Арт-рок

Стили рок-музыки.

Арт-рок — это стиль рок-музыки, цель которого — отделить жанр от популярного развлечения, при этом термин обычно применяется как золотая середина между мейнстримным и экспериментальным роком. Стиль характеризуется мелодическими, гармоническими или ритмическими экспериментами, а также большим количеством художественных образов в текстах песен. Арт-рок в основном черпает вдохновение из более широкого мира искусства и академической среды, включая современное искусство, арт-музыку, авангардное искусство, экспериментальную музыку, авангардную музыку, а также классическую музыку и джаз.

Характерные особенности арт-рока:

• Обилие вокала и, вообще, песенная ориентация музыкального материала.
• Одна, реже две, продолжительных композиции на альбоме.
• Вокал теряет блюзовые корни, сохранявшиеся в психоделии, и становится более академическим.
• Эпичность, пафосность вокальных партий и музыкального материала в целом.
• В отличие от прото-прогрессива, звук более чистый, ясный и четко организованный, без психоделических влияний.
• Основной «прогрессивный» инструмент — электроорган (Hammond) или синтезатор Moog. Гитара начинает использоваться как замена оркестру.
• Музыка остается в рамках мейнстрима.
• Тексты на сказочные или фантастические темы.

Критики определяют арт-рок как «отказ» от рок-музыки, предназначенной исключительно для популярного развлечения или танцев. Этот термин тесно связан с определенным периодом, начавшимся в 1966–67 годах, который оказал влияние на развитие прогрессивного рока.

Этимология.

Критик Джон Рокуэлл описал термин арт-рок как относящийся к широкому спектру эклектичных тенденций в рок-музыке. В рок-музыке 1970-х годов применение термина «арт» музыкальными критиками и журналистами воспринималось уничижительно, музыкантами и поклонниками как «агрессивно авангардная» или «претенциозно прогрессивная» музыка. Термин «арт-рок» иногда использовался как синоним прогрессивного рока. Исторически этот термин использовался для описания как минимум двух связанных, но различных типов рок-музыки. Первый — это прогрессивный рок, а второй относится к экспериментальным рок-группам, которые отвергли психоделию и контркультуру хиппи в пользу модернистского, авангардного подхода, определенного группой Velvet Underground. Эссеистка Эллен Уиллис сравнила эти два типа:

"С начала шестидесятых годов... в рок-н-ролле существовала контртрадиция, которая имела гораздо больше общего с высоким искусством — в частности, авангардным искусством — чем широко разрекламированный синтез арт-рока [прогрессивный рок]; она подразумевала более или менее сознательное использование основных формальных канонов рок-н-ролла в качестве материала (подобно тому, как поп-исполнители использовали массовое искусство в целом) и уточнение, разработку, игру с этим материалом для создания... рок-н-ролльного искусства. В то время как арт-рок неявно основывался на утверждении, что рок-н-ролл был или может быть столь же достойным, как и более устоявшиеся формы искусства, рок-н-ролльное искусство возникло из навязчивой приверженности языку рок-н-ролла и столь же навязчивого презрения к тем, кто отвергал этот язык или хотел его разбавить, упростить... новая волна унаследовала контртрадицию".

Арт-рок описывается как музыка, подчеркивающая романтические и автономные традиции, в отличие от эстетики повседневности и одноразовости, воплощенной в арт-попе. В книге Ларри Старра и Кристофера Уотермана «Американская популярная музыка» арт-рок определяется как «форма рок-музыки, которая сочетает в себе элементы рока и европейской классической музыки», приводя в качестве примеров английские прогрессив-рок-группы King Crimson, Emerson, Lake & Palmer и Pink Floyd. Общие характеристики включают альбомно-ориентированную музыку, разделенную на композиции, а не на песни, с обычно сложными и длинными инструментальными разделами и симфонической оркестровкой. Его музыка традиционно использовалась в контексте концептуальных записей, а его лирические темы, как правило, были «воображаемыми» и политически ориентированными. Арт-рок также известен тем, что часто переплетается с «серьезной музыкой».

Арт-рок описывается как «более сложный, шумный и нетрадиционный» и «менее подверженный влиянию классической музыки», с большим акцентом на авангардную музыку, в зависимости от того, что считалось авангардом в момент использования этого термина. Сходство между ним и прогрессивным роком заключается в том, что оба жанра описывают преимущественно британскую попытку поднять рок-музыку на новый уровень художественной значимости, и стали инструментальным аналогом концептуальных альбомов и рок-опер, которые, как правило, были более ориентированы на вокал.

Арт-рок также может относиться как к классически ориентированному року, так и к прогрессивному рок-фолк-фьюжену. В эссе Брюса Эдера «Ранняя история арт-рока/прогрессивного рока» говорится, что «прогрессивный рок, также иногда называемый арт-роком или классическим роком», — это музыка, в которой «группы играют сюиты, а не песни; заимствуют риффы у Баха, Бетховена и Вагнера вместо Чака Берри и Бо Диддли; и используют язык, более близкий к Уильяму Блейку или Т. С. Элиоту, чем к Карлу Перкинсу или Уилли Диксону».

1960-е годы

"В конце шестидесятых и начале семидесятых годов рок одновременно присваивал и бросал вызов господствующему взгляду на музыкальное искусство. Это очевидно в разнообразном корпусе музыки, включающем Pet Sounds группы Beach Boys и Sgt. Pepper группы Beatles; «Freak Out» Фрэнка Заппы… рок-опера «Tommy» группы The Who; технологически продвинутый концептуальный альбом Pink Floyd «Dark Side of the Moon»; и джаз-рок-фьюжн Майлза Дэвиса".

—Майкл Кэмпбелл, «Популярная музыка в Америке», 2012

ВС точки зрения академических музыкальных критиков, таких как критики The New York Times, высокое искусство и поп-музыка все больше взаимодействовали друг с другом во второй половине XX века. Первое использование термина «арт-рок», согласно онлайн-словарю Merriam-Webster, относится к 1968 году. По мере того, как доминирующий формат поп-музыки переходил от синглов к альбомам, многие рок-группы создавали произведения, которые стремились к грандиозным художественным заявлениям, где арт-рок мог бы процветать. По мере развития в конце 1960-х годов — параллельно с развитием прогрессивного рока — арт-рок приобрел известность наряду с экспериментальным роком.

Сторонники

Считается, что самой ранней фигурой арт-рока был продюсер и автор песен Фил Спектор, ставший известным как автор благодаря своим «стенам звука», стремившимся к «классическому величию». По словам биографа Ричарда Уильямса, «[Спектор] создал новую концепцию: продюсер как главный руководитель творческого процесса от начала до конца. Он контролировал всё, выбирал артистов, писал или выбирал материал, контролировал аранжировки, указывал вокалистам, как фразировать, руководил всеми этапами процесса записи с мельчайшим вниманием к деталям и выпускал результат на собственном лейбле». Уильямс также говорит, что Спектор превратил рок-музыку из исполнительского искусства в искусство, которое могло существовать только в студии звукозаписи, что «проложило путь для арт-рока».

Лидер The Beach Boys Брайан Уилсон также упоминается как один из первых примеров музыкального продюсера-автора. Как и Спектор, Уилсон был известен как замкнутый студийный одержимый человек, который кропотливо создавал фантастические звуковые ландшафты благодаря своему мастерству в области звукозаписи. Биограф Питер Эймс Карлин писал, что Уилсон был предвестником «нового вида арт-рока, который объединит трансцендентные возможности искусства с доступностью поп-музыки для широкой публики». Опираясь на влияние работы Уилсона и работы продюсера The Beatles Джорджа Мартина, музыкальные продюсеры после середины 1960-х годов начали рассматривать студию звукозаписи как музыкальный инструмент, используемый для облегчения процесса сочинения. Критик Стивен Холден утверждает, что записи середины 1960-х годов The Beatles, Spector и Wilson часто относят к истокам арт-попа, предшествовавшего «помпезному, классически окрашенному» арт-року, зародившемуся в конце 1960-х годов.

Многие из ведущих британских групп 1960-х и 1970-х годов – включая участников The Beatles, The Rolling Stones, The Kinks, The Who, 10cc, The Move, The Yardbirds и Pink Floyd – пришли в музыку через художественные школы. Это учебное заведение отличалось от своего американского аналога менее ориентированной на индустрию программой обучения и фокусировалось на развитии эксцентричных талантов. К середине 1960-х годов некоторые из этих исполнителей стали придерживаться подхода, основанного на искусстве и оригинальности, тогда как ранее они были поглощены исключительно аутентичной интерпретацией музыкальных стилей, заимствованных из США, таких как рок-н-ролл и R&B.

По словам журналиста Ричарда Голдштейна, многие популярные музыканты из Калифорнии (например, Уилсон) стремились к признанию в качестве артистов и боролись с этим желанием. Голдштейн утверждает, что грань между нарушением музыкальных условностей и созданием «по-настоящему популярной музыки» обрекала тех, кому не хватало уверенности в себе (в отличие от Боба Дилана и The Beatles), на «уважительное неприятие, а несколько альбомов с неудовлетворительными продажами обычно означали молчание… Они жаждали славы, как и положено нуждающимся людям, но они также хотели создавать искусство, и когда оба этих импульса не могли быть достигнуты, они сжимались в клубок отчаянной растерянности».

Автор Мэтью Баннистер связывает «более самосознательное, китчевое эстетическое направление арт-рока» с поп-художником Энди Уорхолом и группой Velvet Underground, которые подражали синтезу искусства и поп-музыки Уорхола. Соответственно, «Уорхол развил сочетание бестелесности, «дистанции» и утонченности высокой культуры с «непосредственностью» массовых культурных форм, таких как рок-н-ролл, предложенное Спектором, на несколько этапов дальше… Но эстетика Уорхола была более тщательно проработана, чем эстетика Спектора, которая представляла собой переходную фазу между старомодным авторским искусством и постмодернистскими, отстраненными принципами поп-арта… Подход Уорхола находит отражение во всем арт-роке, наиболее очевидно в его позиции дистанции и отстраненности».

1965–66 гг.

В 1965 году Боб Дилан перешел от фолк-музыки американского движения возрождения фолка, которое он возглавлял в Гринвич-Виллидж, к современной рок-музыке, стилю, который пресса описывала как «фолк-рок». Это событие вызвало споры, но положило начало серии влиятельных альбомов, позже получивших название «Электрическая трилогия»: Bringing It All Back Home (март 1965 г.), Highway 61 Revisited (август 1965 г.) и более поздние.

Blonde on Blonde (июнь 1966 г.). В 1972 году Нат Фридленд из журнала Billboard написал: «В золотой период середины 60-х Боб Дилан и The Beatles проложили путь к расширению рока в область арт-песен с ритмом».

Выход альбома The Beatles «Rubber Soul» в декабре 1965 года считается переломным моментом для поп-музыки. Альбом принес The Beatles признание как артистам со стороны американской мейнстримной прессы благодаря использованию нетрадиционных студийных техник и инструментов, которые не были популярны в рок-музыке в то время. В 1968 году Джин Скулатти из журнала Jazz & Pop признал альбом Rubber Soul «определяющим альбомом „рок как искусство“» и «необходимым прототипом», которому такие крупные артисты, как Rolling Stones (с Aftermath) и Beach Boys, чувствовали себя обязанными следовать.

Ученый Майкл Джонсон связывает «первые задокументированные моменты восхождения в рок-музыке» с альбомом Pet Sounds группы Beach Boys. Выпущенный в мае 1966 года, альбом Pet Sounds стал результатом желания Уилсона сделать «полное заявление», как, по его мнению, ранее сделали The Beatles с альбомом Rubber Soul. В 1978 году биограф Дэвид Лиф написал, что альбом возвестил об истоках арт-рока, а по данным The New York Observer, «Pet Sounds доказал, что поп-группа может создать альбом, сопоставимый по продолжительности с величайшими произведениями Бернштейна, Копленда, Айвза, Роджерса и Хаммерстайна». Pet Sounds также известен как первый концептуальный рок-альбом. В 1971 году журнал Cue описал Beach Boys как группу, находившуюся «в авангарде» арт-рока, среди многих других аспектов, связанных с контркультурой, в период до конца 1967 года.

Период, когда рок-музыка стала наиболее тесно связана с современным миром искусства, начался в 1966 году и продолжался до середины 1970-х годов. В энциклопедии Жаклин Эдмондсон «Музыка в американской жизни» 2013 года говорится, что, хотя этому предшествовали более ранние примеры, дебютный альбом Фрэнка Заппы и Mothers of Invention «Freak Out!» (июнь 1966 года) стал рассматриваться как «первое успешное включение академической музыки в поп-контекст». Базируясь в Лос-Анджелесе с начала 1960-х годов, Заппа смог работать в среде, где студенческий радикализм был тесно связан с активной авангардной сценой, что поставило город впереди других контркультурных центров того времени и продолжало влиять на его музыку. Писатель и пианист Майкл Кэмпбелл отмечает, что альбом «содержит длинный некатегоризированный список влияний Заппы, от классических авангардных композиторов до малоизвестных фолк-музыкантов».

К августу альбом The Beatles «Revolver» продолжил развитие рок-альбома как произведения искусства и эволюцию поп-музыки. Возглавляемый арт-рок-синглом «Eleanor Rigby», он расширил рамки жанра с точки зрения разнообразия музыкальных стилей, включая индийскую, авангардную и классическую музыку, а также лирического содержания альбома, и отхода от прежних представлений о мелодии и структуре в поп-музыке. По данным Rolling Stone, «Revolver показал, что в популярной музыке теперь можно реализовать что угодно — любую тему, любую музыкальную идею». Как и Rubber Soul, альбом вдохновил многих исполнителей прогрессивного рока 1970-х годов, и каждая из его песен была признана предвестницей нового поджанра или стиля.

1967

Clash Music называет дебютный альбом Velvet Underground, вышедший в марте 1967 года, The Velvet Underground & Nico «оригинальной арт-рок-пластинкой». Баннистер пишет о Velvet Underground: «ни одна другая группа не оказала такого влияния на умы исполнителей, писателей и слушателей арт/альтернативного рока 1970-х/1980-х годов». Их влияние продолжалось с 1970-х годов на различных мировых инди-сценах, и в 2006 году The Velvet Underground & Nico был включен в Национальный реестр звукозаписей Библиотеки Конгресса, где отметили: «На протяжении десятилетий [он] отбрасывал огромную тень почти на все поджанры авангардного рока, от арт-рока 70-х до ноу-вейва, нью-вейва и панка». Однако, когда Velvet Underground впервые появились в В середине 1960-х они столкнулись с неприятием и их часто называли «группой для геев». В 1982 году музыкант Брайан Ино сделал известное заявление о том, что, хотя альбом The Velvet Underground & Nico изначально разошелся тиражом всего в 30 000 копий, «каждый, кто купил одну из этих 30 000 копий, создал свою группу».

Пол Маккартни из The Beatles назвал Pet Sounds «пластинкой своего времени», и в мае 1967 года группа ответила собственным альбомом: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, на который повлияли Pet Sounds группы Beach Boys и Freak Out! Фрэнка Заппы. AllMusic утверждает, что первая волна музыкантов арт-рока была вдохновлена ​​Sgt. Pepper's и считала, что для художественного развития рок-музыки необходимо включать в жанр элементы европейской и классической музыки. Многие британские группы...

Вслед за выходом альбома, в списке «Музыка в американской жизни» фигурируют Moody Blues, The Strawbs, Genesis и, «в первую очередь», Pink Floyd. Это использовалось, среди прочих связей, для обозначения сплоченности между группами, которые в 1960-х годах описывались как арт-рок. Басист группы Роджер Уотерс позже заявил, что и Sgt. Pepper, и Pet Sounds «полностью изменили для него все в отношении записей».

1970-е

В 1970 году Pink Floyd выпустили Atom Heart Mother, 23-минутный заглавный трек которого занимал всю первую сторону пластинки. Этот эксперимент с соавтором Роном Гисином привел к созданию самой длинной непрерывной песни Pink Floyd на пластинке — сюиты, разделенной на шесть частей, что иногда требовало от группы использования хора и духовой секции во время гастролей. Альбом имел коммерческий успех, принеся группе первое место в британских чартах. Он ознаменовал сдвиг в их музыке от психоделических экспериментов конца 60-х годов к периоду обновленного творчества в виде более длинной и прогрессивной рок-музыки.

Английская группа Roxy Music переосмыслила звучание арт-рока, делая акцент на художественном выражении и экспериментальных звуках, чтобы расширить границы поп-музыки. В частности, их использование синтезаторов и визуальной эстетики вдохновило более поздние жанры, включая синт-поп и нью-вейв.

Энтузиазм по поводу использования этого термина в музыкальной критике и журналистике ослаб в середине 1970-х годов. С тех пор и до 1990-х годов арт-рок проникал в различные жанры популярной музыки. Энциклопедия Britannica утверждает, что тенденции этого жанра были продолжены некоторыми британскими и американскими исполнителями хард-рока и поп-рока, и что сотрудничество Брайана Ино с Дэвидом Боуи и Talking Heads в конце 1970-х и начале 1980-х годов является примером «успешного проникновения тенденций арт-рока в другие жанры популярной музыки». Боуи и Ино сотрудничали над серией последовательных альбомов, названных «Берлинской трилогией», которую журнал Consequence of Sound охарактеризовал как «трилогию арт-рока», отметив, что на момент их выхода «экспериментальные записи не находили отклика у аудитории в том масштабе, к которому привык Боуи… Новая волна взорвалась, и на сцену вышло поколение потомков Боуи».

Зарождавшиеся тогда пост-панк и новая волна описывались как арт-рок, поскольку группы включали экспериментальные и авангардные элементы, которые были отличительными чертами арт-рока. Эта новая форма арт-рока позже получила название «арт-панк». Знаковый дебютный альбом Television, Marquee Moon, выпущенный в 1977 году, стал влиятельным альбомом современного арт-рока, и Pitchfork позже заявил: «[Television] использовали энергию, которую вы ассоциируете с панком, даже смешивая её с арт-роком и поэтическими порывами фронтмена Тома Верлена». Кроме того, Television первоначально работали с арт-рок-музыкантом Брайаном Ино, но из-за внутренних конфликтов не наняли его для продюсирования своего дебютного альбома.

1980-е–2020-е

В 1980-х годах такие группы, как Talk Talk, разработали новый стиль арт-рока, отличающийся от стиля 1970-х годов. В то время многие из оригинальных исполнителей арт-рока 1970-х годов отказались от своего экспериментального звучания. В 1981 году журналист Рой Тракин написал: «Конечно, эти ветераны по-прежнему могут заполнять Мэдисон-сквер-гарден и продавать множество пластинок, как и всегда, но их дни авантюрного риска и музыкальных инноваций давно прошли — их сменило самодовольное удовлетворение от коммерческого успеха».

В 1990-е годы и на рубеже веков альтернативные рок-группы, такие как Radiohead и Arcade Fire, стремились создавать студийные альбомы, которые объединяли звучание оригинальной эпохи арт-рока с влиянием современной альтернативной музыки. Это звучание было обязано классическим арт-рок-группам, таким как Pink Floyd и Дэвид Боуи, а альбом Arcade Fire 2022 года We был описан как «старомодный арт-рок-альбом в стиле 1970-х годов».

В 1997 году Radiohead выпустили альбом, который впоследствии стал считаться их лучшим, OK Computer, «…возможно, самый замечательный». «Что касается альбома Radiohead OK Computer, то он был и остается объединяющей пластинкой. По любым меркам, он довольно экстравагантен: мрачный, холодный, онемевший, сложный, явно уже не та талантливая, но традиционная группа, которая создала Pablo Honey и The Bends. Это также, безусловно, их самый продаваемый альбом». Этот альбом стал большим шагом в дальнейшем развитии арт-рока, объединив то, что представлял собой этот жанр до него, с более медленным звучанием.