Классика рока. Roy Orbison – Mystery Girl (1989).

«Mystery Girl» («Таинственная девушка») — двадцать второй студийный альбом американского певца Роя Орбисона. Все песни альбома были записаны в конце 1988 года. Это был его последний альбом, который Орбисон записал при жизни, поскольку он завершил работу над альбомом за месяц до своей смерти. Запись альбома была завершена в ноябре 1988 года. В записи альбома принимали участие Майк Кэмпбелл и «Heartbreakers», Ти Боун Бернетт, Джордж Харрисон, Джим Келтнер и Рик Вито.

Великие исполнители ХХ века. Зиновий Бабий (1935 - 1984).

Уникальный, невероятный по диапазону, богатству и красоте крайних регистров голос исполнителя оставался загадкой для педагогов консерваторий. Его невозможно было назвать ни тенором, ни баритоном, и потому сложно было подобрать подходящую методику работы с ним. Те, кому посчастливилось слышать исполнение Зиновия Бабия, сравнивают его с Энрико Карузо — по качеству тембра и звукообразования, а еще чаще — с Франко Корелли, тоже, по сути, выдающимся вокалистом, сделавшим себя сам.

Один из талантливейших артистов советской оперы, блистательный тенор Зиновий Иосифович Бабий родился 27 января 1935 года в небольшом западно-украинском селе Подсадки на Львовщине в крестьянской семье любителей музыки. Отец — Бабий Иосиф Гаврилович обладал хорошим голосом и музыкальным слухом, был певцом церковного хора. Он ходил 20 километров пешком от их села до Львова, чтобы попасть на спектакли Львовского оперного театра. Дом Бабиев был одним из первых в селе, где появился патефон и большое количество пластинок с украинскими и русскими народными песнями, романсами, ариями из опер. Среди пластинок были записи Бориса Гмыри, Михаила Гришко, Ивана Козловского, Ивана Паторжинского, Марии Литвиненко - Вольгемут, а также итальянских звезд Энрико Карузо, Марио Ланца, Беньямино Джильи. Их исполнение юный Зиновий, мечтавший стать артистом, внимательно слушал и охотно воспроизводил, к большому удовольствию родных и близких.

В начале 1950-х годов Зиновий случайно познакомился с педагогом-бандуристом, который помог ему с приобретением инструмента и научил его играть. В то время Бабий жил у своей тети на ул. Мурманский (теперь Кастеловка) во Львове. Однажды его пение услышал сосед – педагог Львовского музыкального училища Петр Родионович Колбин. Он не только оценил качество голоса Зиновия, но и настоял на его дальнейшем обучении. В 1952 г. Бабий поступил в львовское музыкальное училище по классу бандуры.  Колбин помог Зиновию перейти на вокальное отделение в его классе. Четыре года обучения во Львовском государственном музыкальном училище (с 1951 по 1954 год) под руководством талантливых педагогов стали основной профессиональной школой Бабия.

В 1954 году Бабий был призван в ряды вооруженных сил, где стал солистом «Ансамбля песни и пляски Прикарпатского Военного округа». Маршал Конев, в ту пору командирующий Прикарпатского Военного округа, услышав молодого солиста ансамбля, был столь впечатлен его выступлением, что отдал приказ о досрочном увольнении из рядов вооруженных сил с целью дальнейшего продолжения учебы.

Зиновий Бабий – «Скажите, девушки» (Родольфо Фальво - Энцо Фуско).

После демобилизации Бабий уезжает в Москву с целью поступления в Большой театр и Московскую консерваторию. Но вместо студенческой скамьи устраивается на большую сцену: воспользовавшись советом солиста киевской оперы Сергея Козака, Зиновий идет на прослушивание солиста Киевского театра оперы и балета им. Т. Шевченко. Так, благодаря случаю Бабий получает приглашение на работу в труппу прославленного киевского театра, где его партнерами и учителями становятся Борис Гмыря, Михаил Гришка, Михаил Роменский, Лидия Ржецкая, Лариса Руденко. В том же году в возрасте 22-х лет, певец дебютировал в операх «Кармен», «Сельская часть», «Запорожец за Дунаем».

В 1957 году Зиновий становится студентом Киевской Государственной консерватории в классе Зои Гайдай, к тому времени уже Народной артистки СССР. В период с 1957 по 1959 годы певец подготовил партии Радамеса в опере «Аида», Манрико в «Трубадуре», Герцога в «Риголетто», Рудольфа в «Богеме», Каварадосси в «Тоске», Пинкертона в «Мадам Батерфляй», Канио в «Паяцах».

В 1958 году состоялось знакомство молодого певца с патриархом советских теноров Иваном Козловским. Козловский был настолько пленен красотой и мощью уникального голоса, что назвал Зиновия Бабия и его голос государственной ценностью, достоянием Советского Союза, о чём неоднократно заявлял на протяжении всей карьеры Зиновия.

Зіновій Бабій - «Ой, ти, дівчино, з горіха зерня» (A.Кос-Анатольський - І.Франко).

В 1959 году певец возвращается во Львов, где становится ведущим солистом Львовской оперы. Под руководством Стефана Турчака Бабий успешно исполнял партии Радамеса и Хозе с украинской мецко-сопрано Ренатой Бабак. В 1960 году Зиновий знакомится со студенткой Львовского университета Стеллой Тарутта, ставшая в последствии его женой, ближайшим другом и помощником. В том же году Бабий дебютирует как камерный певец, дав свой первый сольный концерт на сцене львовского оперного театра.

Когда в 1961 году Зиновий отправился в Болгарию на Первый международный конкурс молодых певцов, его пригласили в Варну — спеть партию Радамеса в «Аиде» на одной сцене с итальянской примадонной Еленой Николаи (исполнявшей роль Амнерис). Узнав, что ей предстоит петь с мальчишкой из Советского Союза, не дошедшим даже до финала вокального конкурса, солистка «Ла Скала» не пришла на первую репетицию. Но после совместной работы и выступления в память о спектакле, подарила исполнителю фотографию с дарственной надптсью «Лучшему Радамесу — Елена Николаи».

В 1962 году Бабий дебютирует на столичных сценах «Большого» и «Кировского» театров в опере Верди «Аида» и получает приглашение на работу в эти театры. Слава певца в Советском Союзе растёт от выступления к выступлению. Молодой певец — желанный гость на крупнейших концертных площадках и оперных сценах страны.

Зиновий Бабий – «Санта Лючия» (Итальянская нар. песня. Обраб. Александра Долуханяна).

Во время гастролей в городе Минске певец получает приглашение на работу в Белорусский Государственный театр оперы и балета на его условиях, с гарантией осуществить его мечту о постановке оперы Верди «Отелло». Руководство БССР создаёт для певца все необходимые условия, гарантируя при этом полную свободу творческого выбора.

Зиновий Бабий – «О, Мари!» (Эдуардо ди Капуа - Винченцо Руссо).

Бабий даёт своё согласие на переезд в Белоруссию. Перед отъездом из Львова, чтобы попрощаться со своей любимой и благодарной публикой, чьим кумиром и любимцем он уже был на том момент, артист принимает решение выступить в течение одного вечера сразу в трёх партиях: Масканьи в «Сельская честь» (Туридду), Леонкавалло «Паяцы» — Пролог и непосредственно в партии Канио. Львовский оперный театр не в состоянии вместить всех желающих. Руководство города и театра идёт на беспрецедентный шаг, выводя трансляцию выступления на площадь перед театром и прилегающие к нему улицы.

В декабре 1962 года Бабий с супругой переезжают в город Минск, где в марте 1963 года рождается сын Игорь, а в апреле триумфально проходит премьера оперы Верди «Отелло». В том же году состоялся первый сольный концерт певца в зале «имени Чайковского» в Москве. Вот что писал в то время журнал «Советский Союз»: «Две с половиной тысячи билетов были распроданы в течение нескольких часов. Так встретила Москва первый сольный концерт 28 летнего певца Зиновия Бабия. Шумный и заслуженный успех артисту принесли необычайно красивый по тембру и мощи голос, незаурядные сценические данные».

Зиновий Бабий – «Выхожу один я на дорогу» (Елизавета Шашина - Михаил Лермонтов).

В 1964 году Зиновий вновь выступает с сольным концертом в Москве, в «Большом зале консерватории». В это же время в Москве проходят гастроли Миланского театра «Ла Скала». Руководство театра приглашает артиста принять участие в гастролях театра в Испании и Португалии, выступив в операх Верди «Аида», «Трубадур» и «Риголетто».

В эти годы рабочий график певца расписан буквально поминутно: репетиции, выступления по радио и телевидению, гастроли по стране и за рубежом: в Австрии, Болгарии, Венгрии, Швеции, Германии, Польше, Франции, Югославии, Румынии и другие страны. Его голос звучит над миром; выступления певца транслируются на «Интервидению». Бабий записывает первый сольный «диск — гигант» с оркестром «Большого театра Союза ССР» под управлением Марка Эрмира. Тираж всех выпущенных пластинок с записями певца превысил миллион экземпляров.

Зиновий Бабий - «Я помню чудное мгновенье» (Михаил Глинка - Александр Пушкин).

Колоссальный артистический талант и мастерское владение голосом позволили артисту создать неповторимые образы на сцене. В классических операх это — Фауст («Фауст» Ш. Гуно), Хозе («Кармен» Ж. Бизе), Каварадосси и Рудольф («Тоска» и «Богема» Дж. Пуччини), Канио («Паяцы» Р. Леонкавалло), Туридду («Сельская честь» П. Масканьи); в произведениях русских композиторов — Герман («Пиковая дама» П. Чайковского), Орест («Орестея» С. Танеева); в операх национального репертуара — Сергей («Алеся» Е. Тикоцкого). Бабий является единственным оперным солистом, выступавшим на всех оперных сценах Советского Союза.

Зиновий Бабий - Романс Надира из 1 акта оперы Жоржа Бизе «Искатели Жемчуга».

В операх Дж. Верди подлинными шедеврами вокального искусства в исполнении Зиновия Бабия стали партии Манрико («Трубадур»), Радамеса («Аида»), Герцога («Риголетто») и, одна из лучших, партия Отелло («Отелло»), которую певец исполнил в 28 лет. В 1969 году певцу присваивается почетное звание «Заслуженного артиста БССР», а спустя полгода — «Народного артиста БССР».

Зиновий Бабий - «Где ты,  зорька моя»  ( И.Лученок - А.Русак).

В 1971 году, из-за тяжелой болезни сердца Зиновий Бабий был вынужден значительно сократить свой концертный график. В 1975 году Бабий покидает сцену Государственного Большого театра Белоруссии. О выступлениях в оперных спектаклях не может быть и речи, артист переходит на работу в Белорусскую Государственную филармонию и продолжает выступать как концертно-камерный певец. Обширный концертный репертуар артиста включал 18 сольных программ из произведений разных эпох и стилей.

Но в апреле 1979 года, когда речь идёт уже не о продолжении творческой деятельности, а о жизни, в московском Институте сердечно-сосудистой хирургии им. Бакулева, певцу проводят сложнейшую операцию на открытом сердце. Больше года Зиновий восстанавливается после операции и вновь возвращается к работе. В этот период певец, как никогда много записывается на радио. Фирма «Мелодия» выпускает 4 «диска-гиганта».

Поразительно, но певец добился поистине легендарной славы в СССР, имея за плечами среднее специальное образование — Львовское музыкальное училище. Лишь в 1981 г. он получит диплом о высшем образовании в Белорусской консерватории, когда его исполнительская карьера, по сути, была уже завершена. В этом же году певец прощается со сценой государственного Большого тетра БССР, выступив в партии Туридду в опере Масканьи «Сельская честь».

Зиновий Бабий - Ария Туридду из оперы «Сельская честь» П. Масканьи.

28 июля 1984 года артиста не стало. Он обрёл вечный покой на «Восточном» мемориальном кладбище Минска. За годы творческой деятельности Зиновием Бабием подготовлено более 40 сольных программ, создана галерея ярких, незабываемых образов в операх Верди: «Аида», «Отелло», Риголетто", «Трубадур». Пуччини: «Богема», «Мадам Батерфляй», «Тоска». Леонкавалио: «Паяцы», Масканьи «Сельская честь», Чайковский «Пиковая дама», Танеев «Орестея».

Зиновий Бабий – «Я так тебя люблю» (Эрнесто де Куртис).

После кончины Зиновия Бабия на доме, где родился певец, была установлена мемориальная доска: «В этом доме 27 января 1935 года родился выдающийся украинский певец З. Бабий». На доме в Минске, где жил артист установлена мемориальная доска: «В этом доме с 1963 г. По 1984 г. Жил выдающийся оперный певец З. Бабий».

26 января - день памяти Мишеля Леграна (24.02.1932 - 26.01.2019).

«C самого детства я понял, что моя цель – жить в окружении музыки и не упустить ничего. Вот почему я никогда не останавливался на одной музыкальной дисциплине».

Мишель Легран.

Французский композитор, пианист, аранжировщик, дирижёр и певец Мишель Жан Легран (Michel Jean Legrand) написал более двухсот песен к кино- и телефильмам. В России композитор известен, в первую очередь, музыкой к французскому кинофильму «Шербурские зонтики» (1964). Легран был шесть раз номинирован на кинопремию «Оскар» и стал её трёхкратным обладателем: за лучшую песню «The Windmills of Your Mind» («Ветряные мельницы твоего сознания») к американскому кинофильму «Афера Томаса Крауна» (1968). Еще две награды были получены за саундтрек, сочиненный композитором к драме 1972 года «Лето 42-го», и песню к музыкальной ленте Барбры Стрейзанд «Йентл», вышедшей на экраны в 1984 году. Легран восемь раз номинировался на «Золотой глобус», трижды на «Сезар» и стал лауреатом пяти премий «Грэмми». Песню «The Windmills of Your Mind» взяли в репертуар сотни исполнителей, в том числе «Оркестр Поля Мориа» и Стинг. В России композиция появилась в репертуаре Марка Тишмана и Тамары Гвердцители.

Имея армянское происхождение, Мишель Легран тем не менее появился на свет во Франции, в Париже. Отец пианиста – известный дирижер и композитор Раймон Легран (Raymond Legrand). Отец рано оставил семью, и матери пришлось одной ставить на ноги двоих детей - сына Мишеля и дочь Кристиан. Женщина много работала, и юному Леграну, остававшемуся дома в одиночестве, приходилось развлекать себя самостоятельно. Иных игрушек, кроме пианино, в доме не было, поэтому маленький Мишель забавлялся, подбирая аккорды к услышанным по радио мелодиям. Благодаря этому Мишель вдохновился величественным миром музыки. Также своим творческим опытом с мальчиком делился его дядя Жак Хели (Jacques Hélian). Первые уроки и наставления он получил именно от него.

Участвовал в воспитании юного Мишеля Леграна дед – этнический армянин Саркис Тер-Микаэлян, покинувший родину в 1917-м. Дедушка жил во французском Аньере, и дочь с двумя детьми прожила в его доме 6 лет. Композитор запомнил деда эмоциональным и страстным человеком, щедрым и набожным. Каждое воскресенье Мишель Легран вместе с дедушкой посещал храм, а в часы досуга в доме звучал граммофон: Саркис Тер-Микаэлян обожал музыку и собрал богатую коллекцию пластинок.

В детстве будущий композитор сильно болел: «Я жил в ожидании своей скорой смерти. Мама как-то повела меня на консультацию к специалистам, и те обнаружили у меня редкое заболевание - надлом грудной кости, проще говоря, дырку в груди. Своими ушами слышал приговор: «Бедная мадам, ваш малыш долго не проживет!» Но мама руки не опустила, отыскала специалистов где-то на севере французского региона Нор-Па-де-Кале, в Берке, которые занимались лечением подобных патологий при помощи ледяного воздуха. И стала меня туда возить на целое лето».

Когда Леграну было 10 лет, он поступил в Парижскую консерваторию, которая оказалась своего рода неожиданным откровением:

«До тех пор, мое детство было плоским и несчастным. Моя жизнь вращалась вокруг старого пианино, и я был очень одинок. Внезапно, когда я присоединился к теории музыки в классе Люсетта Десавье, я обнаружил мир, который принадлежал мне, людей, которые говорили на «моем языке». Теперь я чувствовал, что жизнь стала захватывающей!»

Мишель Легран окончил консерваторию с отличием в гармонии, фортепиано, игре на фуге. Тяготея к воплощению своего инструментального таланта, он сразу же начал работать в качестве аккомпаниатора знаменитого французского актера и певца Мориса Шевалье (Maurice Chevalier). Мишель много путешествовал с Морисом во время его международных туров. Это дало музыканту возможность впервые посетить США, где он и записал свою инструментальную пластинку «I Love Paris». Альбом получил широкий резонанс, заняв первые места во многих музыкальных чартах США в 1954 году. В конце 1950-х композитор выступал как джазовый исполнитель. В его репертуаре были сочинения Джанго Рейнхарда и Бикса Бейдербека. В 1958-м Мишель Легран записал первый сборник джазовых композиций.

Начиная с 1950 года, Легран начал сочинять музыку для других исполнителей. Его песня «La Valse des Lilas» отображала индивидуальный стиль мелодичного сопровождения, которое вскоре стало его визитной карточкой.

Michel Legrand – «La valse des lilas».

В 1959 году с приходом французской «Новой Волны», он стал одним из архитекторов возрождения французского кино. Мишель начал сотрудничать с режиссерами: Жан-Люком Годаром (Jean-Luc Godard), Франсуа Райхенбахом (François Reichenbach) и, конечно, Жаком Деми (Jacques Demy), с которым он изобрел новый жанр фильма-мюзикла.

В 1963 году вышла музыкальная мелодрама «Шербурские зонтики», получившая зрительскую любовь благодаря игре Катрин Денев и пронзительным саундтрекам Мишеля Леграна. Все песни картины и озвучивание принадлежат сестре композитора Кристиан (см. Кристально чистый голос Кристин Легран (Christiane Legrand)). 

«Моя сестра исполнила в этом фильме арии не только Женевьев, главной героини, но и её матери, которую сыграла Анна Вернон», - говорил Легран.

В следующем году мюзикл наградили «Золотой пальмовой ветвью» Каннского фестиваля, а мелодия «Осенняя грусть» из «Шербурских зонтиков» превратилась в шлягер на все времена. Многие музыканты исполняют композицию в новых вариациях, чаще всего под саксофон. Жена композитора Маша Мериль рассказывала: «...когда мы были в Америке, супруг Барбры Стрейзанд сказал Мишелю по секрету: «Мы всегда ставим твои «Зонтики», когда начинаем заниматься любовью!» Так что Мишель сумел угодить влюбленным всего мира!».

Michel Legrand & Toots Thielemans – «Les Parapluies De Cherbourg».

В 1964 «Шербурские зонтики» получил награду «Золотую пальмовую ветвь» на Каннском фестивале, принеся создателям мировой успех, несмотря на пессимистические прогнозы многих специалистов отрасли. Как вспоминает сам Легран:

«Жак и я должны были сдвинуть этот проект с «мертвой точки», но это было очень сложно. Продюсеры боялись финансировать фильм, который содержит пение в диалогах и который имеет реалистическую окраску, так же, как повседневной жизни».

Несмотря на его престижные награды в области музыкального кинематографа (три премии «Оскар») они не оказали значительного влияния на собственное творчество музыканта. По словам Мишеля, «Оскар» является золотой звездой, куском лести, имеющим сладкий вкус успеха, но на самом деле не делает композитора лучше или хуже, достоинства или недостатки остаются неизменными.

Michel Legrand – «Trombone, guitare et compagnie» (1964).

В 1964 году Мишель Легран решил исполнять свои песни сам, добавляя в историю развития своего творчество еще одну стезю. Его голос стал дополнительным инструментом, которым пианист мечтал овладеть в полной мере: «Моя идея заключалась в том, чтобы просто дать себе попробовать это, а также для того, чтобы преодолеть свою застенчивость. После нескольких лет пребывания на сцене спиной к зрителям, я решился поступить наоборот – повернуться и столкнуться со зрителями взглядами». Вокал Леграна не поражал силой и красотой, но понравился слушателям.

Michel Legrand – «Les Moulins de Mon Coeur» (1969).

На протяжении композиторской карьеры Мишель Легран сотрудничал с Фрэнком Синатрой, Шарлем Азнавуром, Ивом Монтаном, Эллой Фицджеральд, Барбарой Стрейзанд и другими известными исполнителями.

В 1980-1990-е годы играл в составе своего джазового трио, аккомпанировал Стефану Граппелли, Рэю Чарлзу, Дайане Росс, Бьорк и другим джазовым и популярным певцам и музыкантам. Мишель Легран также был известен как автор джазовых композиций и мюзиклов, произведений симфонической, оперной и балетной музыки. В качестве дирижера он работал с оркестрами в разных странах мира. Записал свыше 100 альбомов джазовой, популярной и академической музыки.

М.Легран – «Осенняя грусть».

В 1991-м состоялась премьера альбома Леграна «Динго», за которую ему вручили «Грэмми». В том же году маэстро выступил в легендарной парижской «Олимпии» с Тамарой Гвердцители.

Из США композитор в итоге уехал, вернулся в Париж. «Лос-Анджелес - страна вечного лета и застывшего времени. Никакой смены сезонов, ни тучки, ни дождика - ни-че-го! Наступает момент, когда постоянное присутствие солнца начинает просто взрывать тебе мозг. Помню, Эдит Пиаф как-то сказала мне: «Если случится тебе оказаться в Америке, никогда не бросай там якорь. В Америке надо быть только проездом. Иначе просто иссякнешь как творческая личность. Там нет никакой эмоциональной подпитки». Она была права: если надолго задержался в Америке - то все, в Америке и закончишься, начнешь медленно угасать, чахнуть. У меня развилась серьезная депрессия, такая тяжелая, что я решил вернуться домой», - рассказывал Легран.

Мишель Легран и Натали Дессе.

Поздней осенью 2013 года Мишель Легран записал совместный диск «Natalie Dessay Sings Michel Legrand» с оперной дивой Натали Дессе. Альбом стал «золотым»: французы раскупили 50 тысяч копий. Композитор неутомимо гастролировал. В последнее десятилетие он побывал в Японии, США, Нидерландах и неоднократно в России. Он продолжал сочинять музыку для фильмов, балета и театров, записывал новые сборники инструментальных композиций. Типичной чертой характера композитора является то, что он отвергает понятие карьеры:

«Я ненавижу идею целей, результатов, лимитов. Я художник, а не политик. Меня мотивирует сама жизнь, богатство и разнообразие всех видов музыки. Очень важно не забывать оставаться «начинающим». Один из самых стимулирующих периодов вашей жизни – время, когда вы делаете открытия, когда вы учитесь. Я надеюсь, что никогда не стану кем-то, игру которого люди будут хладнокровно описывать как «очень профессиональную».

Мишель Легран познакомился с главной женщиной своей жизни, Машей Мериль, в 1964 году. Композитор и актриса попали в состав французской делегации на кинофестиваль в Бразилии. Легран обратил внимание на красавицу на пляже Копакабана и влюбился. По словам мэтра, это был платонический роман, который вспыхнул и по взаимному согласию пары закончился там же, в Рио-де-Жанейро. Музыкант был женат, дома его ждали жена Кристи и двое детей, Эрве и Бенжамен. А Маша собиралась замуж за итальянца.

Они снова встретились спустя полстолетия. Мишель Легран трижды развелся, от разных браков у него родились двое сыновей и две дочери. Оба сына связали жизнь с музыкой, дочери выбрали иные профессии, далекие от мира искусства. Легран и Мериль встретились под занавес 2013 года в парижском театре «Буфф-Паризьен», на подмостках которого Маша играла в спектакле «Близкие отношения». Влюбленные решили не расставаться. Осенью 2014 года пара обвенчалась в Александро-Невском соборе Парижа, для чего католик Мишель Легран принял православную веру. У композитора теплое отношение к России, ведь корни любимой супруги здесь. Маша Мериль – потомок белых эмигрантов, князей Гагариных.

Michel Legrand and The London Big Band Orchestra – «Fast Food» (Live in Paris, 2009).

В 2017 году маэстро отметил 85 день рождения. Солидный возраст не стал помехой для концерта Мишеля Леграна, который он подарил российским поклонникам. 1 июля 2017-го композитор появился на фестивале «Дворцы Санкт-Петербурга» в городе на Неве. Выступил знаменитый француз в Тронном зале Екатерининского дворца. Вместе с ним прибыли французские музыканты Пьер Бусаге и Франсуа Лезо. Аккомпанировал Леграну симфонический оркестр «Таврический».

26 января 2019 года Мишель Легран скончался в возрасте 86 лет в Париже.

Ada Jones - The Mother of Phonograph. Ада Джонс - Мать фонографа (1873 – 1922 гг.).

Ада Джонс (1873 - 1922 гг.).

Самая популярная американская певица рубежа XIX – XX веков Ада Джонс (Ada Jones) родилась 1 июня 1873 года в Ланкашире, Англия. Она не играла на музыкальных инструментах и не умела читать ноты, она учила свои песни на слух.  Сильное контральто позволяло Джонс уверенно чувствовать себя при исполнении как зарисовок водевиля, комических ирландских песен, сентиментальных баллад и хитов бродвейских шоу, так и модных рэгов. Однако именно талант певицы к комическим диалектным песням и песням «енотов» способствовал ее многолетнему пребыванию на эстраде. 

В 1879 году Семья Джонс переехала в Филадельфию, штат Пенсильвания. После смерти матери, новая жена отца Ады, Энни Дуглас Малони приобщила девочку к музыке, поощряя ее выступления на сцене. Уже в 1882 году «Маленькая Ада Джонс» стала появляться на обложках  нот. Помимо успешных выступлений на сцене, Ада в 1893 году стала записывать свои песни на коричневые восковые цилиндры компании North American Phonograph (тогда принадлежавшей Томасу Эдисону). Бухгалтерские книги, хранящиеся Национальном историческом центре Эдисона, свидетельствуют о том, что мачеха Ады Джонс Энни Малони была нанята для изготовления или ремонта занавесок для компании Эдисон. В то время семья Джонсов жила неподалеку, в Ньюарке, штат Нью-Джерси. Вполне вероятно, что, находясь в студии, Эни увидела возможность для своей талантливой падчерицы. Как бы там ни было, но Ада Джонс записала для North American Phonograph Company две свои песни - «Sweet Marie» и «The Volunteer Organist», являющиеся теперь одними из самых ранних коммерческих сольных записей, сделанных женщиной. Сентиментальная баллада «Sweet Marie» была задействована в шоу «A Knotty Affair», премьера которого состоялась в Нью-Йорке в мае 1891 года. В декабре 1893 года Джонс сама выступила в «A Knotty Affair», но «Sweet Marie» на сцене исполнял её автор – композитор Рэймон Мур (Raymon Moore). Вскоре после дебюта Ады Джонс в звукозаписи, в августе 1894 года, North American Phonograph Company перешла на распалась, что положило конец первому периоду карьеры певицы в индустрии звукозаписи и она несколько лет выступала с концертами в разных местах, таких, например, как музей Хьюбера на 14-й улице в Нью-Йорке.Пройдет десять лет, прежде чем она сделает запись снова.

«Sweet Marie» - первая запись Ады Джонс (1893-1894 гг.).

К 1905 году карьера Джонс в звукозаписи снова пошла вверх, и долгое время она была единственной женщиной, которая записывалась так же стабильно, как и ее коллеги-мужчины. Ее первым хитом стала песня «My Carolina Lady», занявшая 3-е место в списке Billboard в мае 1905 года. В журнале Edison Phonograph Monthly за февраль 1905 года писалось: «Новая певица с очаровательным контральто Ада Джонс представляет публике свою песню «My Carolina Lady». Мисс Джонс исполняет это произведение в собственном стиле, с изящным диалектом, который сразу же привлечет ваше внимание».

«My Carolina Lady» - Ada Jones (1905).

В 1905 году Ада Джонс (Ada Jones) и Лен Спенсер (Len Spencer) исполнили свой первый совместный хит «Me and Mrs. Murphy», который поднялся до 8-го места в чартах Billboard. С этой записью родился один из самых популярных дуэтов той эпохи. За год Джонс и Спенсер записали более десятка совместных песен, среди которых были такие безусловные хиты, как «Ev'ry Little Bit Helps», «Reuben and Cynthia», «Pals», «Jimmie and Maggie at the Hippodrome», «Courtship of Barney and Eileen», «The Golden Wedding», «Fritz and Louisa», «The Original Cohens», «Bashful Henry and His Lovin’ Lucy», «Peaches and Cream», «Let Me See You Smile», «Return of the Arkenasas Traveler» и другие.

«Me and Mrs. Murphy» - Ada Jones & Len Spencer (1905).

Джонс также пела с Билли Мюрреем (Billy Murray), который якобы открыл певицу для звукозаписи: «Я могу брать довольно высокие ноты» - писал Мюррей в своих воспоминаниях - «но в этой песне была пара нот, которые я не смог бы достать, даже став на цыпочки... Поэтому я рассказал режиссеру о девушке, которую я слушал в музее на 14-й улице и предложил ей попробовать себя в звукозаписи. Он согласилась, чтобы я привел ее в студию… У кого-то может сложиться впечатление, что Ада Джонс в личной жизни миссис Билли Мюррей. Мы действительно женаты, но на других». 

«I’m Sorry» - Billy Murray and Ada Jones (1907).

Джонс и Мюррей выпустили свой первый хит – песню «I'm Sorry» в 1907 году. Дуэт также записал хиты «Let’s Take an Old-Fashioned Walk» (1907), «Wouldn’t You Like to Have Me for a Sweetheart?» (1908), «When We are M-A-R-R-I-E-D» (1908), «Cuddle Up a Little Closer, Lovey Mine» (1908), « Shine On, Harvest Moon» (1909) и « Be My Little Baby Bumble Bee» (1912). Однако из-за договорных ограничений Мюррея, их совместная деятельность прекратилась в 1913 году.В 1909 году Ада Джонс записала «The Yama Yama Man» - самую популярную песню в своей карьере. При записи слова для второго и третьего куплетов были изменены из-за их непристойности. Песня стала хитом и провела 5 недель на 1-м месте в списке Billboard.

«The Yama Yama Man» - Ada Jones (1909).

С 1913 года и до конца своей карьеры Ада Джонс стабильно записывалась и сотрудничала с другими партнерами, включая Генри Берра (Henry Burr), Билли Уоткинса (Billy Watkins), Уилла С. Роббинса (Will C. Robbins), Джорджа Уилтона Балларда (George Wilton Ballard), Джорджа Л. Томпсона (George L. Thompson), М.Дж. О'Коннелла (M.J. O'Connell) и Билли Джонса (Billy Jones). 

Однако с началом 1-й мировой войны популярность певицы стала падать. Причиной тому стало появление у публики новых музыкальных пристрастий, вызванных модой на джаз. Компания Edison продолжала привлекать Джонс к работе, хотя и не так регулярно, как в предыдущие годы, больше полагаясь на Хелен Кларк (Helen Clark), Глэдис Райс (Gladys Rice) и Элизабет Спенсер (Elizabeth Spencer). Райс стала часто петь в дуэте с Билли Мюрреем, бывшим ранее традиционным партнером Джонс. В период с июня 1914 года по май 1915 года певица не записала для Edison ни одной новой песни. 

Ада Джонс и The Premier Quartet (слева внизу Билли Мюррей) (1910 г.).

В конце концов, в 1917 году Ада Джонс снова объединилась с Билли Мюрреем, который тоже переживал нелегкие времена. Однако их партнерству так и не удалось восстановить былую популярность. 25 января 1918 года певица записала в дуэте с Леном Спенсером новую версию своего давнего хита «The Golden Wedding» («Золотая свадьба»), где партию внучки исполнила 12-летняя дочь Джонс Шейла. В сентябре 1918 года Джонс и Мюррей записали для кампании Edison свой последний совместный Blue Amberol - песню «Good By» Гарри фон Тилзера (Harry von Tilzer).

«The Golden Wedding» - Ada Jones & Len Spencer (1912).

В апрельском выпуске Talking Machine World за 1918 год сообщалось, что распространяются слухи о том, что певица умерла: «Ада Джонс, как и Марк Твен, возражает против того, что ее объявили мертвой». Актриса опровергла появившиеся слухи о своей смерти в следующем заявлении: «Мне часто сообщали о моей несвоевременной кончине. У меня даже были двойники, которые пели по всей стране, используя мое имя. Однажды на одном из выступлений по рекламе новых моделей фонографов меня представили публике, как «Ада Джонс - мать фонографа», что заставило меня чувствовать себя очень древней. Сердечно ваша, Ада Джонс, Лонг-Айленд». 

Сейчас уже невозможно оценить, насколько широко были распространены подобные слухи или узнать, существовали ли они вообще. Очевидно, что появление сообщения о смерти, а потом скандальное опровержение - отличная реклама, особенно перед началом гастрольного тура. Не удивительно, что Джонс воспользовался этой возможностью, чтобы подчеркнуть, что она полна здоровья и с успехом гастролирует по стране. Тем более, что раньше, в период рассвета своей карьеры Ада Джонс уже неоднократно прибегала к подобному методу поддержания своей популярности. В выпуске Edison Phonograph Monthly за март 1908 года муссируется похожая ситуация: «На Ближнем Западе широкое распространение получил слух, что мисс Ада Джонс недавно умерла. У этого слуха нет абсолютно никаких оснований. Мисс Джонс в добром здравии, прекрасном настроении и ежемесячно делает для нас новые записи». В июльском выпуске Edison Phonograph Monthly 1910 года история продолжается: «Постоянство, с которым этот слух появляется, чрезвычайно раздражает мисс Джонс, и нас беспокоят частые запросы на отрицание или подтверждение этого».

Ада Джонс и Лен Спенсер (1900-е гг.).

С 1918 года и до самой смерти Ада Джонс давала концерты, обычно в небольших городах. На странице 138 июльского номера журнала «The Voice of the Victor» за 1918 год сообщалось: «Ада Джонс и «The Shannon Four» недавно выступили на концерте в Роаноке, штат Вирджиния, под эгидой Roanoke Cycle Company». Январский выпуск Talking Machine World за 1919 год сообщал на первой полосе, что 26 декабря 1918 года певица исполнила несколько песен «енотов» в Оперном театре в Поттстауне, штат Пенсильвания. Вместе с ней выступали «The Shannon Four» и «McKee Trio». Торговый журнал, коим являлся Talking Machine World, в 1919 году уже редко использовал термин «енот» касательно песен, поскольку к этому времени такая музыка уже давно вышла из моды. 

«I'll Take You Back to Italy» - Ada Jones and Billy Murray (1918).

На 75 странице журнала Talking Machine World за март 1919 года было напечатано: «Мистер Р.Л. Холлинсхед, менеджер отдела говорящих машин фирмы Clark Music Co. с целью поддержания интереса клиентов к продукции фирмы провел содержательный концерт с участием мисс Ады Джонс, и других ветеранов звукозаписи. Мисс Джонс спела несколько диалектных песен, а также итальянский дуэт под названием «'I'll Take You Back To Sunny Italy» с мистером Холлинсхедом. Затем миссис Джонс и мистер Мюррей продемонстрировали замечательное воспроизведение человеческого голоса аппаратом Edison Re-Creation». 

«When Frances Dances with Me» - Billy Murray & Ada Jones (1922).

Последний хит дуэта Ады Джонс и Билли Мюррея «When Francis Dances With Me» был записан для компании Victor Records 25 августа 1921 года и выпущен в январе 1922 года, слишком поздно для рождественских распродаж. Руководство компании, видимо, не возлагало больших надежд на эту запись, поскольку пластинки Ады Джонс в последние годы продавались медленно. Но успех этой записи превзошел все ожидания, что можно объяснить успехом водевиля, где исполнялась песня. В какой-то момент, в самой середине исполнения песни музыка замолкает, и артисты вступают комический диалога, что было типично для записей предыдущего поколения, таких как записи Артура Коллинза (Collins) и Байрона Дж. Харлана (Harlan). К 1920-м годам певцы комических куплетов иногда обменивались диалогами, но только до начала пения. Так делали Билли Мюррей (Billy Murray) и Эйлин Стэнли (Aileen Stanley) в своей песне «What Say We Get Together»,  и как это делали мальчики счастья - но никогда в середине песни. 

Для Эдисона Ада Джонс записала ту же песню вместе со своим однофамильцем Билли Джонсом (Billy Jones) 6 сентября 1921 года. «When Francis Dances With Me» была выпущена на лейбле Diamond Disc в декабре 1921 года и Blue Amberol в январе 1922 года. Последней записанной для Эдисона песней актрисы стала «On Little Side Street» с Билли Джонсом.

«On A Little Side Street» - Ada Jones and Billy Jones (1921).

Последние годы своей жизни Ада Джонс провела на станции Хантингтон, Лонг-Айленд, штат Нью-Йорк. Она умерла 2 мая 1922 года от уремического отравления (почечная недостаточность) во время гастролей в Роки Маунт, штат Северная Каролина. Городская газета The Evening Telegram за несколько дней до этого печального события объявила, что Ада Джонс и ее труппа выступят в местном театре в субботу вечером. Труппа певицы состояла из малоизвестных артистов - скрипачки Бет Гамильтон; пианистка и сопрано Мейбла Лумиса; и некоего «Армстронга», позиционирующего себя, как «человека-загадку, который будет развлекаться моментами загадочности и веселья». Несколько дней спустя газета сообщила, что в понедельник после спектакля «Скалистая гора» Джонс упала в своем гостиничном номере. Члены труппы обнаружили ее полубессознательном состоянии. На следующий день певицу отвезли в местный госпиталь Святой Марии, где она умерла той ночью. Ее останки были перевезены в Нью-Йорк для захоронения. В июньском выпуске журнала «Хобби» 1972 года, исследователь творчества Ады Джонс Милфорд Фарго писал, что Джонс, по словам её служанки Розины Маки, не хотела начинать этот тур.  На странице 172 июньского номера журнала Talking Machine World за 1922 год была опубликована небольшая статья под заголовком «Смерть мисс Ады Джонс» (несмотря на многолетний брак, ее все еще называли «мисс»). Муж певицы Хью Флаэрти умер 9 июля 1961 года, пережив свою первую жену почти на четыре десятилетия. 

Советский рок. Дмитрий Варшавский и группа «Черный кофе».

Советский рок.

Дмитрий Варшавский, рок-музыкант, лидер, вокалист и автор песен группы «Черный кофе» родился 21 января 1964 года   в Москве в интеллигентной семье. Мама Дмитрия закончила ГИТИС, работала хореографом и была знакома со многими известными людьми в театральной и музыкальной среде. Отец, по воспоминаниям Варшавского, блестяще играл на фортепиано. Дедушка был военным разведчиком, воевал в советско-финской войне, прошел всю Великую Отечественную войну, имел награды, врученные лично Георгием Константиновичем Жуковым.

Egbert Van Alstyne. Tin Pan Alley Pioneer. Эгберт Ван Алстин. Пионер Тин Пан Аллеи (1878 - 1951 гг.).

Известный американский композитор и пианист, автор нескольких десятков шлягеров эпохи Tin Pan Alley Эгберт Ван Алстин (Egbert Anson Van Alstyne), находясь на пике своего  творчества, примерно с 1900 по 1930 годы, опубликовал, по меньшей мере, 400 а, по некоторым оценкам, более 700 своих песен, многие из которых стали популярными хитами. Ясный и гармоничный стиль композиции позволил Ван Алстину создавать произведения с приятными и легко запоминающимися мелодиями. Композитор писал во многих жанрах, от традиционно популярных сентиментальных баллад и песен "енотов", до новомодных регтаймов, что сделало его одним из ведущих авторов Америки.
История первых лет жизни Ван Алстина полна загадок и противоречий: оказалось, что ни один источник не может с уверенностью назвать точную дату и место рождения будущего композитора. Биография ASCAP, вместе с большинством других не менее авторитетных опубликованных биографий уверяют читателя, что Ван Алстин родился в 1882 году в Чикаго. Однако исследовательница творчества композитора Трейси Дойл обнаружила записи 1878 года о его рождении в небольшом городке Маренго,  основанном всего за несколько лет до рождения Ван Алстина. 

Обложка нот песни "Darkies" Spring Song" (1901 г.).

Эгберт, или Берт, как звали его близкие, с самого раннего детства демонстрировал большие музыкальные способности. В семилетнем возрасте он уже играл на органе в методистской церкви Маренго, где его называли «музыкальным вундеркиндом». По словам Дойл, «он взял свои первые уроки игры на фортепиано у Кэролин Кун, невестки отца-основателя Маренго, Амоса Б. Куна». Несмотря на скудость информации о ранних годах композитора, мы знаем, что за успехи в музыке он был удостоен стипендии в престижном учебном заведении «Chicago Musical College», где получил классическое музыкальное образование. После этого Берт продолжил своё обучение в «Cornell College» в Маунт-Верноне, штат Айова.

Эгберт Ван Алстин в 1890-е гг.

В начале 1890-х годов Ван Алстин, как и многие другие молодые музыканты того времени, покинул родительский дом и некоторое время гастролировал как пианист и певец с труппами водевиля. Учитывая то, что Берт мог превосходно рекламировать музыкальные инструменты на дому у потенциальных покупателей, его артистическая карьера периодически прерывалась на торговлю органами и фортепиано. Ван Алстин уже в те годы занимался композицией и опубликовал несколько своих ранних работ, в основном марши и вальсы. В 1895 году Берт женился на певице водевиля Люсиль Тренхольм. К моменту проведения переписи 1900 года, где Эгберт Ван Алстин был указан как музыкант, супруги переехали в Чикаго.

В 1900 году на одной из юго-западных трасс водевиля Эгберт встретил начинающего поэта-песенника Гарри Уильямса (Harry Williams), и молодые люди так хорошо сработались, что вместе отправились покорять Нью-Йорк. В течение следующих двух лет Ван Алстин работал пианистом и продавцом нот в издательской компании «Shapiro & Remick», одном из самых влиятельных музыкальных издательств Tin Pan Alley. Иногда партнеры принимали участие в водевилях, обычно исполняя песни собственного сочинения. Хотя Берт и Гарри написали к 1903 году немало песен, ни одна из них не стала хитом. До 1900 года были опубликованы всего три или четыре рэгтайма Ван Алстина, в том числе «Hu-la Hula Cakewalk» в 1899 году и «Rivals Two-Step» в 1897 году, а также несколько других композиций, в том числе «Mayflower Waltzes» и марш «Bolo Bolo» (1900).

Hu-La Hu-La Cakewalk - Sousa's Band (1901).

Перелом наступил в 1903 году, когда Ван Алстин и Уильямс написали свой первый большой хит. Им стала «индейская» песня «Navajo», которая в том же году была популяризирована певицей и комедийной актрисой Мари Кэхилл (Marie Cahill), блиставшей на Бродвее в мюзиклах «Sally In Our Alley» (1902) и «The Wild Rose» (1903), где певица исполнила такие хиты, как «Under the Bamboo Tree» и «Nancy Brown». Успех песни «Nancy Brown» вдохновил мужа Мари Кэхилл, известного бродвейского продюсера Дэниэла Артура (Daniel V. Arthur) поставить музыкальную комедию с тем же названием. Премьера «Nancy Brown» с успехом прошла в нью-йоркском Bijou Theatre 16 февраля 1903 года. Наряду с песнями таких известных композиторов Tin Pan Alley того времени, как  Макс Вайт (Max S. Witte), Розамонд Джонсон (J. Rosamond Johnson) и Луи Манц (Louis G. Munz), в  мюзикл была включена песня Ван Алстина и Уильямса «Navajo». В песне обыгрываются т.н. «расовые» стереотипы, изображающие индейскую девушку и чернокожего, что позволяет отнести «Navajo» к песням «енотов», чрезвычайно популярному музыкальному жанру того времени. Приятная и лирическая мелодия не имеет ничего общего с настоящей музыкой американских индейцев. В марте 1904 года «Navajo» в исполнении восходящей звезды Columbia тенора Билли Мюррея (Billy Murray) заняла 1-ю строчку в списке Billboard. 

Navajo - Billy Murray (1904).

Успех «Navajo» привел к появлению творческого содружества Эгберта Ван Алстина и Джерома Х. Ремиком (Jerome H. Remick), одного из самых влиятельных издателей эпохи рэгтайма. Объединив свои таланты с широкой сетью дистрибуции и маркетинга Ремика, Ван Алстин и Уильямс быстро стали «золотыми мальчиками Tin Pan Alley». Плодотворная творческая связь Ван Алстина с Джеромом Ремиком продлилась практически до самого конца творческой карьеры Ван Алстина. 

Обложка нот песни "Back, Back to Baltimore" (1904 г.). 

В 1904 году компаньоны выпустили еще два бестселлера, ни один из которых, правда, не стал хитом: песню «енотов» «Back, Back to Baltimore» и «Seminole» - еще одну попытку использовать «индейскую» тему. В ноябре 1904 года эта песня в исполнении тенора Гарри Талли (Harry Tally) достигла 3-го места в хит-параде Billboard. Позже Ван Алстин написал ещё два «индейских» хита: «Cheyenne» (1906) и «San Antonio» (1907). 

Seminole (March & Two Step) - Egbert Van Alstyne (1904).

В 1905 году Ван Алстином была опубликована песня «In the Shade of the Old Apple Tree», ставшая одной из самых известных песен композитора. На создание этой сентиментальной баллады Берта вдохновили, как тоска по дому детства в Маренго, так и его одиночество в Нью-Йорке. Песня была продана тиражом более 700 000 экземпляров - рекордный уровень продаж в то время, и в 1905 году три раза поднималась на верхние строчки Billboard. Последующие произведения Ван Алстина и Уильямса, такие как, например, комическая песня «I'm Afraid to Come Home in the Dark» (1907), ещё более укрепили растущую репутацию тандема. И если Уильямс, с ростом своей популярности, оставался скромным и непритязательным, то для Ван Алстина испытание славой не прошло  бесследно. Уже в 1904 году пресса приписывает Берту пьянство и разврат. Нелицеприятная оценка Ван Алстина, как человека, была в определенной степени подтверждена, когда 21 июля 1904 года он покинул Люсиль и сбежал в Уокеган, штат Висконсин, с актрисой водевиля и дочерью владельца газеты Джорджа Р. Генри (George R. Henry) Луизой Генри-Кинг (Louise Henry-King). 

In the Shade of the Old Apple Tree - Henry Burr (1905).

Правда, уже в декабре 1905 года «Albany Evening Journal» сообщал о примирении супругов: 
«Мистер и миссис Эгберт Ван Алстин забыли свои внутренние разногласия и отправились на юг во второй медовый месяц. Пара рассталась после бракоразводного процесса, но когда миссис Эгберт Ван Алстин услышала одну из новых любовных песен своего мужа, то сразу поняла, что он обращается ней. Это и привело к восстановлению семьи». 
Тем не менее, примирение супругов продлилось недолго, и пара развелась в июне 1907 года. Причина стала понятной, когда появилось сообщение о том, что Ван Алстин женился на Мэйбл Каролин Черч (Mabel Carolyn Church) на следующий день после своего развода.

I'm Afraid to Come Home In the Dark - Billy Murray (1907).

В 1907 году Ван Алстин и Уильямс опубликовали несколько хитов, таких как «The Tale The Church Bell Tolled», «Won't You Come Over to My House?» и «I'm Afraid to Come Home in the Dark». В попытке повторить успех «In The Shade of The Old Apple Tree», компаньоны написали «Neath The Old Cherry Tree, Sweet Marie» - замечательную сентиментальную балладу, основанную на истории, которая уже много раз использовалась в популярных песнях – встреча бывших влюбленных на месте своей ушедшей любви. В данном случае – под раскидистым вишневым деревом. В музыкальном плане, песня получилась простой и мелодичной, как и большинство ранних баллад Ван Алстина. Хотя в некоторых поздних работах композитора появляются более сложные элементы, композитора справедливо называют «волшебником раннего минимализма». Простота мелодии сделала его песни более доступными для масс, позволив широкому кругу домашних пианистов исполнять их, тогда как произведения, например, другого бродвейского композитора Виктора Герберта (Victor Herbert) были под силу только опытным музыкантам.

'Neath the Old Cherry Tree, Sweet Marie - Byron G. Harlan (1907).

В 1909 году Ван Алстин и Уильямс решили попробовать свои силы в написании музыкальных комедий и музыки для бродвейских шоу. Как и в случае с большинством произведений развлекательных музыкальных жанров того периода, значительная часть  музыки для шоу была забыта, но некоторые песни сохранили свою популярность до сегодняшнего дня. Ранее Ван Алстин уже участвовал в написании песен для ряда постановок, начиная с «Dat Friend of Mine», представленной в 1907 году в постановке «Молочницы». В 1908 году он написал песни для комедий «The Hoyden», «The Big Stick» и «Nearly A Hero». Первым шоу, полностью написанным Ван Алстином и Уильямсом, стал «A Broken Idol», премьера которого состоялась 19 августа 1909 года в Театре на Геральд-сквер. Несмотря на участие в постановке опытного бродвейского продюсера Ф. С. Уитни (F. C. Whitney), шоу выдержало всего 40 представлений. Единственный запомнившийся хит, который остался от «A Broken Idol» – «Love Makes The World Go 'Round».

 В 1909 году вышел новый шлягер Ван Алстина и Уилямса под названием «Sunbeam». Песня довольно оптимистичная и имеет интересное вступление. В тексте песни говорится о Венеции, но музыка, совсем не вызывает венецианских ассоциаций. На самом деле, слушая эту песню, сразу же приходит на ум «Silver Bell» композитора Перси Венриха (Percy Wenrich), которая имеет похожую мелодию. Несмотря на то, что мелодия не соответствует указанным в тексте географическим условиям, песня получилась очень динамичная и захватывающая.  

Sunbeam - Fred Feild (1909).

В 1910 году Ван Алстин и Уильямс повторили попытку и поставили еще одно сценическое шоу под названием «Girlies». Шоу открылось в театре «New Amsterdam» и прошло ровно в два раза успешнее, чем «A Broken Idol». Его хватило на 88 спектаклей. Интересно отметить, что вопреки тому, что подразумевается под названием, среди актеров  шоу было  семнадцать мужчин и только одна женщина, Дорис Митчелл. Ни одна песня из этого шоу, похоже, не стала хитом, и сегодня о нем практически забыли.

Афиша мюзикла "Girlies" (1910 г.).

Период с 1910 по 1915 годы можно назвать самым плодотворным периодом в творческой карьере Ван Алстина. В эти годы было опубликовано много песен композитора, многие из которых стали хитами. В большинстве случаев это были сентиментальные баллады. В 1911 году он и Уильямс опубликовали песню «When I Was Twenty-one and You Were Sweet Sixteen». Красивая и веселая песня с великолепной и простой мелодией рассказывает о супружеской паре, празднующей 50-ю годовщину свадьбы. Во многих отношениях эта песня предвосхитила еще одну работу Перси Венриха «Put On Your Old Gray Bonnet». 

When I Was Twenty-One and You Were Sweet Sixteen - Henry Burr and Albert Campbell (1912).

В начале 1912 года Ван Алстин начал сотрудничать с другими авторами песен и выпустил несколько хитов, главным из которых стала песня «The Old Girl Of Mine» на стихи Эрла С. Джонса (Earle C. Jones), посвященная жене поэта. В песне мы снова встречаемся с простым стилем Ван Алстина, который делал его музыку настолько привлекательной. В марте 1913 года «The Old Girl Of Mine» в исполнении  вокального ансамбля «The American Quartet» поднялась на 2-ю строчку списка Billboard.

That Old Girl of Mine - Billy Murray and the American Quartet (1912).

Несмотря на сотрудничество с другими поэтами, Ван Алстин продолжал писать песни на стихи Уильямса еще несколько лет, хотя с годами делал это все реже и реже. В 1914 году Уильямс создал свою собственную издательскую компанию, а затем в том же году начал писать партитуры для немых фильмов, так что старые партнеры постепенно разошлись, и в 1922 году Уильямс умер. Среди их последних совместных работ была потрясающая песня-«новинка» (Novelty Song) «That Slippery Slide Trombone» (1912).

Slippery Slide Trombone - Ain't Misbehavin' Barbershop Quartet (2012).

Здесь мы видим, что песни Ван Алстина становятся немного сложнее и в них появляется гораздо больше юмора. О чувстве юмора большинства композиторов можно судить по их произведениям. Хотя большинство песен Ван Алстина, имеют довольно серьезный, если не сказать суровый вид, по некоторым его песням мы можем видеть, что у него было прекрасное чувство юмора. Его песня 1907 года «I'm Afraid To Come Home In The Dark» демонстрирует потрясающую способность композитора выражать юмористические ощущения в своей музыке.  

Еще одна замечательная песня «новинка» 1912 года - «You Wouldn't Know The Old Place Now». Эта песня с юмором рассказывает историю о холостяке, который женился, но продолжает хранить фотографию своей старой подруги в квартире. Общая тема песни - это сравнение жилища мужчины до брака и после того, как он превратился из зала для вечеринок в «поле семейных битв».  

Густав Кан (1886 - 1941 гг.).

После 1912 года началось сотрудничество Ван Алстина с поэтом-песенником Густавом (Гасом) Каном (Gus Kahn), и это новое партнерство позволило музыке Ван Алстина достичь еще больших высот. Конечно, Гарри Уильямс был одним из величайших лириков своей эпохи, но Кан всё-таки обошел его по количеству опубликованных хитов. В 1913 году Ван Алстин и Кан написали свой первый большой хит «Sunshine and Roses». Среди других шлягеров, которые создала новая команда, была песня «Wrap Me In A Bundle (And Take Me Home With You)» (1914). В этой песне тоже есть масса хорошего юмора, и она, безусловно, будет считаться скорее «новинкой», чем балладой, хотя в ней есть элементы обоих стилей. Песня начинается с величественной цитаты из «Свадебного марша», затем следует куплет-баллада, который переходит в прекрасную мелодию припева. В отличие от многих песен, где припев часто отличается по стилю от куплета,  этой песне переход к припеву плавный. Опять же, стиль Ван Алстина усложнился и стал более соответствовать ведущим музыкальным трендам того времени.

Memories - Harry McClaskey (1915).

В 1915 году Ван Алстин и Кан написали один из величайших хитов Америки - прекрасную балладу «Memories», которая, однако, стала  причиной судебного разбирательства. В обозрении «Music Trade Review» от 11 августа 1917 года сообщалось:

"Музыкальный издатель и владелец «Music's Publishing Co.» Джулиус Э. Андино, подал иск в окружной суд США против Джерома Х. Ремика, Густава Канна и Эгберта Ван Алстина, ходатайствуя о том, чтобы обвиняемым была запрещена  дальнейшая публикация и продажа музыкальной композиции под названием «Memories», авторами которой являются два последних обвиняемых. В иске также был затребован отчет о доходах и прибыли от композиции, а также прилагался счет  о возмещении убытков в размере 8000 долларов.

Андино в своей жалобе утверждает, что в 1912 году он сочинил музыкальную композицию под названием «Sleepy Rose» на стихи Шайлер Грин, который продал ему  свои права на эту песню. Далее Андино утверждает, что в октябре 1915 году Кан и Ван Алстин, зная о существовании композиции истца, написали песню под названием «Memories», которая не является оригинальной, а повторяет как музыкальную, так и лирическую идею песни Андино. Истец утверждает, что сходство настолько заметно, что публика почти не может различить эти две песни. Истец также утверждает, что в ноябре 1916 года он уведомил музыкальное издательство «Jerome H. Remick & Co.» из Детройта, штат Мичиган, о своих претензиях, но компания продолжала продавать свою песню.

Обложка нот песни "Memories" (1912 г.).

В жалобе также содержалось требование о том, чтобы все пластинки и копии песни, находящейся в распоряжении «Remick & Co.», были арестованы до тех пор, пока дело не будет судебного решения этого дела». По решению окружного суда  Джулиусу Э. Андино в иске было отказано".

В 1916 году партнеры написали замечательную балладу о потерянной любви под названием «Just A Word of Sympathy», опубликованную в красивой художественной обложке. Сочетание удивительно задумчивой и проникновенной лирики Канна с плотными арпеджированными аккордами мелодии Ван Алстина делает эту песню, объединившую очарование старого стиля и более современные элементы, может быть, самой сложной из тех, что мы рассматривали до сих пор. 

В том же году Ван Алстин и Кан опубликовали одну из величайших своих песен «Pretty Baby», в истории которой присутствует интригующий момент. В течение многих лет исследователи считали эту песню, написанной Ван Алстином и Каном в  сотрудничестве с известным чернокожим композитором, пианистом и певцом Тони Джексоном (Tony Jackson) и спор шел лишь о степени участия каждого из них в создании хита. Недавние же исследования Трейси Дойл, опубликованные в июльском выпуске Rag Times за 1997 год, окончательно установили, что песня была написана не Ван Алстином и начала свою жизнь как нечто совершенно иное - рэг для фортепиано Джексона. 

Pretty Baby - Billy Murray (1916).

В то время Берт был назначен на должность чикагского менеджера компании Remick. Среди его обязанностей был поиск новый талант или, по крайней мере, новых мелодий. Однажды в одном из клубов Чикаго Кан и Ван Алстин услышали, как Джексон что-то играл на пианино. Мелодия была просто очаровательной и мгновенно привлекла внимание Берта и Гаса. Находясь под впечатлением от услышанного, партнеры подошли к Джексону и уговорили его продать им мелодию за 250 долларов. 

Обложка нот песни "Pretty Baby" (1916 г.).

Песня была опубликована на Tin Pan Alley. Знаменитый композитор поставил под ней своё имя, что оскорбило сторонников Джексона и вызвало обвинения Ван Алстина в присвоении чужих прав. Однако композитор заявил, что авторский текст песни содержал непристойности, и потребовалось несколько серьезных изменений в лирике, чтобы песня стала приемлемой для каталога Remick. Кроме того, Ван Алстин добавил куплет, который он сам написал. И хотя многие утверждали, что композитор себя скомпрометировал, сразу было ясно, что некоторые оригинальные строки действительно были абсолютно непригодны для массовой публикации. Однако очевидно, что Джексон, не получил свою долю гонорара, кроме 250 долларов выплаченных на мелодию. В любом случае дочь Берта заявила, что это недоразумение преследовало отца до самой его смерти в 1951 году. Надо отдать должное Ван Алстину в том, что он никогда не отрицал участия Джексона в написании «Pretty Baby».

Sailin' Away On The Henry Clay - Billy Murray & American Quartet (1917).

В 1917 году Ван Алстин написал еще одну отличную песню «Sailin 'Away On The Henry Clay», которую Элизабет Мюррей (Elizabeth Murray) представила публике в мюзикле «Good Night Paul». Затем «Jerome H. Remick & Co.» опубликовало великолепную патриотическаю песню Ван Алстина «So Long, Mother», написанную как для голоса, так и для фортепиано. Песня исполняется с точки зрения солдата, который,  уходя на войну, прощается с матерью. «So Long, Mother» стала одним из главных хитов начинающего певца Эла Джолсона (Al Jolson).

So Long, Mother - Charles H. Hart (1917).

После 1917 года активность Ван Алстина снизилась. Здоровье композитора резко ухудшилось, и он уехал лечиться на свою ферму, купленную на деньги, заработанные песней «In the Shade of the Old Apple Tree». В октябре 1919 года Эгберт объявил о своем уходе из «Jerome H. Remick & Co.» и создании собственной издательской фирмы. Как отмечалось в «Music Trade Review» в середине ноября 1919 года: «Некоторое время назад «Review» напечатало объявление о том, что на рынке музыкальных изданий вскоре появиться новая компания. Известные композиторы Эгберт Ван Алстин и Лойал Б. Кертис  объявляют о создании музыкального издательства «Van Alstyne & Curtis» с офисами в Чикаго и Толедо. Объявление о штаб-квартире в Нью-Йорке будет сделано в ближайшее время». Но издательская деятельность Берта продолжалась недолго, и уже в 1921 году его партнер Лойал Кертис (Loyal B. Curtis)возглавил компанию под своим собственным именем.

Обложка нот песни "So long, mother" (1917 г.).

Вскоре Эгберт совершил гастрольную поездку по трассе водевиля, появляясь повсюду - от Индианаполиса до Буффало, где, как сообщается, его тепло приветствовали благодарные зрители. В большинстве случаев он исполнял свои песни соло или с трио, в сопровождении тенора. Одним из его любимых партнеров был Клем Дейси (Clem Dacey). Теперь, когда его собственная издательская деятельность была свернута, Ван Алстин большинство выступлений проводил в поддержку своего каталога от издательства «Jerome H. Remick & Co.», которое продолжало публикацию произведений композитора. Совместные работы Берта с Ремиком продолжали появляться в течение всех 1920-х годов. Некоторые из них можно было услышать в ранних радиопередачах.

Отношение Эгберта Ван Алстин к модным музыкальным течениям 1920-х годов было последовательно негативным и озвучено им в нескольких интервью. Одно из них, опубликованное в «Daily Northwestern» в Ошкоше, штат Висконсин, 25 мая 1927 года, содержит следующие высказывания композитора:
«Я не люблю джаз, - говорит он, - и я просто пишу баллады, потому что мне нравится этот стиль, и я не думаю, что он когда-нибудь умрет. Сегодня он так же популярен, как и раньше, хотя по всей стране стало больше джазовых групп, чем когда-либо прежде ... Старые песни живут дольше, чем популярные джазовые номера ... С радио и джаз-бэндами песня становится популярной за ночь, но через несколько месяцев ее забывают. Баллады продаются намного лучше и живут дольше. «In the Shade of the Old Apple Tree» - одна из немногих песен, которая популярна уже почти 25 лет. Моими типами песен являются «Mother Machree» Эрнста Болла и «Till the Sands of the Desert Grow Cold». Написание мелодий само по себе является искусством. Я буду писать баллады, пока я живу».

Обложка нот песни "Wrap me in a Bundle" (1914 г.).

Композитор ясно дал понять, что считает себя старомодным и презирает джазовую музыку. Несмотря на это, Берт всё-таки попытался следовать моде, написав несколько откровенно джазовых произведений. Ван Алстин стал сотрудничать с несколькими молодыми авторами, которые станут известными несколько позже, в конце 1920-х и начале 1930-х годов. Многие из инструментальных пьес и аранжировок Ван Алстина были доработаны известным композитором и бэнд-лидером Дж. Бодевальтом Лампе (J. Bodewalt Lampe). Другим аранжировщиком работ Берта стал известный композитор рэгтайма и пианист Лес Коупланд (Les Copeland). Учитывая то, как аранжировщик меняет авторскую мелодию, его смело можно рассматривать как соавтора. Самыми известными песнями этого периода стали «Your Eyes Have Told Me So» (1919), «Drifting and Dreaming» (1925) и «Old Pal» (1925).

Your Eyes Have Told Me So - Egbert Van Alstyne (1919).

Ситуация в семейной жизни Берта за последующее десятилетие изменилась. Перепись 1930 года показала, что Ван Алстин, по-прежнему, состоит в законном браке, но Мейбл и Эгберт-младший не были указаны, как проживающие с ним по одному адресу. Их сын учился в колледже в Сент-Луисе, а Мейбл развелась с Бертом в декабре 1930 года, заявив о его уходе из семьи еще в ноябре 1920 года. Она умерла в декабре 1937 года, так и не вступив в повторный брак. Берт, однако, женился ещё раз в 1931 году на мисс Рут Лесли (Ruth Leslie), которая была почти на три десятилетия младше его. Ван Алстин впервые встретил Рут, когда той было всего семь лет, и она развлекала публику своим пением в чикагских кинотеатрах.

Drifting And Dreaming - George Olsen (vocal trio) (1926).

В начале 1930-х годов Ван Алстин сочинил ещё несколько песен, по большей части для кино и после 1935 года окончательно исчез из поля зрения. По состоянию на 1940 год Эгберт и Рут жили в том же доме в Чикаго, что и в 1930 году, и он утверждал, что работает пианистом в киноиндустрии. 

Эгберт Ван Алстин был «заново открыт» в самом конце 1940-х годов, когда США переживали всплеск ностальгии по эпохе рэгтайма. Между 1947 и 1950 годами Эгберт стал частым гостем на публичных мероприятиях, посвященных пионерам Tin Pan Alley, и принимал участие в радиопостановках, где исполнялись его ностальгические мелодии.

Исполнитель рэгтайма Боб Дарч, друживший с Ван Алстином в 1940-х годах, вспоминал 19 августа 1950 года, день, когда Берта чествовали на 21-м ежегодном музыкальном фестивале в Чикаго:

"В парке, где проходил фестиваль, играла музыка. Когда появился автомобиль, на котором ехал композитор, оркестр заиграл его бессмертную мелодию «In the Shade of the Old Apple Tree». На глазах Эгберта появились настоящие слезы радости из-за того, что он перестал считать себя забытым жизнью».

Эгберт Ван Алстин в 1940-е гг.

В апреле 1951 года, находясь в Майами, композитор перенес инсульт и был доставлен в Чикаго, где умер 9 июля 1951 года. Эгберт Ван Алстин был похоронен на Мемориальном кладбище в Эванстоне, штат Иллинойс. Его едва ли забыли, но в то же время его вклад в искусство не был должным образом признан. Это было исправлено в некоторой степени, когда в 1970 году он был введен в Зал славы авторов песен. Его вдова Рут скончалась в мае 1971 года. 

Под катом можно ознакомиться со списком песен Эгберта Ван Алстина, ставших хитами по результатам хит-парада журнала Billboard с 1904 по 1981 годы, а также списком всех известных на сегодняшний день песен композитора.