing» (Gail Reese, vocal) (1938).

И все-таки всего за 12 лет своей карьеры этот музыкант успел достичь невероятных высот и подарить миру невероятные эмоции. По мнению многих, Банни Бериган был лучшим белым трубачом Эпохи свинга. Говорили, что он как никто другой умел в любой импровизации выстраивать потрясающе стройную мелодию. Что только он мог так сочно и красиво звучать в низком регистре – и брать невозможные, фантастически звучащие верхние ноты. Что его исполнение многих джазовых стандартов, таких как "Honeysuckle Rose”, “Sophisticated Swing”, "King Porter Stomp", "Sometimes I’m Happy", "Blue Skies", "Prisoners Song" и многих других осталось непревзойденным. Говорили, что звук его трубы «парил» и заставлял весь бэнд парить вместе с ним. Что, как и его кумир Армстронг, Банни обладал волшебной способностью любую мелодию делать неповторимо своей. Что даже тех, кто был хорошо знаком с его игрой по записям и радио, буквально потрясали его живые выступления.

Dorsey, Berigan, Waller, McDonough, Wettling – «Honeysuckle Rose» (A Jam Session At Victor, 1937).

Когда самого Армстронга в 1941 году спросили, какими трубачами он восхищается, он сразу назвал Беригана: «Прежде всего я назову моего парнишку Банни Беригана. Я всегда восхищался его тоном, эмоциональностью, техникой, чувством фразировки и вообще всем. С моей точки зрения, Банни просто не может сделать в музыке ничего неправильного или некрасивого». И даже Бенни Гудман, который всегда был скуп на комплименты музыкантам и с которым у Банни, несмотря на их долгое и успешное сотрудничество, были в лучшем случае довольно натянутые отношения, впоследствии с искренним восхищением отзывался о Банни и о том уникальном эффекте, который он производил своей игрой: «Это было как разряд молнии, пронизывающий весь оркестр. Все и всё вокруг как будто летало. Вы можете объяснять это его музыкальностью, его мелодикой, его тембром, его потрясающими идеями – чем угодно. Это было и всё это вместе, и ничего из этого. Это было что-то от Бога».

R.I.P. Michael Nesmith (30 декабря 1942 - 10 декабря 2021).

Американский музыкант, автор песен, актер, продюсер и писатель Роберт Майкл Несмит (Robert Michael Nesmith) был наиболее известен как участник поп-рок-группы «Monkees». После распада группы Несмит продолжил свою успешную музыкальную карьеру, сначала с кантри-рок-группой «First National Band», с которой он попал в Тор-40 с хитом «Joanne», а затем в качестве сольного исполнителя. В 1981 году Несмит стал лауреатом премии «Грэмми» за свое телешоу «Elephant Parts».

Роберт Майкл Несмит родился в Хьюстоне, штат Техас, в 1942 году. Он был единственным ребенком в семье; его родители, Уоррен и Бетт Несмит (урожденная МакМюррей), развелись, когда Майклу было четыре года. Его мать в 1962 году вышла замуж за Роберта Грэма. Она занималась временными работами, начиная от канцелярской деятельности до графического дизайна, и в конечном итоге достигла должности исполнительного секретаря в «Texas Bank and Trust». В 1955 году Бетт Несмит изобрела жидкость для коррекции пишущей машинки, известную под коммерческим названием «Liquid Paper». В течение следующих 25 лет она превратила «Liquid Paper Corporation» в международную компанию, которую в 1979 году продала «Gillette» за 48 миллионов долларов. Несколько месяцев спустя Бетт скончалась в возрасте 56 лет.

Несмит учился в Средней школе Томаса Джефферсона в Далласе, где участвовал в хоровой и драматической самодеятельности. В 1960 году он был призван на службу в ВВС США, где прошел подготовку в качестве авиамеханика, получил аттестат зрелости и был демобилизован в 1962 году.

Michael Nesmith – «I've Been Searchin'» (1965).

После службы в ВВС Майкл получил от матери и отчима в качестве рождественского подарка гитару. Несмит стал играть в различных группах, исполняя фолк, кантри и иногда рок-н-ролл. Он поступил в колледж Сан-Антонио, где познакомился с Джоном Лондоном, в сотрудничестве с которым выиграл свою первую музыкальную награду, исполнив несколько своих песен. Майкл переехал в Лос-Анджелес и начал выступать в фольклорных клубах города. В 1963 году, он записал свой первый сингл на лейбле «Highness». В 1965 году на «Edan Records» и «Colpix Records» были выпущены ещё несколько песен Несмита.

The Monkees – «Mary, Mary» (1967).

Роберт Майкл стал писать больше собственных песен, что принесло ему определенную известность среди молодых лос-анжелесских музыкантов. Его песня «Mary, Mary» была записана блюз-группой Пола Баттерфилда, а в середине 1980-х переработана рэп-группой «Run DMC». Песни «Different Drum» и «Some of Shelly's Blues» были записан Линдой Ронштадт и группой «Stone Poneys» в 1967 и 1968 годах. «Pretty Little Princess», написанная в 1965 году, была записана Фрэнки Лэйном и выпущена как сингл в 1968 году на «ABC Records». Песни «Some of Shelly's Blues» и «Propinquity (I'm Just Begun to Care)» стали популярными благодаря группе «Nitty Gritty Dirt Band», которая записала их на альбоме 1970 года «Uncle Charlie & His Dog Teddy».

The Monkees – «Sweet Young Thing» (1966).

Вскоре создатель известной американской фолк-группы «New Christy Minstrels» Рэнди Спаркс предложил Несмиту помощь в популяризации его песен, а Барри Фридман пригласил Майкла Несмита на прослушивания в новый сериал под названием «The Monkees». В октябре 1965 года Несмит получил роль гитариста «Майка». выиграв конкурс благодаря тому, что на прослушивании он выглядел беспечным. Музыкант приехал на прослушивание на мотоцикле в шерстяной шапке, которую надел чтобы волосы не попадали в глаза. Продюсеры Боб Рафельсон и Берт Шнайдер вспомнили о «парне в шерстяной шапке» и перезвонили Несмиту. Шоу потребовало от Майкла реального таланта для выступления на живых концертах в составе группы. Телесериал транслировался с 1966 по 1968 год и впоследствии стал культовым.

The Monkees – «The Girl I Knew Somewhere» (1967).

После того, как Несмита взяли в шоу, «Screen Gems» купили его песни для использования в сериале. Некоторые из них, такие как «The Girl I Knew Somewhere», «Mary, Mary», «You Just May Be the One» и «Listen to the Band» стали региональными хитами.

The Monkees – «You Just May Be the One» (1967).

В рамках рекламной сделки с «Monkees» компания «Gretsch» создала для Несмита уникальную 12-струнную электрогитару с натуральной отделкой. Сделанная на заказ гитара в то время стоила 5000 долларов (эквивалент 36 500 долларов в 2018 году). Ранее музыкант играл на другой 12-струнной модели «Gretsch», которая изначально была шестиструнной. Роберт Майкл использовал эту гитару в телесериале, а также на живых выступлениях «Monkees» в 1966 и 1967 годах. Начиная с 1968 года Несмит играл на белом шестиструнном «Gibson SG Custom». Он использовал эту гитару в фильме «Head», а также в финальном туре «Monkees» в 1969 году. В 2011 году Несмит написал на своей странице Facebook, что обе гитары были украдены в начале 1970-х годов.

The Monkees – «Listen To The Band» (from 33 1/3 Revolutions Per Monkee).

Как и другие участники «Monkees», Роберт Майкл Несмит был разочарован искусственным имиджем группы и наиболее публично высказывался об этом в СМИ. В 1967 году группе удалось избавиться от супервайзера Дона Киршнера и взять под свой контроль свои записи и выпустить альбом «Headquarters». Тем не менее разногласия в коллективе нарастали и Несвит объявил о начале своей сольной карьеры. Во время своей первой независимой пресс-конференции Несмит назвал «More of The Monkees» «худшим альбомом в истории мира». Последним контрактным обязательством Несмита для «Monkees» была реклама шипучих смесей для напитков «Kool-Aid» и «Nerf» в апреле 1970 года (ролик заканчивается тем, что Несмит нахмурился и сказал: «Enerf's enerf!»). Уходя из группы, Несмит попросил, чтобы его освободили от контракта, несмотря на то, что это ему дорого обошлось: «У должен был им ещё три года ... по 150 000 долларов каждый (эквивалент 980 940 долларов в 2018 году)». После разрыва контракта музыкант испытывал финансовые затруднения до 1980 года, пока не получил наследство от матери. В 1980 году в интервью «Playboy» он сказал о том времени: «Мне пришлось рассказывать сказки налоговому инспектору, пока он наклеивал бирки на мою мебель».

Michael Nesmith – «Joanne» (Live at the Britt Festival 1992).

После ухода из «Monkees» Несмит собрал группу «Michael Nesmith and the First National Band», которая в настоящее время считается пионером кантри-рока. В 1970 году группа записала три альбома для «RCA Records». Несмит написал для группы большую часть песен, в том числе сингл «Joanne», который активно транслировался по радио и был хитом в течение семи недель, достигнув в 1970 году 21 места в Billboard Top 40, 17-го места в чарте Cashbox и 4-е место в Канаде. Песня «Silver Moon» заняла 42-е место в Billboard, 28-е место в Cashbox и 13-е место в Канаде. В чарты попали еще два сингла Несмита («Nevada Fighter» занял 70-е место в Billboard, 73-е место в Cashbox и 67-е место в Канаде, а «Propinquity» достиг в Billboard 95-го места).

Micheal Nesmith & The First National Band – «Silver Moon» (1970).

За «Michael Nesmith and the First National Band» последовала группа «The Second National Band», в которую, помимо Несмита, входили Майкл Коэн (клавишные и Муг), Джонни Микс (ex-The Strangers) (бас), Джек Ранелли (барабаны), Орвилл Роудс (клавишные), а также вокалист и автор песен Хосе Феличиано. Первый альбом группы под названием «Tantamount to Treason Vol. 1» стал коммерческой и катастрофой и собрал разгромную критику: «Несмит начал свою карьеру на RCA как сумасшедший подвижник, а закончил - обанкротившимся кустарным производством».

Michael Nesmith – «Different Drum» (1972).

После провала «The Second National Band» Несмит стал более активно участвовать в продюсировании, работая над альбомами Иэна Мэтьюса «Valley Hi» и Берта Янша «L.A. Turnaround». Музыкант открыл свой собственный лейбл «Countryside», где записывались некоторые известные исполнители, в том числе Гарланд Фрейди и Ред Роудс.

В середине 1970-х Майкл Несмит ненадолго сотрудничал в качестве автора песен с Линдой Харгроув, в результате чего была написана песня «I've Never Loved Anyone More», ставшая хитом в исполнении Линн Андерсон, а также песни «Winonah» и «If You Will Walk With Me». В этот же период Несмит основал для управления и развития медиа-проектов свою мультимедийную компанию «Pacific Arts», которая выпускала аудиозаписи на восьмидорожечной ленте и кассетах, а в 1981 году - «видеозаписи». «Pacific Arts Video» стала пионером на рынке домашнего видео, производя и распространяя широкий спектр видеопрограмм, хотя в конечном итоге прекратила свою деятельность после ожесточенного спора по поводу прав на лицензирование домашнего видео с дистрибутором «Рublic Broadcasting Service» (PBS). Последним проектом Несмита на «Pacific Arts» стала Videoranch 3D, виртуальная среда в Интернете, где проводились живые выступления на различных виртуальных площадках. Сам Несмит выступал вживую в Videoranch 3D 25 мая 2009 года.

Lynn Anderson – «I've Never Loved Anyone More».

Для своего лейбла Несмит записал несколько пластинок и в 1977 году получил мировой успех со своей песней «Rio» с альбома «From a Radio Engine to the Photon Wing». В 1979 году Несмит выпустил сингл «Cruisin '», также известный как «Lucy and Ramona and Sunset Sam», который стал популярен на рок-станциях AOR и в Новой Зеландии. В 1983 году артист продюсировал видеоклип Лайонела Ричи «All Night Long», а в 1987 году видеоклип на сингл Майкла Джексона «The Way You Make Me Feel».

Michael Nesmith – «Cruisin'» (1979).

Роберт Несмит не участвовал в воссоединении «Monkees» по случаю 20-летия группы, но появился на сцене время концерта «Monkees» в «Greek Theatre» 7 сентября 1986 года. Затем Несмит, замаскированный под Санта-Клауса, присоединился к своим товарищам на съемках видеоклипа «Monkees Christmas Melody».

В 1989 году Несмит снова выступил с другими участниками «Monkees», Микки Доленцем, Питером Торком и Дэви Джонсом. Перед официальным началом тура «The Monkees '89» (1 июля в Виннипеге, Манитоба, Канада) все участника группы собрались в Лос-Анджелесе и выступили в прямом эфире на радио KLOS-FM: The Mark and Brian Show и радио KIIS. 10 июля 1989 года все четыре участника группы присутствовали на концерте, посвященном получению «Monkees» звездуы на Голливудской Аллеи славы.

Michael Nesmith – «Some of Shelly's Blues» (Live at the Britt Festival, 1992).

В 1995 году Роберт Несмит снова воссоединился с «Monkees» для записи их студийного альбома «Justus», выпущенного в 1996 году (первого альбома со времен «Head», в создании которого приняли участие все четыре члена группы). Чтобы поддержать воссоединение, Несмит, Джонс, Доленц и Торк совершили в 1997 году краткий тур по Великобритании. Тур по Великобритании был последним совместным выступлением всех четырех «Monkees».

Несмит продолжал записывать и выпускать свою музыку. Его последний альбом, «Rays», был выпущен в 2006 году. В 2011 году он вернулся к продюсированию, работая с блюзовой певицей и гитаристкой Кэролайн Уандерленд. В 2012 году Несмит совершил тур по Европе, прежде чем снова присоединиться к «Monkees».

В 2013 и 2014 годах, после смерти Джонса, Несмит воссоединился с Доленцем и Торком, чтобы дать концерты в Соединенных Штатах. При поддержке группы из семи человек, в которую входил сын Несмита, Кристиан, трио исполнило 27 песен «Monkees» («Daydream Believer» была исполнена публикой). Когда Несмита спросили, почему он решил вернуться к «Monkees», Роберт ответил: «Я никогда не уходил. Это часть моей юности и часть моей жизни, которая всегда в моей памяти».

В 2016 году Несмит внес свой вклад в создание альбома «Good Times!», посвященного 50-летию «Monkees», для которого написал песню «I Know What I Know». Несмотря на то, что в 2016 году он не принимал участия в гастролях, посвященных 50-летию группы, Несмит заменил больного Питера Торка и появился на финальном шоу тура, в конце которого объявил о своем окончательном уходе из «Monkees».

The Monkees – «I Know What I Know» (2016).

В 2017 году Несмит опубликовал свои мемуары и сопутствующий им «саундтрек»-альбом под названием «Infinite Tuesday: An Autobiographical Riff» («Бесконечный вторник: автобиографический рифф»).

В 2018 году артист объявил, что проведет пятидневный тур по Калифорнии с обновленной версией «The First National Band». После нескольких концертов тур был прерван из-за «незначительных проблем со здоровьем» Несмита. В интервью журналу «Rolling Stone», опубликованном 26 июля того же года, Несмит сказал, что перенес четырехкратное шунтирование сердца и находился в больнице более месяца.

В 2018 году Несмит и Доленц гастролировали вместе как дуэт под лозунгом «The Monkees Present: The Mike and Micky Show». Тур был прерван из-за проблем Несмита со здоровьем (он был доставлен домой, и ему сделали операцию шунтирования). Музыкант написал две песни для альбома «Christmas Party» (13-го студийного «Monkees»), выпущенного 12 октября 2018 года.

Mike Nesmith and Micky Dolenz Show (June 2018).

В 2019 году Несмит и Доленц снова воссоединились, чтобы совершить тур по Австралии и Новой Зеландии. Объявленный ранее тур 2020 года был отложен из-за пандемии COVID-19. 4 мая 2021 года Несмит и Доленц объявили, что «Monkees» снова распускаются из-за ограничений, связанных с продолжающейся пандемией COVID-19. Дуэт не смог дать концерты в Канаде, Великобритании или Австралии.

Роберт Майкл Несмит умер от сердечной недостаточности в своем доме в Кармел-Вэлли, штат Калифорния, 10 декабря 2021 года в возрасте 78 лет.

The Monkees - Kirshner's Revenge (2010)

DISC 1:

01. (Theme From) The Monkees (TV version, backing track)

02. I'm A Believer (takes 17 & 18)

03. (I'm Not Your) Steppin' Stone (alternate stereo mix, no backing vocals)

04. Take A Giant Step (alternate stereo mix)

05. She (no backing vocals, stereo)

06. Hold On Girl (no backing vocals, mono)

07. A Little Bit Me, A Little Bit You (original stereo mix)

08. Tear Drop City (alternate stereo mix)

09. All Of Your Toys (alternate stereo mix)

10. Auntie's Muni[beeep]l Court (alternate stereo mix)

11. Love Is Only Sleeping (alternate stereo mix)

12. Cuddly Toy (alternate stereo mix, no piano)

13. Star Collector (Gerry Goffin demo)

14. P.O. Box 9847 (backing track)

15. Pleasant Valley Sunday (backing track)

16. Tapioca Tundra (alternate vocal)

17. Valleri (version 2, alternate stereo mix, no horns)

18. Daydream Believer (backing track)

19. Magnolia Simms (undubbed stereo mix)

20. Tentatively (Peter Tork demo, take 2, edit)

21. Porpoise Song (alternate stereo mix 1)

22. As We Go Along (mono remix, edit)

23. If I Knew (Davy Jones demo, mono remix, edit)

24. The Girl I Left Behind Me (instrumental backing track, mono remix, edit)

25. Someday Man (alternate stereo mix)

26. A Man Without A Dream (alternate stereo mix, no horns)

27. That's What It's Like Loving You (backing track, mono remix, edit)

28. If I Ever Get To Saginaw Again (alternate stereo mix)

29. The Boy From Chelsea (Truly Smith version)

30. For Pete's Sake (closing theme)

 

DISC 2:

01. (Theme From) The Monkees (version 3, backing track, mono)

02. Steam Engine (backing track & backing vocal)

03. P.O. Box 9847 (alternate stereo mix)

04. Star Collector (backing track)

05. Opening Night (Davy Jones demo, mono remix, edit)

06. Daydream Believer (unedited master, no orchestra)

07. Apples, Peaches, Bananas and Pears (backing track)

08. Can You Dig It (alternate stereo mix)

09. I Didn't Know You Had It In You Sally, You're A Real Ball of Fire

10. Porpoise Song (alternate stereo mix 2)

11. If I Knew (mono remix)

12. Ladies Aid Society (alternate stereo mix)

13. French Song (alternate mix)

14. A Man Without A Dream (version 2, backing track, mono remix, take 11)

15. It's Nice To Be With You (alternate stereo mix)

16. Looking For The Good Times (alternate stereo mix)

17. Oklahoma Backroom Dancer (alternate stereo mix)

18. Shorty Blackwell (backing track)

19. The Girl I Left Behind Me (first version, backing track)

20. Through The Looking Glass (alternate stereo mix)

21. How Can I Tell You? (Davy Jones demo, mono remix, edit)

22. Time And Time Again (backing track)

23. We Were Made For Each Other (alternate stereo mix)

24. Listen To The Band (alternate stereo mix, edit)

25. While I Cry (backing track with overdubs)

26. Acapulco Sun (backing track)

27. My Share of the Sidewalk (backing track)

28. You And I (alternate stereo mix)

29. For Pete's Sake (closing theme, backing track)

This is a collection of rare material from The Monkees. Some alternate mixes, some half ready, some instrumentals, some alternate vocals, something else. If you like karaoke and you like the monkees then this is your chance to sing along with the original backing tracks.

---secretvault.blogspot.com

download (mp3 @320 kbs):

yandex

Выдающийся скрипач, новатор электроскрипки Жан-Люк Понти (Jean-Luc Ponty) родился 29 сентября 1942 года.

«Он виртуоз. Он играет на скрипке так же, как Колтрейн играет на саксофоне».

Стафф Смит.

Французский джазовый скрипач и композитор Жан-Люк Понти родился в семье классических музыкантов, отец учил его играть на скрипке и кларнете, а мать на фортепиано. В шестнадцать лет он поступил в национальную консерваторию «Conservatoire National Superieur de Musique de Paris», в которой два года спустя он получил диплом с самым высоким вознаграждением этого учреждения – «Premier Prix». После этого успеха его пригласили в один из главных симфонических оркестров Франции, «Concerts Lamoureux», в котором он играл впоследствии в течение трех лет.

Jean-Luc Ponty – «Mirage» (1982 Montreal Jazz Festival).

Джазом Понти заинтересовался в двадцатилетнем возрасте, слушая пластинки своего легендарного земляка — джазового скрипача Стефана Граппелли — и его американского коллеги Стаффа Смита. Интересно, что Жан-Люк сначала попробовал играть джаз на кларнете и тенор-саксофоне и только затем вернулся к скрипке… После службы в армии в (1962-1964 годы) он вернулся к музыке, но теперь уже играл только джаз. В 60-е он играл на обычной акустической скрипке в манере Граппелли; в 70-е – стал одним из пионеров европейского джаз-рока и перешел на электрический инструмент с многочисленными электронными эффектами (с 1977 года он играет на пятиструнной электроскрипке, так называемой «виолектре»).

Jean-Luc Ponty – «Individual Choice»

Поначалу скрипка не поддавалась. Немногие в то время рассматривали ее как инструмент, занимающий свое вполне законное место в мире джаза. Используя мощное звучание и избегая вибрато, Жан-Люк сделал своей характерной чертой фразировку эры бибопа и энергичный стиль игры, на становление которого повлияло, скорее, звучание трубы, чем что-либо ранее исполняемое на скрипке. Никто до этого не слышал ничего подобного. В одном интервью в 1976 году Стефан Граппелли сказал: «Нет, он не студент, он только хороший друг… он великий музыкант, который изобрел новый стиль игры на скрипке».

Frank Zappa – «Dupree's Paradise» (August 21, 1973 @ Solliden, Skansen, Stockholm, Sweden)

Помимо сольной работы, Понти был участником рок-группы Фрэнка Заппы "Mothers Of Invention", джазового трио клавишника Джорджа Дюка и одного из самых значительных джаз-роковых составов 70-х – "Mahavishnu Orchestra". Впрочем, он вообще очень много записывался с самыми разными музыкантами: среди них пианист Чик Кориа, басист Стэнли Кларк, его ранний кумир Стефан Граппелли и даже поп-звезда Элтон Джон. В 80-е он увлеченно работал с синтезаторами и секвенсерами, а его материал стал клониться в сторону инструментальной поп-музыки. Однако удачный альбом 1991 года «Tchokola» продемонстрировал его новый потенциал, усиленный совместной работой с африканскими музыкантами (например, барабанщиком Брисом Васси). С тех пор он выпустил еще ряд записей на лейбле "Atlantic", а в 2000-е – на "Koch" (в том числе очень удачный альбом 2007 года «The Atacama Experience»). Двухтысячные для Понти — это записи с мега-звездами джаза, активная гастрольная деятельность, а в творчестве — возвращение к истокам, к джазу 70-х, с сильным влиянием африканских ритмов.

Zappanale 23 – The Brothers of Invention: George Duke & Jean-Luc Ponty

Жан-Люк Понти – несомненно выдающийся скрипач и первопроходец в джазовой и рок-музыке. Его исполнение по праву считается новаторским, фантастическим прорывом, расширившим границы современной музыки. Для стиля Понти характерны красочная гармония (с ощутимым влиянием французского импрессионизма, как в «Waking dream»), остинато с модализмами, в том числе с использованием звукорядов симметричных ладов, включение фольклорного тематизма и ритмики, но без прямых заимствований («New country», жига «Celtic steps»), эксперименты с музыкальной формой (4-частная композиция «Enigmatic ocean», 3-частная «The struggle of the turtle to the sea»), виртуозная импровизация (иногда специфически «белая», без опоры на стилевые клише афроамериканского джаза), «синтетические» тембры и специальные эффекты, существенно изменяющие оригинальный звук скрипки («Мираж», одна из самых популярных композиций Понти).

Ландыш Рифовна

Jean-Luc Ponty - Bourbon Street Brazil (2014)

1. Intro

2. On My Way To Bombay

3. A Journey's End

4. Without Regret

5. Celtic Steps - Jig

6. Mirage

7. The Struggle Of The Turtle To The Sea - Part I

8. The Struggle Of The Turtle To The Sea - Part II

9. Round Midnight

10. After the Storm

11. The Trans-Love Express

12. New Country

 

Jean-Luc Ponty - Violin

Baron Browne - Bass

William Lecomte - Keyboards

Rayford Griffin – Drums

 

Recorded at Bourbon Street Music Club, Sao Paulo Brazil, June 10, 2014

 

An undisputed master of violin and a pioneer in the area of jazz-rock, Jean-Luc Ponty is widely regarded as an innovator who has applied his unique visionary spin to expand the vocabulary of modern music. Upon hearing “The Flying Frenchmen” in concert in the 1960s, the great American jazz violinist Stuff Smith said of Ponty, “He is a killer! He plays on the violin like Coltrane does on sax” (Encyclopedia of Jazz In The Sixties by Leonard Feather). In an interview with the San Francisco Chronicle in 1976, Stéphane Grappelli said, “No, he is not a student, he is a great musician who invented a new style on the violin.” Ponty will bring his scintillating vocabulary to bear as the newest member of Return To Forever IV.

In 1976, Ponty was invited by Chick Corea to participate in the recording My Spanish Heart, which included the stirring piano-violin-trio number, “Armando’s Rumba.” Through the ‘70s and into the mid ‘80s, Ponty toured the world repeatedly and recorded 12 albums for the Atlantic label. He switched to Columbia in 1987, releasing The Gift of Time that year and following up with Storytelling in 1989. In September, 2009, he appeared as a guest of Corea, Clarke & White along with Chaka Khan for a special evening at the famous Hollywood Bowl, with Stevie Wonder showing up by surprise for a jam at the end. In 2010, Ponty toured with his band in the Caribbean, Europe and Russia and also as a duet partner with pianist Wolfgang Dauner in Europe.

--- return2forever.com

Бесспорный мастер скрипки и пионер в области джаз-рока, Жан-Люк Понти широко известен как новатор, применивший свое уникальное видение для расширения словарного запаса современной музыки. Услышав «The Flying Frenchmen» на концерте в 1960-х, великий американский джазовый скрипач Стафф Смит сказал о Понти: «Он убийца! Он играет на скрипке, как Колтрейн на саксофоне» («Энциклопедия джаза шестидесятых» Леонарда Фезера). В интервью газете San Francisco Chronicle в 1976 году Стефан Граппелли сказал: «Нет, он не студент, он великий музыкант, который изобрел новый стиль игры на скрипке». Понти будет использовать свой блестящий словарный запас как новый участник Return To Forever IV.

В 1976 году Чик Кориа пригласил Понти для участия в записи «My Spanish Heart», которая включала волнующий номер фортепианного и скрипичного трио «Armando’s Rumba». В период с 70-х до середины 80-х Понти неоднократно гастролировал по миру и записал 12 альбомов для лейбла Atlantic. Он переехал в Колумбию в 1987 году, выпустив «The Gift of Time», а затем «Storytelling» в 1989 году. В сентябре 2009 года он появился вместе с Чакой Хан в качестве гостя на особом вечере Кори, Кларка и Уайта в Hollywood Bowl. В 2010 году Понти гастролировал со своей группой по странам Карибского бассейна, Европы и России, а также с пианистом Вольфгангом Даунером в Европе.

 

download (mp3 @320 kbs):

Jean-LucPonty - Bourbon Street Brazil (2014)