«1001 Songs you must Hear Before you Die». Vol.7 (песни 61 - 70).

«1001 Songs YouMast Hear Before You Die».

«1001 песня, которую вы должны услышать, прежде чем умереть» — альманах американских музыкальных критиков под руководством составителя Роберта Димери, состоящий из описания тысячи и одной песни, которые коллектив критиков рекомендует к прослушиванию.

61. Little Richard - Tutti Frutti

Writer | Richard Penniman, Dorothy LaBostrie

Producer | Robert “Bumps” Blackwell

Label | Speciality

Album | Here’s Little Richard (1957)

«Tutti Frutti» с её бешеным началом какое-то время была неотъемлемой частью концертных выступлений Литтл Ричарда. Однако певец не думал, что песня будет когда-либо записана из-за сексуального характера её текста. И все же 14 сентября 1955 года в студии J&M в Новом Орлеане была записана одна из основополагающих пластинок рок-музыки – сингл Литтл Ричарда «Tutti Frutti». Продюсер студии J&M «Bumps» Блэквелл был впечатлен энергией и азартом песни и нанял либреттистку Дороти ЛаБостри, чтобы она подыскала для песни менее скандальный текст.

«Tutti Frutti» - Little Richard (1956).

 Тем не менее «грязной» версии Литтл Ричарда, даже после работы ЛаБостри по её «очистке», не удавалось получить на радио достаточного эфирного времени, чтобы выиграть битву за чарты с «чистой» версией Пэта Буна. Однако именно яркая «Тутти Фрутти» Литтл Ричарда имела глобальный успех, поражая подростков по всему миру, в том числе будущих «The Beatles» в Ливерпуле.

«Tutti Frutti» - Pat Boone (1957).

Смешав госпел, джамп-блюз и фортепьяно в стиле буги-вуги, Ричард применил еще один убийственный элемент, который сделал его ключевой фигурой в истории поп-музыки – это неповторимый сценический образ. Прическа, макияж и безумные движения певца шокировали и изумили консервативную Америку середины 1950-х. «Тутти Фрутти» стала его прорывом, началом карьеры, которая год спустя, после премьеры фильма «The Girl Can’t Help It», прогремела по всему миру.

62. The Platters - Only You (and you Alone)

Writer | Buck Ram

Producer | Buck Ram

Label | Mercury

Album | The Platters (1955)

Некоторые песни де-факто являются гимнами музыкальных жанров, например «One Love» Боба Марли и The Wailers для регги или «O.D.O.O.» Фелы Кути для афропопа. Гимном ду-вопа, безусловно, является песня «Only You (and You Alone)» группы «The Platters».

«Only You (And You Alone)» - The Platters (1955).

Песня стала первым хитом квинтета из Лос-Анджелеса, заняв 5-е место в чартах США. Ее продолжение «The Great Pretender» заняла 1-е место. «Only You» также была одной из самых ранних национальных хитов, созданных афро-американцами, в то время, когда т.н. «расовые» записи редко доходили до белой аудитории или попадали в поп-чарты. Таким образом, введение группы в Зал славы рок-н-ролла в 1990 году, а «The Platters» первая ду-воп группа, удостоенная такой чести, вполне уместно.

Первоначальная сессия, записанная в студии «Federal Records» застопорилась; однако вторая попытка, сделанная для «Mercury», оказался более успешным. Песня стала популярной, несмотря на конкуренцию со стороны версии группы «The Hilltoppers». Использование «Only You» в фильме «Rock Around the Clock» (1956) еще больше укрепил её легендарный статус.

«Only You (And You Alone)» - The Hilltoppers (1955)

«Only You» сохраняет свою привлекательность по сей день. Сама природа песни иллюстрирует переходный период в музыке: вокалист Тони Уильямс - отчасти крунер эпохи свинга, отчасти настоящий рокер.

63. Julie London - Cry Me A River

Writer | Arthur Hamilton

Producer | Bobby Troup

Label | Liberty

Album | Julie Is Her Name (1955)

Артур Гамильтон писал свою песню «Cry Me a River» для фильма 1955 года «Pete Kelly’s Blues», где её должна была исполнить Элла Фицджеральд. Но песня в фильм не вошла.

В конце концов, честь первого исполнения выпала на долю бывшей актрисы «jungle-movie» Джули Лондон, известной как своими знойными фотографиями, так и своим томным голосом. Ее дебют на большом экране состоялся в фильме Джейн Мэнсфилд «The Girl Can’t Help It» (1956).

«Cry Me A River» - Julie London (Clip is from the 1956 classic «The Girl Can't Help It»).

«Cry Me a River» символизировала в фильме джазовый номер, который был пережитком прошлого на фоне зарождающегося рок-н-ролла. Но это не помешало песне разойтись миллионными тиражами и стать одним из самых известных стандартов всех времен.

From the laser disc «Julie London Show», with the Bobby Troup Quintet, recorded on May-28-1964 in Japan.

Джазово-блюзовая композиция Гамильтона возродила полузабытый жанр «torch song», но с парой новых поворотов. Его необычная аранжировка также была беспрецедентной: если раньше вокалиста сопровождали пианино и оркестр, то в  «Cry Me a River» его поддерживает только бас-гитара Рэя Лезервуда и яркая электрогитара аранжировщика Барни Кесселя. Новаторский звук вдохновил, среди прочего, бразильского гитариста Жоао Жилберту на разработку своего минималистского подхода к самбе - босса-нове.

64. Tennessee Ernie Ford - Sixteen Tons

Writer | Merle Travis

Producer | Lee Gillette

Label | Capitol

Album | N/A «Берл Айвс перепел уже все народные песни», - сокрушался в 1946 году звезда вестерн-свинга Мерл Трэвис, когда Capitol попросил его записать фолк-альбом, чтобы нажиться на увлечении американцев Вуди Гатри. Трэвис обратился к рабочим песням времен Великой депрессии и переложил на музыку некоторые из высказываний своего отца, шахтера из Кентукки. Результатом этой работы стало тщательное исследование порочной практики американских горнодобывающих компаний, когда непосильный труд шахтеров вознаграждали не деньгами, а «соломой» - долговыми жетонами, которые можно было потратить только в магазине, принадлежащем компании. В маккартистской Америке такое сочувствие к рабочему классу считалось откровенно подрывным, и некоторые радиостанции зашли в своем рвении так далеко, что запретили трансляцию песен Трэвиса.

«Sixteen Tons» - Merle Travis.

Девять лет спустя ди-джей из Пасадены Теннесси Эрни Форд пересмотрел эту мелодию. В то время как оригинал Трэвиса сопровождался простым и незамысловатым бренчанием, Форд услаждал слушателей гладкой джазовой аранжировкой биг-бэнда Джека Фаскинато, основанной на кларнете, бас-гитаре и приглушенном облигато. Заразительное щелканье пальцев было предложено Фордом и продюсер Ли Джиллетт сохранил это в миксе.

«Sixteen Tons» - Tennessee Ernie Ford.

Благодаря теплому баритону Форда «Sixteen Tons», изначально предназначенная для стороны B, стала мировым хитом. Песня провела восемь недель в чарте Billboard и за месяц было продано миллион копий.

65. Bo Diddley - I'm A Man

Writer | Ellas McDaniel

Producer | Leonard Chess, Phil Chess

Label | Checker

Album | Bo Diddley (1958) 

Несмотря на прозвище «The Originator» («Создатель») и влияние на всех, от Бадди Холли и «The Rolling Stones» до «U2» и «The Jesus & Mary Chain», Бо Диддли стал пионером рока довольно неожиданно. Эллас Ота Бейтс родился в Миссисипи в 1928 году. Наверное, он так и остался бы просто коренастым близоруким пижоном в клетчатой куртке с прямоугольной гитарой, покрытой кроличьим мехом, если бы не созданный им уникальный «Bo Diddley Beat» («Бо Диддли Бит»).

«I Am A Man» - Bo Diddley.

Начав свою музыкальную карьеру на улицах Чикаго, Диддли в конце 1954 года записал демо-версии двух своих песен: «Uncle John» (пикантный текст которой был позже переименован в «Bo Diddleу») и «I’m a Man», вдохновленной песней Мадди Уотерса «Mannish Boy».

«Mannish Boy» - Muddy Waters.

Построенная на том же гитарном паттерне, что и песня Уотерса, «I’m a Man» позволила Диддли наравне с мэтрами хвастаться своим мастерством гитариста в блюзовой тусовке. В марте 1955 года «I'm a Man», записанный в легендарной студии «Chess», появился на стороне В дебютного сингла Бо, и стал хитом № 1 в чартах R&B.

66. Fats Domino - Blue Monday

Writer | Fats Domino, Dave Bartholomew

Producer | Dave Bartholomew

Label | Imperial

Album | This Is Fats Domino (1957)

Антуан «Толстяк» Домино, которому часто отказывают в новаторской роли в истории популярной музыки, тем не менее, оказал бесспорное влияние на творчество таких рок-гигантов, как Элвис Пресли, Джона Леннона и Боб Марли.

«Blue Monday» - Fats Domino (1957).

Это сегодня пианист из Нового Орлеана известен, пожалуй,  благодаря только песне «The Beatles» «Леди Мадонна». Однако в 50-е «Blue Monday» стал его пятым хитом №1 в списке R&B Billboard. Лаконичный стиль Фэтса, приправленный кантри и вестерном, сделал его фаворитом как черной, так и белой аудитории.

«Blue Monday» - New Order on BBC's Top of the Pops (31.3.1983).

Основным источником вдохновения для классической песни «New Order» «Blue Monday» (1983) является, как писал Дэйв Марш в журнале «The Heart of Rock & Soul», является «ненависть к рабочей неделе и жажда выходных». И на самом деле Фэтс Домино, будучи подростком, днем трудился на фабрике, а ночью играл в клубах - отсюда его очаровательно сварливая лирика: «Как я ненавижу синий понедельник / Целый день должен работать как раб». Эти жалобы дополняются барабанами и мягким саксофоном. Брейк в восемь тактов саксофониста Херба Хардести был назван критиком Хэнком Дэвисом «жемчужиной почти пугающей экономии».

Эта суперпесня, по слухам, самое любимое произведение Фэтса, остается до боли актуальной более пяти десятилетий спустя.

67. Celia Cruz – Burundanga

Writer | Oscar Muñoz Bouffartique

Producer | Uncredited

Label | Seeco

Album | N/A  Королева сальсы Урсула Хилария Селия де ла Каридад Крус Альфонсо более известная как Селия Крус, родилась в Гаване. Её песни с мягкими афро-кубинскими интонациями стали панамериканского хитами задолго до того, как появился сам термин «сальса».

Даже для людей, говорящих по-испански, текст её большого хита «Бурунданга» непонятен. В песне рассказывается об Абакуа, тайном сугубо мужском обществе, уходящем своими корнями в юго-восточную Нигерию и западный Камерун. Однако действительно важно не содержание песни, а то, как Крус её поет.

«Burundanga» - Celia Cruz.

«Бурунданга» была любимой песней Фиделя Кастро, под звуки которой он чистил свое оружие, планируя кубинскую революцию в своем горном убежище. По иронии судьбы, Селия Крус и ее группа «Sonora Matancera» были изгнаны с Кубы в июле 1960 года.

Могла ли Крус знать, что проведет больше половины своей жизни в Нью-Йорке, когда в 1957 году получала там свой первый золотой диск. Успех «Бурунданги» в Колумбии привел к тому, что теперь это слово относится к скополамину, снотворному веществу, используемому грабителями и насильниками для «отключения» своих жертв.

68. Ella Fitzgerald - Let's Do It (Let's Fall In Love)

Writer | Cole Porter

Producer | Norman Granz

Label | Verve

Album | Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook (1956)

Через два дня после того, как Элла Фицджеральд записала «Ev’ry Time We Say Goodbye», певица продолжила работу над альбомом «Cole Porter Songbook», записав забавную и остроумную песню «Let's Do It (Let’s Fall in Love)».

«Let's Do It (Let's Fall In Love)» - Ella Fitzgerald.

Хотя на первый взгляд  это песня о любви, на самом деле - это один длинный эвфемизм секса. Элла Фицджеральд далеко не та певица, которую бы вы сразу связали с этой темой. Элла была дамой строгих правил и манеры поведения. Изысканной - да; сексуальной - нет. Для всех было странно слышать, как Фитцджеральд поет о сексе, поэтому ее версия мгновенно стала знаменитой.

Сама песня была написана Коулом Портером в 1928 году и стала его первым бродвейским успехом. Многословный текст песни (тщеславие, которое стало фирменным знаком Портера) состоит из наводящих на определенные мысли рифмованных фраз. «Let's Do It (Let’s Fall in Love)» начинается с простого утверждения: «Это делают птицы, это делают пчелы», - отсылка к освященному веками половому эвфемизму. Далее, текст, изобилующий каламбурами, постепенно и аллитеративно приводит к мысли - «давай сделаем это». Вобщем, эта песня представляет собой три с половиной минуты идеально сбалансированной инсинуации.

69. Frank Sinatra - I've Got You Under My Skin

Writer | Cole Porter

Producer | Voyle Gilmour

Label | Capitol

Album | Songs For Swingin’ Lovers! (1956) За двадцать лет до того, как Фрэнк Синатра сделал «I've Got You Under My Skin» своей визитной карточкой, песню исполнила в мюзикле «Рожденные танцевать» (1936) американская певица и актриса Вирджиния Брюс.

«I've Got You Under My Skin» - Virginia Bruce (1936).

Синатра начал исполнять эту песню ещё в 1940-х годах, но только в 1956 году блестящая свинг-аранжировка Нельсона Риддла позволила певцу записать, по мнению многих, её лучшую версию.

«I`ve Got You Under My Skin» - Frank Sinatra (1956).

Музыкальный стержень этой версии- медленное крещендо, переходящее в радостное соло тромбониста Милта Бернхардта, которого вдохновили «Болеро» Равеля и  «23 градуса северной широты и 82 градуса западной долготы» Стэна Кентона.

«I've Got You Under My Skin» продемонстрировала всю яркость Синатры, находящегося на вершине своего мастерства. Альбом стал лучшим в Соединенном Королевстве, возглавив в июле 1956 года самый первый чарт альбомов Великобритании.

«I`ve Got You Under My Skin» - Frank Sinatra (Live).

У Синатры была непреходящая страсть к «I'm Got You Under My Skin», которая присутствовала в списках его концертных сетов вплоть до последних публичных выступлений певца в 1994 году.

70. Ella Fitzgerald - Ev'ry Time We Say Goodbye

Writer | Cole Porter

Producer | Norman Granz

Label | Verve

Album | Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook (1956) К середине 1950-х годов коммерческий успех, которым Элла Фицджеральд пользовалась в эпоху свинга, остался позади. Певица была спасена появлением продюсером звукозаписи Норманом Гранцем, хорошо зарекомендовавшем себя как с коммерческой, так и с художественной точек зрения. Гранц подписал Фицджеральд на свой новый лейбл «Verve» и предложил ей записать серию альбомов, каждый из которых посвящен одному из великих американских авторов песен.

«Ev'ry Time We Say Goodbye» - Ella Fitzgerald.

Первый сборник, посвященный Коулу Портеру, появился в 1956 году и сразу же имел успех. Одним из ярких моментов альбома стала песня «Ev’ry Time We Say Goodbye», написанная Портером в 1944 году для мюзикла «Seven Lively Arts». Это песня о любви, ставшая еще более эффектной благодаря простому тексту - всего десять строк - и далеко не сложной мелодии. Первые шесть строк, включая слова названия, поются на гипнотически повторяющейся единственной ноте. По мере того, как мелодия достигает своего апогея, Портер подчеркивает меланхоличность песни, повторяя заключительные слова с изменением тональности от счастливой мажорной к более грустной минорной - прием, часто используемый Генделем и другими композиторами эпохи барокко.

Позже, воодушевленная успехом альбома, Элла сделала незабываемые записи сборников песен Роджерса и Харта, Дюка Эллингтона, Ирвинга Берлина, Джорджа и Айры Гершвин.

Николай Сличенко родился 27 декабря 1934 года.

В 16 лет Николая Сличенко приняли в труппу единственного в мире цыганского театра «Ромэн». Сначала артист играл в массовке, затем стал получать главные роли, а в конце 1970-х даже стал главным режиссером и художественным руководителем коллектива. Прославился Сличенко и как певец: он исполнял русские и цыганские романсы, эстрадные композиции.

«К искусству я тянулся с детских лет»: детство Николая Сличенко.

Николай Алексеевич Сличенко родился 27 декабря 1934 года в Белгороде. Его мать и отец были оседлыми цыганами и работали в одном из колхозов. Кроме Николая в их семье было еще четверо детей — три дочери и сын. Позднее Сличенко вспоминал: «Семья наша была обыкновенная, многодетная <...>, со своими обычаями, традициями, укладом жизни, со свойственной цыганской среде строгостью во взаимоотношениях между ее членами».

Когда Сличенко исполнилось семь лет, началась Великая Отечественная война. Прямо на глазах будущего артиста его отца расстреляли. В книге «Родился я в таборе» Сличенко писал: «Мои первые впечатления, точнее потрясения, связаны с войной. <...> Немцы на моих глазах расстреляли отца. <...> Отпечаток огромного горя, боли, разрухи, голода, когда на глазах умирали люди, — это впечатление детских лет осталось со мной на всю жизнь».

После войны семья Сличенко переехала в Воронежскую область. Там они работали в колхозе «Красный Октябрь». В свободное время Сличенко занимался музыкой, он выступал на праздниках с танцами и народными песнями.

Нина Панкова и Николай Сличенко – «Ах ты кумушка кума!» (Театр «Ромэн», конец 1950-х гг.).

Знакомые посоветовали Николаю Сличенко поехать в Москву — там располагался единственный в мире профессиональный цыганский театр «Ромэн». Деньги на билет для артиста собирали его родственники и друзья, и летом 1951 года он смог отправиться в столицу.

«Кажется, что к искусству я тянулся с детских лет, как тянутся к прекрасному люди всю свою жизнь. <...> Чем больше постигал я этот волшебный мир музыки, тем взволнованнее были мысли о той далекой звезде. Как ни казалась она мне тогда недосягаемой, я все же в какой-то момент решился идти ей навстречу. Что подтолкнуло меня в этом решении? Может быть, то, что во время вечеринок, часто устраивавшихся после работы, слышал в свой адрес: «В театр бы тебе, в «Ромэн»! А может, постепенно укреплявшаяся вера в себя. Только однажды собрался, <...> получил благословение мамы и дедушки — и отправился в путь. Ехал с мыслями лишь о театре. Не думал о том, где буду жить, как встретит столица, не пугала неизвестность»

Николай Сличенко, книга «Родился я в таборе»

«Я называюсь теперь артистом».

Сразу после того, как поезд Николая Сличенко прибыл в Москву, начинающий артист отправился в «Ромэн». Его принял главный режиссер театра Петр Саратовский. Он дал Сличенко один день на подготовку к прослушиванию. Режиссер посоветовал ему выступить с отрывком из прозы, басней и стихотворением.

Сначала театральной комиссии не понравилось выступление Сличенко. Наизусть он знал только стихотворение Михаила Лермонтова «Парус», а выучить басню и отрывок из прозы за один день не смог. Однако в конце прослушивания Сличенко начал петь и танцевать. Его голос высоко оценил актер «Ромэна» Сергей Шишков. Он назвал Сличенко своей будущей заменой и предложил Саратовскому взять начинающего артиста в труппу.

Николаю Сличенко долго не давали ролей — он играл только в массовке. Актер вспоминал: «Мои представления об искусстве тогда были такими, что, если приняли в театр и я называюсь теперь артистом, хотя и вспомогательного состава, должен непременно начать играть роли. <...> Просмотрев все спектакли из репертуара, я выбрал для начала несколько ролей, разумеется, главных. Это, пожалуй, было основное, что меня в них прежде всего привлекало». Всего за месяц Сличенко выучил все мужские роли в спектаклях «Ромэна». Артист несколько раз просил Саратовского дать ему сыграть в любой постановке театра. Однако режиссер считал, что у начинающего актера мало опыта.

Свою первую роль Сличенко получил в 1952 году в спектакле «Четыре жениха». Актеру помог Сергей Шишков. Во время поездки труппы «Ромэна» в Загорск (сейчас — Сергиев Посад) по просьбе артиста он притворился больным. Никто, кроме Сличенко, не знал роль наизусть, поэтому ему разрешили сыграть цыгана Лекса, главного персонажа постановки. Актер писал: «Я не помнил себя от радости, что наконец исполнилась моя мечта. Роль Лексы в «Четырех женихах» я потом играл долго и, судя по отзывам, небезуспешно. <...> В спектакле <...> было много музыки, песен, танцев. И это оказалось выигрышным для меня — петь и танцевать я умел».

Николай Сличенко – «Бида» (1964).

После премьеры «Четырех женихов» Сличенко часто подменял других актеров театра, когда те болели. Он играл Дмитрия в постановке повести «Очарованный странник» Николая Лескова, советского офицера Чанго в «Сломанном круге». Первой самостоятельной работой артиста стала роль Василя в спектакле «Цыганка Аза».

Сличенко не только играл в театре, но и снимался в кино. Его первой ролью стал цыган в картине 1958 года «Олеко Дундич» Леонида Лукова. Затем актер снялся в картинах «Трудное счастье» и «В дождь и в солнце». Как киноактер Сличенко стал известен благодаря фильму «Свадьба в Малиновке», который вышел в 1967 году. В ленте он исполнил роль Петри Бессарабца, красного кавалериста.

Николай Сличенко – «Милая» (Голубой огонек, 1964).

Еще в 1950-х на концертах в театре «Ромэн» Николай Сличенко выступал с цыганскими песнями и романсами. А в 1962 году актер отправился на гастроли в Рязань. Он посетил музей Сергея Есенина в Константинове и решил исполнить на концерте песню на стихи поэта. Сличенко выбрал «Письмо матери». Позднее он писал: «Долгое время ничего не получалось. Как только начинал фразу: «Ты жива еще, моя старушка…», к горлу подкатывал ком, и я не мог дальше петь. <...> Мама, родной дом, знакомое с детства дерево — понятия для всех близкие и родные, но в стихах Есенина слова эти и то, что в них скрыто, у каждого вызывают особую неповторимую гамму чувств, свои, навеянные воспоминаниями переживания». Артист так спел «Письмо матери», что многие зрители плакали.

Когда Сличенко вернулся с гастролей, он записал на стихи Есенина цикл песен. В газете «Советская культура» писали о концерте, где артист исполнил эти композиции: «Сличенко <...> поет с такой внутренней отдачей, с какой можно спеть только раз в жизни. Каждую песню в каждом концерте он поет «в первый раз».

Николай Сличенко – «Очи черные» (Голубой огонек, 1965 – 1966).

В репертуар Сличенко вошли не только цыганские, но и русские песни и романсы, среди которых «Ручеек», «Гитара семиструнная», «Очи черные». Артиста часто приглашали на телевидение — он пел на «Голубом огоньке», праздничных концертах. Музыкальные критики писали о искренности и эмоциональности его исполнения.

«Я слушал Николая Сличенко множество раз: в спектакле и концерте, в гигантском спортивном зале и у себя дома, в самой интимной, задушевной обстановке. И всегда, в любой обстановке, его пение было художественным событием. Секрет, наверное, в том, что исключительная вокальная одаренность певца, развивающего песенные традиции своего народа, подкрепляется трепетным отношением к песне как святыне духа народа, его культуры. Отсюда бескомпромиссность в художественном отношении, потрясающая самоотдача, глубокая радость сопереживания прекрасного вместе со слушателями, образность исполнительского решения каждой песни»

Философ и литературный критик Владимир Разумный

Николай Сличенко – «Ах, ручеечек, ручеек « («Новогоднее похищение», 1969).

В 1970-х Николай Сличенко часто давал концерты в СССР, Польше, Чехословакии. Он был любимым исполнителем Леонида Брежнева. Однажды артисту даже пришлось отменить запланированные гастроли, чтобы выступить на концерте, который планировал посетить политик.

«Она — моя вечная муза и ангел-хранитель»: личная жизнь.

Николай Сличенко был женат дважды. Его первой супругой стала Сетара Казымова. С ней актер познакомился в одном из московских кинотеатров в декабре 1951 года. Казымова тогда заканчивала школу. Уже через год они поженились. Вскоре Казымова, как и Сличенко, стала играть в «Ромэне». В браке артисты прожили восемь лет, у них родился сын Алексей.

Со своей второй женой — актрисой Тамиллой Агамировой — Сличенко познакомился еще в 1950-х, когда она присоединилась к труппе «Ромэна». Артисты несколько раз вместе играли в спектаклях. Ухаживать за Агамировой Сличенко начал, когда театр был на гастролях в Грузии. В начале 1960-х артисты поженились. В 1963 году у них родилась дочь Тамилла, а еще через несколько лет — сын Петр.

Николай Сличенко – «Письмо матери» (1969).

В браке Николай Сличенко и Тамилла Агамирова живут более шестидесяти лет. О жене артист писал: «Она — моя вечная муза и ангел-хранитель».

Режиссер, педагог, художественный руководитель.

В 1960-х Николай Сличенко стал работать в театре и как ассистент режиссера. В свободное время актер занимался в вечерней школе: он хотел получить аттестат и поступить в институт. Вскоре Сличенко зачислили на высшие режиссерские курсы при ГИТИСе в мастерскую Андрея Гончарова.

«Конечно, поначалу я не смел даже и думать о том, чтобы стать режиссером. Это мне казалось совершенно непостижимым делом. Было просто почтение, трепет, волнение перед профессией режиссера. Но постепенно в работе, в стремлении как можно больше узнать, научиться подсознательно все же готовил себя к тому, чтобы, может быть, через много лет <...> замахнуться на то, что когда-то казалось недостижимым, и всерьез посвятить себя изучению и практическому освоению этой трудной профессии. <...> Чтобы поставить спектакль, мало только специальных знаний по режиссуре. Работа режиссера — это не набор технических средств, с помощью которых можно создать нечто единое, цельное, а прежде всего твое мировосприятие, твоя гражданская и творческая позиция»

Николай Сличенко, книга «Родился я в таборе»

Николай Сличенко – «Клен, ты мой опавший».

Высшие режиссерские курсы Сличенко окончил в 1972 году. Дипломной работой артиста стал спектакль «Грушенька» по повести Николая Лескова «Очарованный странник». Он хотел показать в постановке «родство душ цыганского и русского народов». В спектаклях Сличенко по произведениям русской классики играли цыганские артисты. Иногда он специально добавлял в постановки танцевальные и вокальные номера.

Николай Сличенко – «Только раз» (Новогодний Голубой огонек, 1983).

В 1970-х Сличенко ставил в «Ромэне» собственные спектакли. Вместе с актером и драматургом Иваном Ром-Лебедевым он даже написал пьесу «Мы — цыгане». В театре ее премьера состоялась в 1976 году. А через год Сличенко стал главным режиссером и художественным руководителем «Ромэна». В театре он поставил спектакли «Живой труп», «Птицам нужно небо», «Огненные кони». О театре артист писал: «Цыганский народ всегда был романтичным и музыкальным. И искусство театра «Ромэн» должно соответствовать этому народному настрою, быть театром музыкально-романтическим. Его спектакли мы пытаемся приподнимать над бытом, где эмоциональное звучание доводится до высшей точки состояния человека, до открытого проявления чувств».

В Музыкальном училище им. Гнесиных по инициативе Николая Сличенко в 1978 году открыли студию, где готовили артистов для театра «Ромэн». Преподавал там и сам актер.

Николай Сличенко – «Не спрашивай» (Театральный концерт, 1986).

За «большие заслуги в развитии советского театрального искусства» в 1981 году Сличенко удостоили звания народного артиста СССР. Актер стал первым и единственным цыганом, который этого добился. Через несколько лет за постановку «Мы — цыгане» он получил и Государственную премию СССР.

В 1990-х и 2000-х Николай Сличенко продолжил играть в театре, выступать с концертами. Он побывал на гастролях во Франции, США, Великобритании. Иностранные критики назвали артиста «легендарным цыганом».

В Театральном институте им. Б. Щукина в 2005 году Сличенко открыл Цыганский национальный курс. Как и в Музыкальном училище им. Гнесиных, там начали готовить артистов для «Ромэна».

Сегодня Сличенко продолжает ставить спектакли в театре, выступать с песнями и романсами. В 2020 году за «выдающиеся заслуги в развитии отечественной культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность» артист получил орден «За заслуги перед Отечеством».

Поёт Николай Сличенко (LP) 1970.

Скачать:

https://yadi.sk/d/VjGtSZwDsldmZg

Count Basie Orchestra - A Very Swingin' Basie Christmas! (2015).

В честь 80-летия «The Count Basie Orchestra» выпускает свой первый рождественский альбом «A Very Swingin 'Basie Christmas!». Оркестр из 19 человек слпровождает вокалистов Джонни Мэтиса в песне «It's The Holiday Season», Ледиси в «Рождественской песне» и Кармен Брэдфорд в «Have Yourself a Merry Little Christmas». Кроме того в записи песни «I'm Be Home For Christmas» участвовали приглашенные музыканты Эллис Марсалис (фортепиано) и Плас Джонсон (саксофон).

---amazon.com

1.Jingle Bells            2:36

2.Let It Snow           5:55

3.It's The Holiday Season             4:00

4.Silent Night          3:24

5.Good "Swing" Wenceslas           3:33

6.The Christmas Song       3:41

7.Little Drummer Boy       4:50

8.Sleigh Ride           3:48

9.Have Yourself A Merry Little Christmas       5:04

10.Winter Wonderland     3:08

+

11.I'll Be Home For Christmas    4:32

download (mp3 @320 kbs):

https://yadi.sk/d/8dgPfDBIYWioag

История рок-музыки в 500 песнях. «This Train» by Rosetta Tharpe (1938).

Hickey A. "A History of Rock Music in 500 Songs".

Добро пожаловать на пятый выпуск «Истории рок-музыки в пяти сотнях песен». Сегодня мы познакомимся с сестрой Розеттой Тарп (Sister Rosetta Tharpe) и её песней «This Train» («Этот поезд»). Большая часть музыки Розетты Тарп сейчас находится в открытом доступе, поэтому в сети можно найти множество компиляций. Почти вся информация о жизни Розетты Тарп, использованная в этом эпизоде, взята из книги Гейл Ф. Вальд «Кричи, сестра, кричи! Нераскрытая история рок-н-ролльной «пионерки» сестры Розетты Тарп».

Одна из проблем, связанных с историей рок-н-ролла, о которой мы говорили в прошлом эпизоде - это то, в этом музыкальном жанре доминируют мужчины. Действительно, история рок-н-ролла - это история о мужчинах, вытесняющих женщин, и о белых мужчинах, вытесняющих черных, и, наконец, о богатых белых мужчинах, вытесняющих более бедных белых мужчин, пока в конечном итоге это направление популярной музыки не превратилось в скучный консервативный жанр. Извините за резкость, но не говорите, что я вас не предупреждал, когда мы дойдем до девяностых.

Сестра Розетта Тарп (1915 - 1973 гг.).

Но всё же была в истории рок-музыки одна чернокожая женщина, ответственная за стиль рок-н-ролла вообще и за особенности его исполнения на гитаре, в частности. Чтобы подробнее узнать об этом феномене, нам придется снова совершить путешествие в 1938 год и побывать в Карнеги-холле.

В предыдущих выпусках мы неоднократно говорили о легендарных концертах Джона Хаммонда «From Spirituals To Swing», уже в самом названии которых кроется проблемный аспект.

«From Spirituals To Swing» («От духовных песен к свингу»). На первый взгляд это название принадлежит приятному и простому повествованию  об эволюции популярной музыки, развивающейся преимущественно линейно. Вы начинаете с духовного песнопения, а заканчиваете свингом. Всё предельно просто и легко, как на известных по школьным учебникам диаграммах эволюции человека, где жалкая, сгорбленная, волосатая обезьяна - с одной стороны и статный, высокий, странно безволосый белый человек с тщательно спрятанными гениталиями - с другой.

Дело в том, что большая часть истории «примитивной» музыки - повествования, написанного очень прогрессивными белыми людьми, такими как Джон Хаммонд или Ломаксы - глубоко ошибочна. Музыкальные формы, создаваемые в основном чернокожими, могли казаться в 1930-е годы менее изысканными, но не потому, что они были атавистическими пережитками более примитивных форм, т.н. «музыкальных латимерий», извлеченных из глубин музыкального океана на свет божий. Это происходило, в основном, потому, что люди, создававшие «черную» музыку, часто не могли позволить себе дорогие инструменты и их записи производились на более дешевом оборудовании. Добавьте сюда также все те тысячи способов, которыми наше общество делает жизнь чернокожих и вообще обездоленных людей просто немного сложнее.

Но, тем не менее, именно с концертов «From Spirituals To Swing» началась слава бисексуальной чернокожей женщины, которая настолько новаторски подошла  к исполнению привычной религиозной музыки, что практически изобрела всё из того, что впоследствии станет рок-гитарой.

Томас А. Дорси (1889 - 1993 гг.).

Черная музыка - госпел стала завоевывать американскую сцену примерно в то же время, что и биг-бэнды. Чернокожие, конечно, пели в своих церквях с тех самых пор, как их предки были насильно обращены в христианство, но жанр религиозной музыки - госпел, как мы воспринимаем его сейчас, в значительной степени был создан одним человеком - Томасом А. Дорси (не стоит путать его с известным бэнд-лидером Томми Дорси).

Дорси был блюзовым и джазовым музыкантом, руководил группой знаменитой певицы Ма Рейни, одной из величайших исполнительниц раннего блюза, и под именем «Джорджия Том» сотрудничал с Тампа Рэдом. Их песня «It's Tight Like That» 1928 года - одна из самых ранних записанных хокумов, которая в значительной степени отвечает за многие клише формы. Всего было продано семь миллионов её копий.

Tampa Red and Georgia Tom (Thomas A. Dorsey) – «It's tight like that» (Пре рок-н-ролльная песня, записанная 24 октября 1928 года, стала очень успешной, благодаря сочетанию непристойного деревенского юмора с виртуозной музыкальной техникой. Со своим хитом «Chicago Five» Тампа Ред позже стал лидером чикагской группы «Bluebird», а Томас А. Дорси – «отцом музыки госпел»).

«It's tight like that» сама по себе является одной из самых важных песен, которые когда-либо были записаны - вы можете проследить эту песню, через блюз, через R&B, и найти ее влияние практически в каждой записи, сделанной афро-американцем или тем, кто когда-либо слушал афро-американскую музыку. Если бы Дорси записал только эту пластинку, то и в этом бы случае он остался одной из самых важных фигур в истории музыки.

Но где-то около 1930 года Томас А. Дорси начал писать музыку в совершенно новом стиле. Темы и некоторые мелодии традиционных христианских гимнов сочетались в ней с модным тогда блюзом и джазовой музыкой. Если и можно говорить об одном человеке, как создателе целого музыкального жанра, то это именно тот редкий случай. Госпел, как мы его знаем, был изобретен, в основном, Томасом А. Дорси. Конечно, и до него разные музыканты исполняли евангельские песни, но их стиль сильно отличался от всего того, что мы сейчас воспринимаем как госпел. Дорси был тем, кто собрал все популярные музыкальные идиомы и, «пропустив их через себя», превратил их в нечто, что вдохновляло и до сих пор продолжает вдохновлять популярную музыку.

Томас А. Дорси безумно страдал, буквально «разрываясь» между своей верой в Бога и работой в качестве блюзового музыканта. С музыкантом случилось несколько нервных срывов. В какой-то момент, оказавшись на сцене с Ма Рейни, он не смог заставить себя играть на пианино. Некоторое время Дорси пытался делать параллельную карьеру, но в конце концов решил посвятить себя исключительно религиозной музыке, написав одни из самых известных песен-госпел всех времен «Peace in the Valley» и «Take My Hand, Precious Lord».

Sister Rosetta Tharpe – «Take My Hand Precious Lord» («Возьми меня за руку, Господи»).

Эту песню Томас А. Дорси написал в 1932 году, после того как его жена погибла при родах, а его новорожденный сын умер через пару дней. Он чувствовал огромное горе, которое большинство из нас не может себе представить. Невыносимая боль музыканта чудесным образом превратилась в такую красоту, как эта песня. Это не бесхитростная, «примитивная» музыка и не какой-то вид народного искусства. Всё это создал один человек, который произвел революцию в музыке, написав о своем личном горе, и создал что-то особенное, ставшее великим искусством.

Записала же эту песню сестра Розетта Тарп, которая была одной из величайших певиц своего поколения и одной из великих гитаристок всех времен. Она, как и Томас А. Дорси создавала свою собственную музыку. И её музыка не была остатком чего-то, что позже перерастет в свинг, как думал Джон Хаммонд, а была такой же современной и передовой, как и все, что было сделано в 1930-40-х годах. Творчество сестры Розетты Тарп значит для мировой музыки, в конечном итоге, гораздо больше чем творчество многих, современных ей свинг-групп. Очевидно, не следует судить Хаммонда слишком строго. Он был из другого времени. Примитивный.

Сестра Розетта Тарп в студии "Decca Records" (1940-е гг.).

Сестра Розетта Тарп выросла в Церкви Бога во Христе и всю свою жизнь пела для нее. Поскольку многие из моих слушателей, как и я сам, находятся в Европе, то стоит объяснить, что это за церковь, потому что, хотя у нее и есть филиалы за пределами США, именно там она базируется и там находится большая часть ее членов.

Церковь Бога во Христе (Church of God in Christ, COGIC) - это меннонитская пятидесятническая церковь, самая большая пятидесятническая церковь в США и пятая по величине церковь в мире. Пятидесятники верят в Христа несколько иначе, чем большинство других христианских конфессий, и это важно для понимания творчества сестры Розетты Тарп.

 Прежде чем идти дальше, я должен сказать, что я ни в коем случае не специалист по богословию, и то, что я собираюсь сказать, вполне может быть неверной характеристикой. Если вы пятидесятник и не согласны с моей характеристикой вашей религии здесь, я прошу прощения, и если вы дадите мне знать, я, по крайней мере, обновлю примечания к шоу. В любом случае не сочтите это за неуважение.

 В то время как большинство христиан считают, что человечество навечно запятнано первородным грехом, пятидесятники полагают, что для некоторых, искренне верующих людей возможно прощение. Этим людям будут прощены все прошлые грехи, и они станут безгрешными. Для этого вам, в дополнению к обычному у христиан «водному» крещению нужно «креститься Святым Духом». Это заключение основано на Деяниях Апостолов, в частности на Деяниях 2: 4, где описывается, как в день Пятидесятницы (седьмое воскресенье после Пасхи) сошел на апостолов Святой Дух и «исполнились все Духа Святого и начали говорить на других языках, получив этот дар от Духа».

 В отличие от многих протестантских деноминаций, которые придерживаются кальвинистских убеждений, что только Бог может знать, кто попадет в рай или в ад, и что ничто из того, что вы делаете, не может повлиять на ваши шансы, большинство пятидесятников считают, что вы определенно можете знать куда попадете после смерти. Вы попадете на Небеса, если будете освящены Святым Духом, и «точка».

 По крайней мере, вы можете быть в этом уверены, пока продолжаете придерживаться того, что называется «внешней святостью», и поэтому нужно одеваться консервативно, избегать ругани, пить, играть в азартные игры, курить, танцевать с мирскими намерениями или пользоваться макияжем. Если вы будете соблюдать эти правила, после того как дух войдет в вас, то останетесь святыми и свободными от искушений. Если вы этого не сделаете, то дьявол рано или поздно вас достанет. Для пятидесятников рай и ад – объективная реальность. И страх вечного наказания за земные грехи реально страшил многих из них.

Но пятидесятничество - это не только страх перед наказанием, избежать которого можно праведной жизнью, это также чувство восторга и радости, когда на вас нисходит святой дух. Во многих общинах пятидесятников, особенно на юге США, существует культура абсолютно дикой, безудержной и страстной музыки, приводящей людей в состояние полного экстаза. Неудивительно, что многие из первых рокеров принадлежали к этой церкви. И самой известной и талантливой из них была сестра Розетта Тарп.

Сестра Розетта Тарп со своими поклонниками (1947 г.).

В начале своей карьеры сестра Розетта немногим отличалась от других госпел-исполнителей. Она очень редко играла светскую музыку, но, тем не менее, ее не считают, подобно Махалии Джексон или Томасу А. Дорси, частью евангельской сцены. Когда первый брак сестры Розетты - с проповедником-евангелистом, который, очевидно, оскорбил ее - распался, она переехала в Нью-Йорк и там начала играть для публики, которая сильно отличалась от привычных для певицы церковных прихожан. В то время когда такие артисты, как Махалия Джексон, играли для своей паствы, сестра Розетта Тарп несла Евангелие грешникам. На протяжении всей своей карьеры она играла в ночных клубах и театрах аудитории, которая танцевала, даже когда Тарп пела о святости.

Сестра Розетта выступала в легендарном «Cotton Club» в последние дни его существования. До 1936 года клуб находился в Гарлеме, но после беспорядков переместился в более респектабельный район на Бродвее. В 1920-х и начале 1930-х годов «Cotton Club» был местом постоянных выступлений таких звезд джаза, как Дюк Эллингтон и Кэб Кэллоуэй, хотя к тому времени, когда в клубе начала играть сестра Розетта Тарп там, регулярно выступал только Кэллоуэй. Тем не менее, это было место, которое стоило посетить - по крайней мере, если ты белый. «Cotton Club» был строго разграничен - на сцене только черные, а в зале - только белые. Над чернокожими артистами, подыгрывая расовым стереотипам, обязательно нужно было посмеиваться, по крайней мере, над танцовщицами. Даже Дюк Эллингтон, самый известный в то время джазмен Соединенных Штатов, был представлен как «музыкант из джунглей». Само название заведения - «Cotton Club» - ассоциировалось с рабством и сбором хлопка. Общее ощущение расовой дискриминации, витавшее в клубе,  подчеркивалось тем фактом, что на его стенах висели фотографии известных белых артистов в черном гриме шоу менестрелей.

"Cotton Club" в Гарлеме, Нью-Йорк (1930-е гг.).

Поэтому неудивительно, что концерты, которые сестра Розетта Тарп давала в «Cotton Club», сильно отличались от её выступлений перед церковными прихожанами. Обычно она играла одну и ту же музыку. На протяжении всей своей карьеры Розетта Тарп придерживалась довольно небольшого репертуара, перезаписывая по мере своего развития как артистки старый материал в новых аранжировках и с новыми акцентами. Но в «Cotton Club»  актриса сделала из своего выступления пародию на церковное богослужение, издеваясь над религией на которой выросла.

Изначально сестру Розетту Тарп взяли в «Cotton Club» на двухнедельный договор. Певица думала, что менеджер пошутил, когда предложил ей 500 долларов в неделю. Розетта не поверила, что сможет зарабатывать столько денег – ведь ее роль заключалась в заполнении пауз между выступлениями звезд. Но вскоре Тарп сама стала звездой и подписала контракт с «Decca Records» на запись пластинок.

Первой записью сестры Розетты Тарп, конечно же, стала песня Томаса А. Дорси, первоначально называвшаяся «Hide Me in Thy Bosom», но получившая новое название «Rock Me». Аранжировка версии Тарп в основном соответствует оригиналу Дорси, за одним важным исключением - там, где он писал «пение», Тарп пела «свинг».

Sister Rosetta Tharpe – «Rock Me» (1938).

На концертах «From Spirituals To Swing» Тарп исполнила «Rock Me» и «That's All» при поддержке Альберта Аммонса, одного из основоположников стиля буги-вуги. В записи этого концерта мы лучше, чем в студийной записи, можем услышать и оценить всю мощь выступления сестры Розетты. Качество звука этой записи, конечно, невысокое, но энтузиазм в этом исполнении слышится отчетливо.

Sister Rosetta Tharpe & Albert Ammons – «That's All» (live 1938).

Выступления сестры Розетты Тарп в «Cotton Club» имели настолько большой резонанс, что ей уделил своё внимание влиятельный нью-йоркский еженедельник  «Time», заметив что певица «свингует одни и те же песни в церкви и ночном клубе». Когда «Cotton Club» закрылся, Тарп перешла в «Cafe Society» Джона Хаммонда, место, которое подходило ей больше.

В «Cafe Society» сестру Розетту Тарп пригласил в свой оркестр бэнд-лидер Лаки Миллиндер, с которым певица уже сотрудничала на сессиях «Decca Records». У разных людей разные представления о том, как эти двое начали работать вместе - Мо Гейл, менеджер Миллиндера, утверждал, что это была его идея, и что он увидел в Розетте новую Эллу Фицджеральд, а пианист Билл Доггетт утверждал, что привлечь Тарп была идея самого Миллиндера, а не Гейла.

Лаки Миллиндер (1910 - 1966 гг.).

В любом случае, поначалу комбинация сработала достаточно хорошо, поскольку Тарп пришлось петь те же песни, что и раньше - ее репертуар в стиле госпел, - но при поддержке большого оркестра. Она также перешла с акустической на электрогитару. Ремейк «Rock Me» с группой Миллиндера 1941 года показывает, насколько всего за три года улучшился артистизм сестры Розетты:

Lucky Millinder/Sister Rosetta Tharpe – «Rock Me» (1941).

С этой записью она изобрела гитарный стиль, который Ти-Боун Уокер, Би Би Кинг и другие адаптировали для себя. Именно так сейчас играют электроблюз, но до Розетты Тарп так не играл никто.

После того, как певица присоединилась к группе Миллиндера, они переехали в «Savoy Ballroom» и стали одной из самых популярных танцевальных групп в Нью-Йорке. Вскоре «Savoy» закрыли - якобы из-за проституции, но, скорее всего, потому, что белым женщинам там позволялось танцевать с черными мужчинами, а город Нью-Йорк этого не мог позволить. Хотя, как вспоминал афроамериканский духовный лидер и борец за права чернокожих Малкольм Икс, никто белых женщин туда особенно и не звал.

Однако репертуар оркестра Лаки Миллиндера не нравился Розетте Тарп. Ей все чаще приходилось петь светские песни, а она совсем не хотела делать это.  Розетте не нравились совсем непохожие на госпел-музыку песни такие, например, как «Tall Skinny Papa».  Но Миллиндер, идя навстречу запросам слушателей, требовал от певицы именно этого.

Sister Rosetta Tharpe • Lucky Millinder & His Orchestra – «I Want A Tall Skinny Papa» (1941).

И маловероятно, что она была в восторге от продолжения, хотя в нем она и не пела.

Lucky Millinder and his Orchestra & Trevor Bacon – «I Want A Big Fat Mama» (1941).

Конечно, в группе с Розеттой Тарп случались и хорошие вещи – там она на всю жизнь подружилась с ее молодым трубачом Диззи Гиллеспи, и ей понравилось турне, в которое оркестр ездил с только начинающей свою творческую карьеру вокальной группой «The Four Ink Spots».

Тем не менее, в 1944 году в самый разгар профсоюзной забастовки музыкантов  сестра Розетта  Тарп покинула Миллиндера и вернулась к сольному исполнению. В сентябре того же года она записала одну из самых важных песен в своей карьере «Strange Things Happening Every Day» с Сэмом Прайсом на фортепиано.

Сэм Прайс не ладил с Тарп. Сначала ему не понравилась идея сочетания госпел-музыки с буги-вуги, а потом, когда результат их совместной работы стал огромным хитом , музыкант возмущался, что получил фиксированную плату. Но, тем не менее, «Strange Things Happening Every Day» открыл новый этап в творчестве сестры Розетты Тарп. Именно эту песню часто называют «первой рок-н-ролльной записью в истории популярной музыки».

Sister Rosetta Tharpe • Sam Price – «Strange Things Happening Every Day» (1944).

Вскоре после этого Розетта Тарп начал работать с другой певицей госпел, Мари Найт. Ее партнерство с Мари Найт оказалось партнерством не только в смысле совместного творчества. Хотя Найт до конца своих дней отрицала какие-либо другие отношения кроме творческого сотрудничества, романтические отношения двух известных певиц были секретом полишинеля в сообществе госпел-музыки, которое относилось к гомосексуализму и бисексуальности гораздо спокойнее, чем остальная часть церкви. Некоторые из друзей Тарп описали ее как тайную лесбиянку, но, учитывая ее многократные браки с мужчинами, более вероятно, что она была «би» - хотя, конечно, мы никогда не узнаем наверняка. Так или иначе, Тарп и Найт долгие годы были успешным дуэтом, их голоса идеально сочетались, чтобы обеспечить неподражаемый вокал в стиле госпел, не похожий ни на что из когда-либо записанного. Они перестали работать вместе в 1950 году, но оставались настолько близкими, что Найт отвечала за похороны Тарп в 1973 году.

Сестра Розетта Тарп и Мари Найт (1940-е гг.).

В то время расовая сегрегация была настолько привычным явлением, что сестра Розетта Тарп вынуждены была купить для гастролей собственный автобус и нанять белого водителя. В глубоко разделенной и расистской стране это давало чернокожей певице ряд преимуществ. Для неё считалось приемлемым заходить в некоторые общественные места, куда вход чернокожим был запрещен. Так как Тарп была с белым мужчиной, то предполагалось, что она спит с ним,  что, в отличие от белой женщины, спящей с черным мужчиной, считалось абсолютно нормальным. Если в городе был ресторан только для белых, а она хотела есть, то Розетта могла послать белого водителя, чтобы забрать еду на вынос. И наконец, если в городе не было гостиницы для чернокожих, она могла спать в автобусе.

Хотя Тарп и Найт вместе сделали много отличных записей, самой важной записью Тарп этого периода её творчества стал ремейк песни 1938 года «This Train», которую певица ещё раз записала с участием Сэма Прайса на фортепиано в 1947 году:

Sister Rosetta Tharpe, Sam Price Trio – «This Train» (1947).

В этой песне излагаются жизненные принципы церкви пятидесятников:

«Этот поезд – «чистый» поезд.

Если хочешь кататься на нем, тебе лучше получить искупление.

Никаких любителей табака или курильщиков сигар.

Никаких кликуш.

Если вы хотите получить искупление, вам нужно жить свято».

В конце 1940-х годов в жанре госпел-музыки не было более влиятельной певицы, чем сестра Розетта Тарп. Она стала первой, кто, играя рок-н-ролл, собирал стадионы. На её третью свадьбу, которая состоялась на стадионе Гриффита в Вашингтоне, пришло 25 000 человек. После церемонии бракосочетания, состоялось евангельское шоу, завершившееся грандиозным фейерверком. Даже сводная сестра Тарп должна была заплатить за билет. Судя по всему, Тарп подписала контракт на свою свадьбу семью месяцами ранее, а только потом стала искать себе мужа.

Запись свадебной церемонии сестры Розетты Тарп (1953 г.).

Популярность сестры Розетты Тарп начала убывать в 1950-х годах. Так было, по крайней мере, в ее родной стране, но певица сохранила своих поклонников в Европе. Есть захватывающие кадры с ее участием в концерте 1964 года, снятые английской телекомпанией «Granada TV» на заброшенной железнодорожной станции Wilbraham Road в Манчестере. Вместе с Тарп в шоу участвовали Мадди Уотерс, Отис Спэн, преподобный Гэри Дэвис, Сонни Терри и Брауни МакГи. Выступление проходило на открытом воздухе перед чрезвычайно серьезной аудиторией молодых белых британцев.

Sister Rosetta Tharpe – «Didn't It Rain?» (Отрывок из выступления на Wilbraham Road, 1964)

К тому времени сестра Розетта Тарп стала известна, прежде всего, как блюзовая исполнительница, хотя она по-прежнему пела то же, что и всегда. Творчество Розетты Тарп оказало определяющее влияние на блюз, R&B и рок-н-ролл, о чем многие даже не подозревали. И хотя знаменитая «This Train» была написана не сестрой Тарп (история песни восходит к 1920-м годам), но именно версия Розетты и ее запись вдохновила Вилли Диксона на создание одной из самых известных блюзовых песен всех времен:

Little Walter – «My Babe».

Действительно, всего через несколько месяцев после выступления сестры Розетты Тарп в Великобритании, «Gerry and the Pacemakers», одна из крупнейших Merseybeat групп, записывали свою собственную версию «My Babe». «Gerry and the Pacemakers» были во многих отношениях далеки от музыки госпел, и все же между ними существует более тесная связь, чем вы думаете.

Gerry & The Pacemakers – «My Babe».

Сестра Розетта Тарп умерла от инсульта в 1973 году, так и не получив заслуженного признания. Она попала в Зал славы рок-музыки только в 2017 году. Но если вам нравиться рок-гитара, вы должны быть благодарны, прежде всего, Розетте Тарп. «Кричи, сестра, кричи!».

Vol.4

1. Tampa Red and Georgia Tom (Thomas A. Dorsey) – «It's tight like that» .mp3

2. Sister Rosetta Tharpe - Take My Hand, Precious Lord.mp3

3. Sister Rosetta Tharpe - Take My Hand, Precious Lord #2.mp3

4. Sister Rosetta Tharpe - Rock Me.mp3

5. Sister Rosetta Tharpe - That's All (Live at AFRS).mp3

6. Sister Rosetta Tharpe - Rock Me.mp3

7. Lucky Millinder Orch Rosetta Tharpe - I Want A Tall Skinny Papa.mp3

8. Lucky Millinder - I Want A Big Fat Mama.mp3

9. Sister Rosetta Tharpe - Strange Things Happening Every Day.mp3

10. Sister Rosetta Tharpe - This Train.mp3

11. Sister Rosetta Tharpe - This Train(Live with The Tympany Five).mp3

12. Sister Rosetta Tharpe and Marie Knight - Didn't It Rain.mp3

13. Sister Rosetta Tharpe - Didn't It Rain (Solo Performance).mp3

14. Little Walter - My Babe.mp3

15. Gerry & The Pacemakers - My Babe.mp3

Скачать:

https://yadi.sk/d/SYz0mjEwAaPhhQ