Каждый день вопрос: "Зачем?" Любимый город. Точка. М.

 

Величественная грусть Чета Бейкера

Чет Бейкер — одно из самых крупных явлений в музыке ХХ века, по масштабам сравнимое с хайпом вокруг «Нирваны» или «Радиобашки» в 90-х. Последний классик большого стиля. Он играл на трубе и пел, снимался в кино — был Джеймсом Дином и Фрэнком Синатрой в одном лице, и умер как настоящий рок-герой — у отеля в Амстердаме, растянувшись в луже собственной крови. Нам определенно нравится этот парень, потому что ему было плевать на все, кроме джаза, наркотиков и женщин.

Чет Бейкер — это Джей-Джей Йохансон и Винсент Галло в одном флаконе, только с трубой. Легкие мечтательные пассажи, выплывающие из туманного марева кул-джаза, с медным неторопливым вокалом — фирменный мгновенно узнаваемый стиль Бейкера. Вокал вообще очень спорная вещь, особенно в такой музыке. Даже Майк Паттон своим пением испортил последний альбом Bohren Und Der Club Of Gore, хотя казалось бы. Но Чета Бейкера это не касается.

Chet Baker & Bill Evans – «You'd Be So Nice To Come Home To».

Бейкер со своей внешностью Джеймса Дина и Криса Айзека добавил красок в «черный» джаз, поднял планку качества, задал высокий стандарт звучания, хотя сам был самоучкой, не знакомым даже с нотной грамотой, и всю жизнь играл «на слух».

В отличие от нью-йоркских трушных блэкеров, сжигающих уши слушателей агрессивным и напористым каскадом нот, Чет играет романтично и минималистично, не всегда технически правильно, но его редким нотам почему-то отчаянно хочется верить.

Chet Baker – «The Touch of Your Lips»

«Я играю каждый сет так, как если бы он был последним. Мне важно показать своим музыкантам: я отдаю все, что есть во мне. Уже много лет. И жду от них того же. Я люблю играть. Думаю, это единственная причина, по которой я появился на свет». В итоге он дошел до предельной точки, разрушив себя снадобьями, но его музыка не об этом. Она была более легкой, чем бибоп, царствовавший в то время, она была такой прозрачной и солнечной — и в то же время грустной, музыкой щемящей тоски в груди.

Чет родился 23 декабря 1929 года в городе Йель, Оклахома. Его выпивающий отец, Чесни-старший, тоже был музыкантом и играл на гитаре в местном кантри-ансамбле, он же подарил сыну его первую трубу. В 1946-м Бейкер-младший был призван в армию. Он служил в Западном Берлине и играл в военном оркестре шлягеры Гленна Миллера — лучшая джазовая подготовка в те времена: «Весь день я играл, потом шел спать, в час ночи вставал, шел и снова играл — уже один — до шести утра. Потом начиналась служба, я играл весь день, снова шел спать…»

Демобилизовавшись, Чет какое-то время поиграл в военных оркестрах, пока в возрасте 22 лет не пошел на прослушивание в ансамбль Чарли Паркера и блестяще его прошел: «Паркер оказал на меня огромное влияние. Славный был человек. Он, конечно, много пил и делал много всего другого, но никогда не употреблял наркотики и защищал меня. И платил он мне всегда чуть больше, чем ритм-секции».

Chet Baker – «I Fall in Love Too Easily»

Затем Бейкер продолжительное время сотрудничал с саксофонистом Джерри Маллиганом, пока Джерри не арестовали и квартет не развалился. Но Чету и так надоело аккомпанировать — ему захотелось продолжить путь в одиночку, собрав собственный коллектив. И тут он не прогадал.

Он оказался в нужное время в нужном месте и стал воплощением «американской мечты» — красавец с грустинкой в глубоко посаженных глазах и хорошими манерами играл модную (в то время) музыку на трубе, уставившись в пол.

Он был обречен на популярность — его фотографировали для рекламы, а молодежь покупала пластинки и копировала его стиль — майка, джинсы и кожаные сандалии. Он стал таким «фэнси гай» и мог иметь все, что пожелает, но единственное, что его по-настоящему интересовало, — это его музыка.

В 50-х о нем говорили с придыханием: «Вот она — белая надежда джаза» — и рыдали во время его выступлений. В 70–80-х, когда наш герой лихо подсел на «иглу с бурым», о нем говорили все меньше, а если и говорили, то шепотом, не поднимая глаз: «Наркобарон грусти и джаза, руководитель героинового ансамбля».

Chet Baker – «I am a fool to want you» (live)

В отличие от «бунтаря без причины» Джеймса Дина Бейкер пережил свою эпоху, оказавшись в прифанкованных 80-х наедине со своими пороками, и «выпорхнул» из окна отеля в Амстердаме, проломив голову и утренним рейсом улетев на небеса.

«Я ни о чем не сожалею и ни за что не извиняюсь. Я никогда не причинил никому никакого зла. Да если на то пошло, я и себе-то ничего плохого не сделал; мне 58, я все еще здесь и все еще играю». Он ушел, когда ему было 59.

Звезды итало-диско. Группа «Radiorama» (1984).

Идеальное воплощение стилистики Italo Disco: прекрасные синтезаторные мелодии, наполненные мощным вокалом! Появление в 1984 году на танцполах Европы первого сингла итальянской диско-группы «Radiorama» «Chance to Desire» произвело эффект разорвавшейся бомбы. Композиция захватила ервопейские чарты, покорив слушателей своей безумной энергетикой и примитивным битом.

Группа была образована в 1984 году. Историю «Radiorama» условно можно разделить на три временных отрезка — 1984—1987, 1988—1990 и 1991—2002 года.

1984 – 1987 гг.: Italo Disco.

Симона Дзанини.

У истоков проекта «Radiorama» стоял итальянский продюсер, музыкант и певец Альдо Мартинелли (Aldo Martinelli), внесший огромный вклад в развитие и становление Italo Disco. Наиболее плодотворными оказалось его многолетнее творческое сотрудничество с итало-американской певицей Симоной Дзанини (Simona Zanini), объединившее талантливого композитора и прекрасную вокалистку. Мартинелли, по просьбе другого певца и музыканта Мауро Фарины (Mauro Farina) написал первый сингл группы «Chance to Desire». Песня, записанная в исполнении Симоны Дзанини и Хэнка Шостака (Hank Shostak), была выпущена лейблом «Italian Out Records».

«Radiorama» (Simona Zanini, Marco Bresciani) - «Chance to desire» (Long 12'' Version Video Clip) (1985).

Из-за того, что Мартинелли участвовал во многих музыкальных проектах и имел эксклюзивное соглашение с другим танцевальным лейблом, он попросил не указывать своё имя как автора сингла. Но Фарина поступил иначе и изобразил на лицевой стороне обложки нотный лист с фразой «Написано Мартинелли». На тот момент «Radiorama» как проект только начиналась и ещё не была известна. Мартинелли не нуждался в огласке и прекратил своё участие в проекте. В дальнейшем написанием и аранжировкой песен, а также их сценической постановкой занимались исключительно Мауро Фарина и его друг, композитор и аранжировщик Джулиано Кривелленте (Giuliano Crivellente). «Chance to Desire» стала единственным релизом «Radiorama», созданным без их участия.

Мауро Фарина и Джулиано Кривелленте.

Постепенно в проекте сформировалось следующее разделение обязанностей: Финансовым продюсированием группы занимались Паоло Джемма (Paolo Gemma) и Марко Брешиани (Marco Bresciani), Мауро Фарина и Симона Дзанини записывали все вокальные партии. Однако на сцене вместо них пели под фонограмму модели Антонелла Ферри (Antonella Ferri) и Оскар Брандацци (Oscar Brandazzi), что сбивало с толку поклонников, но не противоречило условиям тогдашнего мейнстрима. Благодаря ярким и запоминающимся внешним данным, Ферри и Брандацци до сих пор ассоциируются, как солисты легендарного состава «Radiorama».

Антонелла Ферри и Оскар Брандацци.

«Radiorama» продолжала регулярно выпускать синглы, пользующиеся неизменной популярностью у слушателей. После «Desire» (выпущенного как сингл и макси-сингл на лейблах «Out Records» и «Discomagic») в 1986 и 1987 годах вышла серия записей, среди которых были ставшие широко известными композиции «Hey Hey» и «Vampires». На волне успеха, Фарина и Кривелленте принимают решение записать полноформатный альбом, который был выпущен в 1986 году и получил название «Desires and Vampires». И макси-сингл, и альбом были записаны для лейбла «Out Records». Для записи альбома снова привлекался Хэнк Шостак.

«Radiorama» (Simona Zanini, Mauro Farina) – «Desire» (1985).

Наиболее популярной композицией оказалась «Desire», попавшая на радио в канун Рождества. Мощный вокал и продуманные мелодии стали причиной успеха «Desires and Vampires» на европейской танцевальной сцене. Для поддержания популярности группы были организованы концертные туры и снято несколько клипов. Последовавшие за первым альбомом успешные синглы «Yeti» и «Aliens» (оба записаны в 1986 году) вышли уже под лейблом «Discomagic».

«Radiorama» (Simona Zanini, Mauro Farina) – «Aliens» (под фонограмму «поют» Ферри и Брандацци).

Многие композиции «Radiorama» попали в европейские чарты. В Швейцарии в топ-10 оказались три сингла группы – «Vampires», «Aliens» и «Yeti», а три альбома вошли в топ-30. В Германии «Radiorama» была менее успешной - в чарты попал только сингл «Aliens». Группа имела успех и в стране цветущей сакуры, где до сих пор у «Radiorama» есть верные последователи.

«Radiorama» (Simona Zanini, Mauro Farina) – «Vampires» .

Не заставил себя долго ждать и второй альбом «Radiorama», названный просто «The 2nd album». Он был записан в 1987 году для лейбла «Radiorama Records», на котором до 1993 года (когда Мауро Фарина создаст «21st Century Records») будут записываться все композиции группы. Новый альбом вышел по лицензии сразу в нескольких странах, включая Австрию, Испанию и Швейцарию. В конце 1987 года, записав два неплохих сингла: «Fire» и «So I Know», Симона Дзанини покинула группу и её место заняла очаровательная Клара Морони (Clara Moroni), голосом которой «пело» огромное количество проектов в стилях Italo Disco и Eurobeat. Несмотря на то, что, по мнению многих критиков, именно Морони была удостоена звания «королевы евробита», «Radiorama» постепенно начинает терять популярность.

1988 – 1990 гг.: Eurobeat.

Клара Морони.

Выпуск второго альбома группы совпал с появлением на европейской танцевальной сцене нового жанра электронной музыки т.н. Евробита (Eurobeat), который представлял собой совмещение Italo Disco и Hi-NRG. Многие продюсеры начали отказываться от традиционных схем Italo Disco. Начинается эра таких групп, как «Gipsy and Queen», «Fun Fun», «Savage» и «Albert One». В этом же направлении двигалась и «Radiorama», что привело к появлению в её репертуаре более быстрых, танцевальных песен, в которых вокал Фарины и Морони отошел на второй план. Тем не менее, новые композиции группы продолжали исправно появляться на европейском музыкальном рынке. «Radiorama» по-прежнему пользовалась неизменным успехом в танцевальной среде, выпуская альбом за альбомом и гастролируя по клубам Европы.

«Radiorama» (Clara Moroni, Mauro Farina) - «Heartbreaker» (1988).

В этот период группа выпускает три полноформатных альбома — «The Legend», «Four Years After» и «The Fifth», в которых еще можно найти песни, созданные непосредственно Фариной в стиле, близком к традиционному Italo Disco, например, «Heartbreaker» или «Bye bye baby». Композиция «ABCD» из третьего альбома «The Legend» летом 1988 года стала большим хитом в Италии и Испании.

«Radiorama» (Clara Moroni, Mauro Farina) – «ABCD» (Italo Maxi Mix, 1988).

В 1989 году «Radiorama» выступили на фестивале в Сопоте, совместно с такими известными диско-исполнителями как «Milk and Coffee», «Gazebo», «Ken Laszlo» и «Savage». На сцену тогда вышла только Антонелла Ферри, а Оскар Брандацци отсутствовал, потому что в 1989 году стал фронтменом собственного сольного проекта «Oscar», где продолжал «петь» голосом Мауро Фарины.

По мере падения интереса публики к Italo Disco, падал и интерес Мауро Фарины к проекту. Это хорошо видно уже по третьему альбому «The Legends» (1988), который получился весьма эклектичным и уже не содержал фирменного «мистического» звучания «Radiorama».

«Radiorama» - «Bad Boy You» (1988).

В конце 1980-х, когда европейскую сцену всецело поглотили хаус, нью-бит и техно, спрос на электронную музыку из Европы неожиданно вспыхнул в Азии. Решив покорить этот рынок, Фарина в очередной раз меняет звучание группы, окончательно оттолкнув от неё старых поклонников. Песни подобные «Bad Boy You» звучали, как пародия на раннее творчество коллектива. В начале 1990 года, после выхода ещё нескольких синглов и сборников «Radiorama» взяла творческую паузу.

1991 – 2002 гг.: Eurodance.

Анджело Моралес и Фов.

В 1993 году происходит триумфальное возвращение «Radiorama» на большую сцену: Мауро Фарина записывает сингл «Aliens 2: The Nightmare», который стал хитом. Вслед за этим Фарина основывает лейбл «21st Century Records».

«Radiorama» - «Aliens 2:The Nightmare» (Alieno Mix, 1993).

Официальным вокалистом группы в 1990-х годах был Анджело Моралес (Angelo Morales), но не исключено, что он был всего лишь танцором, а ведущий мужской вокал всё ещё принадлежал Мауро Фарина. В 1998 и 1999 годах песни «Give Me The Night», «Beautiful Man», «Ninna Ninna Oh», «More Time» были реализованы при сотрудничестве Фарина с лейблом «Ramdam Factory» и с участием французского проекта «T.H. Express», состоявшего из рэпера и танцора Рамзеса (Ramses), а также певицы Фов (Fauve), женского лица группы. В то же время в некоторых источниках утверждалось, что в эти времена солистами «Radiorama» могли быть Аннерли Гордон (Annerly Gordon) и Мелоди Кастеллари (Melody Castellari).

Мелоди Кастеллари.

В 1999 году вышел очередной альбом «The World Of Radiorama», который представлял собой различные миксы предыдущих хитов группы. Известно, что композиции нового альбома исполняли Джеки Бодимид (Jackie Bodimead), Джульетта (Juliet), Рикки Стецца (Ricky Stezza), Фабио Серра (Fabio Serra), а также, возможно, Умберто и Мануэла (Umberto and Manuela). О песнях «It's A Lonely Wait» и «Total Eclypse Of The Heart» (кавер Бонни Тайлер) известно только то, что первую спела Кристина Дори (Cristina Dori), а вторую - Мелоди Кастеллари.

«Radiorama» - «Total Eclipse Of The Heart» (Factory Team Mix, 2000).

В начале 2000-х под именем «Radiorama» выпускались второсортные евро- и итало-хаус синглы. Среди них стоит отметить работы «Ninna Ninna Oh», «More Time» и «It's A Lonely Wait», которые хотя и не имели ничего общего с классическим звучанием «Radiorama», но являли собой достойные работы в стиле италодэнс.

В настоящее время Мауро Фарина вместе с группой надежных друзей из «Factory Sound Studio» иногда записывает под именем «Radiorama» новые композиции и выпускает их на своем лейбле «21st Century Records». Несмотря на то, что эти релизы далеки от классических записей группы магия легендарного имени все еще позволяет им находить свою аудиторию.

Сегодня, 23 декабря, исполнилось 95 лет со дня рождения Александра Филипповича Ведерникова (1927 - 2018).

Русский романс.

«Для него петь - значит раскрывать самую суть музыкального образа. На мой взгляд, Ведерников обладает исключительно чутким и острым пониманием русской национальной стихии в музыкальном искусстве. Поэтому так естественно звучат у него народные русские песни. Он поражает мощью и эпическим размахом в партиях русского классического репертуара. В то же время достаточно услышать, как он поет Шумана или Себастьяна Баха, чтобы убедиться в том, что ему внутренне близок и мир музыки великих немецких композиторов».

Г.В. Свиридов.

Народный артист СССР, лауреат Государственной премии CCCР Александр Филиппович Ведерников родился 23 декабря 1927 года в селе Мокино Советского района Кировской области. Отец – Ведерников Филипп Сергеевич. Мать – Ведерникова Анна Дмитриевна.

Родные Ведерникова жили на Вятке единым кланом: пять братьев и среди них отец Александра. Всей семьей занимались ремеслом – делали кареты рабочие и парадные, на выезд. Работали день и ночь, сами были кузнецами, столярами, плотниками, шорниками... Когда за работой пели, вся деревня собиралась слушать.

Спустя некоторое время семья Ведерниковых приняла решение о переезде в город Копейск Челябинской области, где глава семейства устроился работать плотником, а затем, окончив рабочий факультет, стал профессиональным строителем. С тех пор отец Александра занимался строительством домов и шахтных сооружений. Его мать, Анна Дмитриевна, также окончила медицинские курсы, после которых она работала долгие годы в качестве медсестры.

Сашу с детства влекло искусство. Он любил рисовать, петь, все время просил отца купить ему скрипку, но тот почему-то покупал балалайку... и краски. В годы Великой Отечественной войны Александр был учеником токаря и чернорабочим. В 1943 году, окончив Еманжелинскую школу №5, поступил в Коркинский горный техникум (ныне - Коркинский горно-строительный техникум, Челябинская обл.). Он сразу пришел в местный клуб «Большой горняк», где были самые разнообразные кружки самодеятельности: театральный, танцевальный, хоровой, изобразительного искусства...

Александр записался в кружок ИЗО, но всегда стремился попасть в хор. Однако его туда не брали – у юноши как раз ломался голос. Когда он пытался спеть какую-нибудь песню, преподаватель, безуспешно пытаясь аккомпанировать, говорил ему: «Что у тебя за слух? Ты совсем не слушаешь музыку. Тебе играешь одно, а ты поешь другое». Так что петь в хоре Ведерникову так и не довелось. Зато позднее, когда у него появился настоящий чистый голос – бас, он стал петь песни соло...

В 1947 году Ведерников окончил техникум по специальности "горный мастер". Дипломная работа - "Доработка Батуринского угольного разреза". После окончания техникума был направлен на работу в один из уральских угольных трестов. Но стремление стать художником привело его в Свердловское художественное училище. Однако экзамены там уже закончились, и Александр решил попытать счастья в музыкальном училище, которое находилось напротив. Успешно сдав певческий экзамен, он был без документов зачислен на 1-й курс Свердловского областного музыкального училища им. П. И. Чайковского. Управляющий трестом, куда он был направлен на работу после техникума, зная его еще по самодеятельности, не стал настаивать на его работе в тресте. Так Александр Ведерников стал учиться музыке.

В 1955 году он окончил Московскую государственную консерваторию имени П.И. Чайковского, исполнив в дипломном спектакле - опере Джоаккино Россини "Севильский цирюльник" - партию дона Базилио. Певческий голос - бас.

Александр Ведерников – «Каюсь, дядя, чёрт попутал!» (А. Даргомыжский - А. Тимофеев).

После консерватории Ведерников получил приглашение в знаменитый Ленинградского театра оперы и балета им. С. М. Кирова (ныне - Государственный академический Мариинский театр, Санкт Петербург), где исполнял партии Ивана Сусанина в одноименной опере Михаила Глинки, Лепорелло в "Дон Жуане" Вольфганга Амадея Моцарта, Варяжского гостя в "Садко" Николая Римского-Корсакова и др.

В 1958 году он стал солистом Большого театра СССР, в котором проработал до 1990 года. В 1960–1961 годах Ведерников стажировался в Италии, в миланском театре «Ла Скала», где его педагогом был маэстро Барра.

Один из уникальных басов России, Александр Ведерников уже на заре своей творческой карьеры привлек внимание публики и специалистов, которые отмечали в нем редкую способность совмещать в себе хороший голос и прекрасное умение владеть им, дар перевоплощения, высочайшую артистичность, сочетание в его натуре качеств артиста, музыканта и художника.

«Для берегов отчизны дальней». Музыка - А.Бородин, стихи - А.Пушкин. Исполняет Александр Ведерников. Центральное телевидение СССР, "Концерт №72", выпуск 1968 года.

За время работы в театре им были исполнены почти все ведущие партии басового репертуара в русских классических и современных операх. Поистине вершинами исполнительского искусства требовательная публика и дотошные критики считают созданные Ведерниковым образы хана Кончака и Владимира Галицкого в «Князе Игоре» А. Бородина, Ивана Сусанина в «Иване Сусанине», Руслана и Фарлафа в «Руслане и Людмиле» М. Глинки, Мельника в «Русалке» и Лепорелло в «Каменном госте» А. Даргомыжского, царя Бориса, Варлаама и Пимена в «Борисе Годунове», Досифея и Хованского в «Хованщине» М. Мусоргского, Собакина в «Царской невесте», князя Юрия в «Сказании о невидимом граде Китеже» Н. Римского-Корсакова, Гремина в «Евгении Онегине» П. Чайковского, Кутузова в «Войне и мире» С. Прокофьева, Даланда в «Летучем голландце» Р. Вагнера, Дона Базилио в «Севильском цирюльнике» Дж. Россини, Мефистофеля в «Фаусте» Ш. Гуно, Рамфиса в «Аиде» Дж. Верди, Король Филипп и Великий инквизитор в «Доне Карлосе», Лепорелло в «Доне Жуане» В. Моцарта, а также роли в операх современных композиторов: «Неизвестный солдат» (Командир) и «Зори здесь тихие» (старшина Васков) К. Молчанова, «Октябрь» В. Мурадели (Иван Тимофеевич), «Катерина Измайлова» Д. Шостаковича (Борис Тимофеевич) и многие другие.

Александр Ведерников постоянно совмещал работу в театре с активной концертной деятельностью. Он провел бесчисленное множество филармонических концертов, записал более 30 компакт-дисков с романсами, песнями, ариями, ораториями. В его репертуаре произведения многих русских и зарубежных композиторов: А. Бородина, М. Глинки, А. Гречанинова, А. Даргомыжского, М. Мусоргского, С. Рахманинова, Н. Римского-Корсакова, П. Чайковского, В. Гаврилина, Д. Кабалевского, Р. Леднева, А. Николаева, В. Рубина, Г. Свиридова, Н. Лебедева, О. Тактакишвили, Д. Шостаковича, а также Баха, Бетховена, Брамса, Вагнера, Гайдна, Генделя, Грига, Дебюсси, Массне, Шумана, Шуберта, Бартока, Бриттена, Перселла, Скарлатти, де Люка, Монтеверди и др.

«Дубинушка». Русская народная песня, музыкальная обработка -  В.Богданов, А.Ольхин. Стихотворное переложение - Л.Трефолев. Исполняет Александр Ведерников. Центральное телевидение СССР, "Концерт №72", выпуск 1968 года.

Вокальная литература несет в себе огромное содержание, правду, доходящую до слушателя во всей своей красоте и неустаревающей жизненности. Ведерников – камерный исполнитель, однако способен не только к точному прочтению текста. Он обладает даром проникновения в глубины слова и музыки в их соединении, даром обнаруживать символический смысл, заключенный в том или ином сочинении. Для него все созданное народным гением, великими композиторами прошлого и лучшими мастерами настоящего является тем жизненным материалом, который помогает проявить разные стороны жизни и через это показать слушателям их собственный мир. Таким образом создается единый замкнутый цикл: жизнь – художник – искусство – артист – сцена – люди – жизнь...

Каждый действительно большой артист должен в современном мире найти и своего современного композитора. Так, Святослав Рихтер нашел Прокофьева. Для Ведерникова таким композитором стал Георгий Свиридов. Для певца творческое общение с композитором имело огромное значение. Их сотрудничество началось с исполнения молодым певцом еще в консерваторские годы поэмы «Страна отцов» на стихи Аветика Исаакяна. Затем последовало много работ. Одна из самых замечательных – исполнение цикла из 9 песен на стихи Роберта Бернса. Здесь Ведерникову удалось достичь огромной выразительной силы, особенно в таких песнях, как «Всю землю тьмой заволокло», «Финдлей», «Возвращение солдата», «Честная бедность». Здесь – сила, правдивость, необычайная яркость, характер, философия...

Александр Ведерников - Романсы Свиридова (Концерт в белом фойе Большого театра, 1976 г.).

Крупнейшим артистическим достижением Ведерникова, имевшим заметное значение для отечественного искусства, стало воссоздание образа Поэта в «Патетической оратории» Георгия Свиридова на слова Владимира Маяковского. Александр Ведерников, первым исполнивший эту сольную партию 15 октября 1959 года, сумел замечательно постичь и выразить дух, характер, природу и сокровенный смысл свиридовской музыки. Во всю мощь раскрылся его эпический дар. С тех пор Александр Ведерников неизменно исполнял многие сольные произведения Свиридова: цикл из 9 песен на слова Бернса, 7 песен на слова А. Исаакяна из поэмы «Страна отцов», песни на слова А. Пушкина («Роняет лес багряный свой убор», «Подъезжая под Ижоры», «Ворон к ворону летит», «Зимняя дорога»), С. Есенина («Любовь»), Ф. Тютчева («Эти бедные селенья»), А. Блока («Видение», «Голос из хора», «Петербургская песня», «Флюгер», «За горами, лесами...»), У. Шекспира («Людская неблагодарность», «Зима», «Солдатский тост и песня Яго», песня Шута из комедии «Двенадцатая ночь», «Песенка Яго о короле Стефане»), П.-Ж. Беранже («Как яблочко, румян») и др.

Александр Ведерников – «Прощай радость, жизнь моя».

Говоря об исполнительском искусстве Ведерникова, Георгий Свиридов отмечал превосходный бас певца, «богатый тембровыми оттенками, теплый и выразительный, мужественный и какой-то особенно задушевный». «Для него петь – значит раскрывать самую суть музыкального образа. На мой взгляд, Ведерников обладает исключительно чутким и острым пониманием русской национальной стихии в музыкальном искусстве. Поэтому так естественно звучат у него народные русские песни. Он поражает мощью и эпическим размахом в партиях русского классического репертуара. В то же время достаточно услышать, как он поет Шумана или Себастьяна Баха, чтобы убедиться в том, что ему внутренне близок и мир музыки великих немецких композиторов».

Александр Ведерников – «Отравой полны мои песни».

Исполнительское мастерство А. Ведерникова высоко отмечено отечественной и зарубежной музыкальной общественностью. Еще в 1956 году он удостоился золотой медали и первой премии на Международном конкурсе имени Шумана в Берлине. В том же году стал лауреатом первой премии на Всесоюзном конкурсе на лучшее исполнение советской музыки. Александр Ведерников – народный артист СССР (1976), народный артист РСФСР (1967), заслуженный артист РСФСР (1961), лауреат Государственной премии СССР (1969), кавалер орденов «За заслуги перед Отечеством» IV степени (2003), Трудового Красного Знамени (1971) и Дружбы народов (1988). Награжден орденами Русской Православной Церкви Святого благоверного князя Даниила Московского II степени (1997), во имя Святого Равноапостольного Великого князя Владимира III степени (1999), Преподобного Сергия Радонежского II степени (2002), медалью Преподобного Макария Унженского чудотворца (1999), медалью Преподобного Варнавы Ветлужского чудотворца (2000), орденом янтарного креста Русской академии искусствознания и музыкального исполнительства (1998).

Александр Ведерников – «Где ты, звёздочка?».

Александр Ведерников являлся действительным членом Академии народной музыки и Русской академии искусствознания и музыкального исполнительства, членом Всероссийского театрального общества. О своем многолетнем творчестве он рассказал в вышедшей в 1989 году книге «Чтоб душа не скучала».

В июле 2002 г. Ведерников спел партию Варлаама в представлении "Борис Годунов", которое ГАБТ дал у стен Святогорского монастыря в дни празднования 1100-летия Пскова. В 2009 г. в 81-летнем возрасте певец дебютировал в партии Солопия Черевика в опере Модеста Мусоргского "Сорочинская ярмарка". Дискография Александра Ведерникова насчитывала более тридцати музыкальных альбомов с записями арий, романсов, песен и ораторий.

Александр Ведерников скончался 9 января 2018 г. в Москве на 91-м году жизни. Похоронен на Миусском кладбище.

Зал славы джаза. Чет Бейкер (1929 - 1988).

Зал славы джаза.

23 декабря 1929 года в Йейле (Оклахома) родился Чет Бейкер (Chet Baker) – трубач, певец, один из самых известных представителей направления west-coast джаза. Благодаря своему уникальному, очень лиричному, интимному и при этом лишенному сентиментальности звучанию и совершенно такому же вокалу Чет быстро стал звездой. Однако романтическое начало столь же быстро переросло в драму: из-за наркотиков карьера и жизнь музыканта превратились в череду случайностей и разочарований.

Мать Чета работала в парфюмерном магазине, а отец был гитаристом, которому, однако, во время Великой депрессии пришлось бросить музыку ради более подходящей работы. В 1940 году семья перебралась в Калифорнию, в Глендэйл. Уже в детстве Чет обнаружил известный талант к музыке – он пел в церковном хоре и неоднократно участвовал в различных певческих конкурсах. Отец также пытался увлечь Чета тромбоном, но громоздкий инструмент пришелся мальчику не по душе, и тромбон заменили на трубу, которая стала его истинной страстью. Только в старшей школе Чет начал брать первые академические уроки музыки, но потом всю жизнь все равно играл преимущественно на слух.

В 1946 году, когда ему было еще 16 лет, Чет бросил школу и получил разрешение родителей пойти в армию – его отправили служить в Германию, в Берлин, где он играл в военном оркестре “298th Army Band”. Мобилизовавшись в 1948 году, Чет поступил в “El Camino College” в Лос-Анджелесе, начал изучать теорию музыки и гармонию, параллельно играя в местных джаз-клубах, но в середине второго курса бросил колледж. В 1950 году он снова записался в армию и на этот раз играл в оркестре “Sixth Army Band” в Сан-Франциско. Однако ему стали предлагать все более серьезные и интересные ангажементы, и Чет во второй раз уволился со службы, окончательно решив стать профессиональным музыкантом.

Chet Baker – «Out of Nowhere».

Сначала он играл в бэнде Видо Муссо (Vido Musso), а потом – со Стэном Гетцем. Его первой записью стала “Out of Nowhere” на джем-сессии, состоявшейся 24 марта 1952 года – ее можно услышать на живом альбоме “Live at the Trade Winds”. Той же весной начался его прорыв к славе: Чета выбрали на прослушивании для участия в серии концертов Чарли Паркера на Западном побережье, и его дебют в качестве сайдмена легендарного саксофониста состоялся 29 мая 1952 года в лос-анджелесском “Tiffany Club”. А уже летом 1952-го Чет Бейкер начал играть в квартете Джерри Маллигана.

Группа Маллигана привлекала большое внимание и своим новым «прохладным» стилем, и необычным составом: в ней играли баритон-саксофон, труба, контрабас, барабаны, и не было фортепиано. Музыканты с успехом выступали в клубе “Haig”, и вскоре их пригласили сделать записи на только тогда появившемся новом лейбле “Pacific Jazz Records”, ставшие очень успешными. Однако квартет продержался меньше года – в июне 1953-го Маллиган попал в тюрьму из-за наркотиков.

Chet Baker – «Moon Love».

Бейкер собрал собственную группу: с Рассом Фриманом на фортепиано, Редом Митчеллом на контрабасе и Бобби Уайтом на барабанах. Его первая лидерская запись состоялась 24 июля 1953 года все на том же “Pacific Jazz”, и в течение нескольких лет после этого Бейкер продолжал пожинать плоды славы: критики и фанаты были в восторге от всего что он делал, трубач нередко возглавлял всевозможные рейтинги и побеждал в опросах различных музыкальных изданий.

В 1954 году вышел альбом “Chet Baker Sings”, на котором, как следует из названия, Чет впервые попробовал себя в роли вокалиста – в результате его популярность выросла в разы, однако чисто любителей чистого джаза среди фанатов Бейкера поубавилось. И все же он продолжал петь на протяжении всей дальнейшей карьеры.

Chet Baker – «You Don't Know What Love Is».

Тем временем голливудские продюсеры обратили внимание, что молодой и известный джазмен может еще и похвастаться очень привлекательной фотогеничной внешностью, и уже осенью 1955 года вышел кинофильм с участием Бейкера – “Hell's Horizon”. Но потом музыкант отказался от предложенного ему контракта с киностудией и отправился в большой гастрольный тур по Европе, продолжавшийся с сентября 1955-го по апрель 1956-го.

Вернувшись в Штаты, Чет собрал квинтет, в который вошли саксофонист Фил Урсо и пианист Бобби Тиммонс. И в противовес своему обычному, расслабленно-отрешенному, стилю игры Чет начал исполнять с этой группой более «напористый» боповый репертуар. В июле 1956 года музыканты записали для “Pacific Jazz” альбом “Chet Baker & Crew”.

Chet Baker (tp,vo), Jean Louis Chautemps (ts), Francy Boland (p), Eddie De Haas (b), Charles Saudrais (ds) – «Cheryl», «You don't know what love is», «Ray's idea».

В феврале 1957 года Бейкер гастролировал по Штатам с группой “The Birdland All-Stars”, а потом вновь отправился в Европу, обосновался в Италии и даже снялся там в фильме “Urlatori Alla Sbarra”. В Голливуде про него тоже не забывали – так, в 1960 году на основе биографии музыканта (с большой долей вымысла) был создан фильм “All the Fine Young Cannibals”; главного персонажа – Чада Бикби – сыграл Роберт Вагнер.

Chet Baker – «My Funny Valentine».

Хотя Бейкер подсел на героин еще в 50-х годах и несколько раз ненадолго попадал в тюрьму, на его карьере эта пагубная привычка начала серьезно сказываться лишь в 60-х. Летом 1960-го его арестовали в Италии, и музыкант провел за решеткой почти полтора года. Выйдя из тюрьмы, в феврале 1962-го Бейкер записал альбом “Chet Is Back!” для лейбла RCA (впоследствии переиздавался как “The Italian Sessions” и “Somewhere Over the Rainbow”.) А несколько месяцев спустя Бейкера арестовали в Западной Германии и выслали в Швейцарию. Оттуда Чет попал во Францию, а затем в Англию, где появился в фильме “The Stolen Hours” 1963 года. В марте 1963 года его депортировали обратно во Францию из-за очередного обвинения, связанного с наркотиками. Некоторое время он жил в Париже, выступал в Испании, а затем снова был арестован в Германии, откуда его отправили уже домой, в Америку.

Chet Baker – «Time After Time».

Вернувшись в Штаты в марте 1964-го, после пятилетнего отсутствия, Бейкер продолжал играть то в Нью-Йорке, то в Лос-Анджелесе. Тогда, в середине 60-х, он временно переключился с трубы на флюгельгорн. А летом 1966 года в Сан-Франциско с музыкантом произошел несчастный случай: на него напали и жестоко избили. Судя по всему, это происшествие было связано с наркотиками. Но главное, что, по словам самого Бейкера, оно трагически повлияло на всю его последующую жизнь. Чет заявлял, что ему выбили все зубы, и он, таким образом, «потерял амбюшюр» (необходимую физическую форму челюстно-лицевых мускулов, без которой невозможна игра на духовых инструментах). Однако многие знавшие его считали это преувеличением, утверждая, что Бейкеру выбили всего один зуб и что его зубы были просто в плохом состоянии, так что ему пришлось поставить протезы и практически переучиваться играть заново. Так или иначе, даже если то нападение на Бейкера и не было непосредственной причиной спада его карьеры, оно в любом случае знаменовало «начало конца». В конце 60-х трубач лишь изредка выступал и записывался, а в начале 70-х вообще прекратил играть.

Chet Baker (tp,vo), Bob Mover (as), Harold Danko (p), Dave Shapiro (b), Beaver Harris (ds). Featuring Jacques Pelzer (ss, fl) - Internationaal Jazzfestival Laren, Laren, The Netherlands, August 7, 1975.

Однако позже музыканту удалось отчасти вернуть контроль над собственной жизнью: он начал принимать метадон, что позволило контролировать героиновую зависимость, хотя, конечно, не могло избавить от нее. Бейкеру удалось вернуться на сцену: в ноябре 1973-го у него появилась постоянная работа в Нью-Йорке, а через год состоялось «воссоединение» с Джерри Маллиганом – музыканты дали большой концерт в «Карнеги-Холле», который был записан и издан лейблом “Epic Records”.

В середине 70-х Чет Бейкер вернулся в Европу, где оставался до конца своей жизни, лишь изредка выезжая на гастроли в Японию или Штаты. В то время Четом заинтересовались музыканты, игравшие рок, и трубач иногда выступал с ними: так, его можно услышать на записи Элвиса Костелло “Shipbuilding” 1983 года – композиции, написанной в знак протеста против Фолклендской войны. В 1987 году фотограф и режиссер Брюс Вебер снял о Бейкере документальный фильм, а в следующем году музыкант ушел из жизни. Ночью 13 мая 1988 года его нашли мертвым на улице – он выпал из окна своего номера в гостинице в Амстердаме. В его крови были найдены героин и кокаин, и официальной причиной смерти назвали несчастный случай вследствие передозировки. Неофициально многие говорили о самоубийстве, и были даже те, кто намекал на возможное убийство. Через несколько месяцев, в сентябре 1988-го, был выпущен тот самый документальный фильм Вебера, названный “Let's Get Lost” – впоследствии он был номинирован на премию «Оскар». В 1997 году была также опубликована незаконченная автобиография Чета Бейкера, “As Though I Had Wings: The Lost Memoir” («Как если бы у меня были крылья: потерянные мемуары»), и говорят, что студия “Miramax” рассматривала возможность ее экранизации.

Chet Baker – «Alone Together».

Зависимость от наркотиков разрушила и жизнь, и карьеру Чета Бейкера, и, в каком-то смысле, его наследие. Постоянно нуждаясь в деньгах, он слишком часто соглашался на плохо организованные, случайные или по разным другим причинам провальные записи, а ненадежность лишала его шансов получить постоянный контракт с хорошей студией. В результате легендарный музыкант оставил нам очень обширную, но очень «неровную» по качеству дискографию. Но практически каждый сможет найти в ней достаточно сокровищ, которые тронут его ум или сердце. И самое интересное – с моей сугубо субъективной точки зрения – что, хотя игра и голос Чета Бейкера вызывают у нас множество очень глубоких эмоций, играет он, в каком-то смысле, безэмоциональную музыку – невесомую, чистую, отстраненную, и благодаря этому каждый из нас свободен наполнять ее собственными переживаниями и фантазиями. И именно поэтому она нас так трогает.

«Исповедь прекрасного мечтателя». Стивен Коллинз Фостер – «отец американской музыки» (1826 – 1864 гг.).

Музыкант-самоучка, чьи стихи и мелодии, написанные в простой и доступной манере, считаются первыми подлинно американскими песнями, Стивен Коллинз Фостер (Stephen Collins Foster) официально признан «отцом американской музыки» и первым профессиональным композитором США. В его песнях, написанных в сентиментальном стиле, отразились американский темперамент, любовь к родному дому и очагу, труду и свободе. С 1846 по 1864 год Фостер написал более 200 песен, среди которых были такие бессмертные хиты, как «Hard Times Come Again No More», «Camptown Races», «My Old Kentucky Home», «Jeanie with the Light Brown Hair», «Old Black Joe» и «Beautiful Dreamer». Его беззаботная песенка «Oh! Susanna» стала гимном калифорнийской золотой лихорадки 1849 года, а меланхолическая «Old Folks at Home» («Swanee River») – официальным гимном штата Флорида. Сочинения композитора иногда называют «детскими песнями», потому что они включены в музыкальную программу раннего образования. Большинство оригиналов его музыкальных рукописей утеряно, а сохранившиеся нотные тетради, изданные при жизни автора, хранятся в различных коллекциях.

Стивен Коллинз Фостер (1826 - 1864 гг.).

Стивена Фостера можно назвать стволом дерева американской музыки, корни которого уходят глубоко в землю трех континентов, а ветви вытянулись за два столетия далеко вверх. Песни, написанные композитором между 1844 и 1864 годами, стали настолько популярными в США, что критики единогласно причислили их к сокровищам американской национальной музыки.

О жизни Фостера писали многие биографы, но в деталях их исследования могут сильно отличаться. Сам же композитор оставил о себе очень мало биографических данных, а его брат Моррисон Фостер уничтожил большую часть наследия, которое, по его мнению, негативно отражалась на их семье. Поэтому неудивительно, что жизнь «отца американской музыки» полна легенд и мифов.

Символично уже то, что один из самых известных и влиятельных американских композиторов, Стивен Фостер появился на свет в день рождения нации. Он родился 4 июля 1826 года в Лоуренсвилле, штат Пенсильвания, недалеко от Питтсбурга в семье уроженца Шотландии, члена Законодательного собрания штата и мэра города Аллегени Уильяма Барклая Фостера и Элизы Клейланд Томлинсон Фостер, у которых уже было десять детей. Рано проявив интерес к музыке Фостер научился играть на кларнете, скрипке, гитаре, флейте и фортепиано, но так и не получил формального музыкального образования в области композиции, ограничившись участием в труппах менестрелей. Фостер вырос в той части города, где поселились многие европейские иммигранты и с детства впитал грустную лирику негритянских напевов, мелодичность итальянских опер, грусть кельтской балладной традиции и мелодраматизм немецких песен. В каждой из этих разнообразных традиций Фостер уловил сущность, которая способствовала формированию его собственного неповторимого таланта как поэта и композитора. Из изящных арий Доницетти и Беллини он создал легкую романтику таких песен, как «The Voice of Bygone Days» (1850) или «Linger in Blissful Repose» (1858), а из поэзии Роберта Бернса и Томаса Мура выделил не только мелодичность, но и глубоко пронизывающий её кельтский пафос.

«The Tioga Waltz» - Sara Davis Buechner.

Свою первую песню Стивен написал в 14 лет и назвал «Tioga Waltz». Ему было восемнадцать лет, когда была опубликована его песня «Open Thy Lattice, Love» (1844), написанная на стихи Джорджа П. Морриса. В 1845 году, во время семейного концерта публике впервые были представлены песни «Lou'siana Belle», «Old Didle Ned» и «O! Susanna».

«Ah the Voice of Bygone Days» - Jerry Ernst.

К 1846 году Фостер переехал в Цинциннати, где устроился бухгалтером на фирму «Irwin & Foster Steamboat Agency». Общество Цинциннати представляло собой разношерстную публику из промышленного рабочего класса, ирландской, английской и шотландской аристократии, рабов плантаций и речной вольницы. Вдохновленный средой, которая его окружала, Фостер вскоре бросил работу и полностью посвятил себя написанию песен, среди которых было несколько застольных: «My Wife Is a Most Knowing Woman», «Mr. and Ms. Brown» и «When the Bowl Goes Round», несколько песен о вреде пьянства: «Comrades Fill No Glass for Me» или «The Wife», и религиозные гимны: «Seek and ye shall find», «All around is bright and fair, While we work for Jesus» и «Blame not those who weep and sigh».

«My Wife Is A Most Knowing Woman» - Douglas Jimerson · Civil War Comrades · The Federal City

Страдания чернокожих нашли красноречивое выражение в афроамериканской песенной традиции. Смешивая ритмы потерянной родины с мелодичностью английских баллад, чернокожие музыканты создали настоящую сокровищницу духовных, евангельских и рабочих песен американского народа. Приобщение Фостера к этой музыке началось, как утверждает его брат, еще в детстве с песен чернокожей няни Оливии Пизе и с выступлений популярных в то время шоу менестрелей, где белые артисты в черном гриме изображали своё видение жизни негров на плантации.

«Lou'siana Belle» - Tom Roush.

Некоторые из ранних песен Фостера были похожи на те, что в 1830 - 1840-е годы исполнялись менестрелями. Это обстоятельство дало повод некоторым современным исследователям творчества композитора обвинить его в пренебрежительном отношении к афроамериканцам. Эти песни действительно кажутся современной аудитории издевательскими и расистскими, что обусловлено их нарочитым диалектом, чрезмерным использованием расовых стереотипов и явного одобрения эксплуататорского обращения с афроамериканцами, но важно отметить, что в то время развлечения подобного рода были чрезвычайно популярными среди обеих рас.

Кроме того, к чести Фостера, следует помнить, что если его ранние песни использовали условности т.н. «эфиопского» стиля, то впоследствии он отказался от диалекта, запретил публиковать уничижительные карикатуры на обложках своих нот и стремился, в меру своих возможностей, усовершенствовать и преобразовать жанр менестрелей в то, что он предпочитал потом называть «плантационной» песней. В таких работах, как «Nelly Was a Lady» (1849) и «Old Black Joe» (1860) автор одинаково наделил всех своих героев достоинством и человечностью, не обращая внимания на цвет кожи.

«Camptown Races» - Al Jolson.

Первым большим хитом Фостера, положившим начало его карьере как популярного композитора и поэта, стала любимая в менестрельных труппах песня «Oh! Susanna», проданная в 1848 году известному музыкальному издателю В.К. Питерсу (W.C. Peters). На следующий год песня достигла пика популярности и настолько прочно стала ассоциироваться с Калифорнийской золотой лихорадкой, что была принята золотоискателями в качестве своего неофициального гимна.

«Oh, Susannah» - Al Jolson.

В 1849 году композитор опубликовал сборник «Эфиопские мелодии Фостера», в который вошла популярная песня «Nelly Was a Lady», ставшая известной благодаря труппе менестрелей «Christy Minstrels», основателем которой был Эдвин П. Кристи. «Эфиопские» и «плантационные» песни Фостера охотно исполнялись как чёрными, так и белыми исполнителями от «Christy Minstrels» до The Hutchinsons и The Hamptons. Их влияние можно ощутить в самых разных жанрах: от проповедей основателя организации YMCA Филипа Блисса (Philip Bliss), который соединил традиции Армии спасения со своей любовью к афроамериканской музыке, и спиричуэл афроамериканского композитора Генри Такера Берлиха (Henry Thacker Burleigh) до аранжировок старых американских песен Аарона Копланда (Aaron Copland), Чарльза Айвса (Charles Ives) и Рэя Чарльза (Ray Charles).

«Nelly Bly» - Robert Shaw Chorale.

В 1850 году Фостер переехал обратно в Питтсбург и заключил контракт с «Christy Minstrels», для которых написал большинство своих известных песен: «Camptown Races» (1850), «Nelly Bly» (1850), «Ring de Banjo» (1851), «Old Folks in Home» (1851), «My Old Kentucky Home» (1853), «Old Dog Tray» (1853) и «Janie with the Light Brown Hair» (1854).

«Ring de Banjo» - 2nd South Carolina String Band.

Среди композиций Фостера того времени главное место принадлежит сентиментальным балладам, где романтика, полет воображения, и гармония вытесняют суровую реальность мира. В этом ключе были созданы песня «Ah! May the Red Rose Live Alway» («Ах! Пусть Красная роза живет всегда») (1850), вдохновленная стихотворением «A Red, Red Rose» («Красная, Красная роза») Роберта Бернса; «Gentle Annie» (1856) - одна из самых трогательных песен композитора, сюжет которой навеян смертью девушки в результате несчастного случая в карете; и менее известная «Molly, Do You Love Me?» (1850).

«Ah! May The Red Rose Live Always» - Thomas Hampson.

В 1851 году Фостер написал для Э.П. Кристи сентиментальную песню «Old Folks in Home», более известную как «Swanee Riwer», которая к ноябрю 1854 года была продана тиражом более 130 000 экземпляров, что сделало ее одной из самых популярных и успешных композиций Фостера, и ставшей в 1935 году официальной песней штата Флорида.

«Swanee River» - Pete Seeger.

Еще одна из мелодий Фостера - «My Old Kentucky Home» также была принята в качестве официального государственного гимна штата Кентукки в 1928 году.

«My Old Kentucky Home» - Bunk Johnson (1945).

Пожалуй, самая известная из песен композитора, романтическая баллада «Janie with the Light Brown Hair» («Джини со светло-каштановыми волосами») была посвящена жене автора Джейн Денни Макдауэллл, на которой Фостер женился 22 июля 1850 года. Несмотря на то, что вскоре у Фостера родилась дочь Марион, его брак представлял собой беспрестанную серию скандалов и примирений. Во время одной из размолвок композитор и написал «Janie with the Light Brown Hair», как средство примирения с ушедшей от него женой (они примирились после публикации песни).

"Jeanie with the Light Brown Hair" - Nelson Eddy Sings

Периодически на протяжении всей своей карьеры Фостер занимался политической сатирой, сочинив такие песни, как «The Abolition Show» (1856) или «The Great Baby Show», где он насмехается над фанатизмом митингующей толпы, или «That's What’s the Matter», где он поддерживает Союз в его борьбе против Конфедерации. «Тяжелые времена» Диккенса, безусловно, вдохновили Фостера на создание такой социально значимой песни, как «Hard Times Come Again No More» («Тяжелые времена приходят снова и снова») (1854), где композитор упоминает общенациональный подъем аболиционизма, вызванный романом Гарриет Бичер Стоу «Хижина дяди Тома».

Хотя в 1853 году композитор заключил эксклюзивный контракт с музыкальным издательством Firth, Pond, and Co., его финансовое положение было нестабильным, отчасти из-за отсутствия защиты авторских прав на его песни. Его личная жизнь не сложилась, и после многочисленных конфликтов с женой пара разошлась в 1854 году. В 1860 году публикацией песни «Old Black Joe» завершились эксклюзивные отношения Фостера с компанией Firth, Pond, and Co.

«Old Black Joe» - Paul Robeson.

Удрученный финансовыми проблемами, разводом с женой и смертью родителей, а также ухудшением здоровья на почве алкоголизма, Фостер значительно снизил качество своих произведений. В то время как гражданская война требовала песен иного типа, более похожих на марши, Фостер сосредоточился на сентиментальных балладах, усиливая акцент на тоске по дому, неразделенной любви и горечи расставания, что уже не приводило к достигнутому в предыдущем десятилетии успеху. Из многих песен, написанных композитором в последние годы жизни, только «Beautiful Dreamer» (1864) достигла популярности его ранних работ.

«That's what's the matter» - P.M. Adamson.

Фостер заболел лихорадкой в январе 1864 года. Ослабленный, он упал в номере отеля в Бауэри и порезал шею. Его партнер Джордж Купер нашел композитора, лежащим на полу в луже крови. Три дня спустя, 10 января 1864 года Фостер умер в больнице Беллевью в возрасте 37 лет. В его бумажнике лежал клочок бумаги с надписью: «Дорогие друзья и нежные сердца», 38 центов в монетах Конфедерации и три пенни Союза. Говорят, что записка вдохновила поэта-песенника Боба Хиллиарда (Bob Hilliard) на написание песни «Дорогие сердца и добрые люди» (1949). Стивен Фостер был похоронен на кладбище Аллегени в Питтсбурге. После смерти Фореста его «литературным душеприказчиком» стал брат Моррисон, который своеобразно распорядился рукописями, автографами и биографическими документами композитора, попросту уничтожив большую их часть.

«Old Dog Tray» - Carroll Clark.

Одной из самых любимых работ Стивена Фостера была песня «Beautiful Dreamer», опубликованная уже после его смерти. Несмотря на то, что Фостер оставил Америке богатое наследие из всеми любимых песен, он скончался без гроша в кармане.

«Willie Has Gone to the War» - University of St. Mary's Choir.

Стивен Фостер послужил мощным примером для подражания практически во всех жанрах американской национальной музыки. Эта длинная очередь берет свое начало от композитора периода гражданской войны Уолтера Киттреджа (Walter Kittredge) с его пикантной «Tenting Tonight on the Old Campground» и аболиционистки Хэрриет Табман (Harriet Tubman), которая использовала произведения Фостера в своих выступлениях,  и продолжается славной чередой трубадуров 20-го века, среди которых Вуди Гатри (Woody Guthrie), его сын Арло (Arlo Guthrie), Боб Дилан (Bob Dylan), Джоан Баез (Joan Baez), Питер, Пол и Мэри (Peter, Paul, and Mary) и, конечно же, Пит Сигер (Pete Seeger), который заимствовал мелодии Фостера и других авторов («We Shall Overcome» основан на старой песне «Sicilian air») в качестве декораций новых, политически значимых текстов.

«Beautiful Dreamer» - Leslie Guinn, baritone; Gilbert Kalish, piano.

По словам историков музыки и музыкальных критиков Томаса Хэмптона (Thomas Hampson) и Карла Вердино-Зюльволда (Carla Maria Verdino-Süllwold): «Со своей наивностью и романтичностью прекрасный мечтатель Стивен Коллинз Фостер стал эталоном того, что поэт Уолт Уитмэн назвал пением сердца: музыка, в которой слова возвышают музыку и музыка поднимает дух. Его стихи - это исповедь американского мечтателя, а мелодии песен - голос его сердца».